THE KILLERS, Por Eloy Caínzos

The killers (Código del hampa)
Director: Donald Siegel
Guión: Gene L. Coon, a partir del relato corto The killers de Ernest Hemingway
Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, John Cassavetes, Clu Gulager, Ronald Reagan.
(EE.UU) 1964

Sinopsis:

Charlie Stom y Lee, (dos asesinos a sueldo) entran en una residencia para invidentes para acabar con la vida de Johnny North (ex-piloto de coches de carreras) quien supuestamente se había apoderado de un millón de dólares, (botín cosechado tras el robo de un camión). Tras acabar con su vida sin ninguna oposición por parte de la víctima, Charlie se pregunta el por qué de esta actitud, comenzando a investigar a través de interrogatorios. El hilo les llevará hasta Jack Browning, conocido pez gordo dentro del mundo del hampa y su “juguetito” Sheila Farr, la cual tuvo una relación con North, lo que acabó por costar la vida de éste. Johnny North no puso ninguna oposición a su asesinato, pues para el la vida terminó cuando Sheila le traicionó, rompiéndole el corazón. Descubierto el entuerto tras el interrogatorio a Sheila, Charlie y Lee deben acabar con la vida de Jack, antes de que éste acabe con las suyas, pero un francotirador (el propio Jack) mata a Lee y deja malherido a Charlie, quien consigue huir y llegar hasta la mansión de Jack (lugar en el que se encuentra el millón de dólares ) donde da muerte al hampón y a su amante antes de morir desangrado en el jardín junto a la maleta llena de billetes.

Film noir al más puro estilo Siegel, frío, certero y sin concesiones morales, los tipos duros no bailan (cómo reza el título de la novela de Mailer) pegan fuerte y disparan primero. Extraordinaria pareja de malo y malísimo formada por Lee Marvin (quizá el tipo más duro visto nunca en una pantalla) y Clu Gulager (no se que me da que Tarantino se inspiró en este dúo para crear a Jules y Vincent Vega) la femme fatale está interpretada exquisitamente por una siempre estupenda Angie Dickinson (¡Pero si engaña hasta al espectador con esa sonrisa angelical, que resulta esconder un auténtico diablo!) su fría y excitante presencia describen a la perfección un personaje sin escrúpulos capaz de engañar a cualquiera para conseguir sus objetivos. La figura del hampón está encarnada formidablemente por Ronald Reagan, es la del tipo que lo compra todo, no importa el precio que tenga, además, es más listo que nadie, no se deja llevar por los sentimientos y siempre tiene un as en la manga. Si eres tan estúpido para hacer negocios con este tipo… amigo, cúbrete bien las espaldas y sino pregúntale al cadáver de Johnny North.

La contundencia del tono queda claramente marcada desde la escena de apertura. Los dos asesinos a sueldo entran decididos en la residencia para ciegos donde zarandean salvajemente a la recepcionista (¡Una mujer madura y ciega!) para averiguar dónde se esconde Johnny North, (estos tipos no discriminan a nadie), tampoco se lo piensan dos veces a la hora de vaciar sus cargadores contra el cuerpo del ex-piloto.

La película se estructura a través de falsh-backs, que se producen cada vez que el dúo de mercenarios interroga a algún testigo, al cual por supuesto golpean adecuadamente para que cante a su gusto. Estructura de puzzle al modo de “Ciudadano Kane” a través de la cual vamos conociendo los motivos que llevaron al asesinato de Johnny, un piloto con grandes reflejos que cometió el error de enamorarse de la mujer equivocada, una perdición con estupendas curvas, mucho más difíciles de controlar que las de los circuitos y un bello rostro que nubló su inteligencia.

Economía de medios propia de la serie b. Las carreras de coches mezclan imágenes reales extraídas de archivo con transparencias deficientemente insertadas (lo normal en la década de los 60 independientemente del presupuesto de producción) Llama la atención para mal la carrera de cars entre Sheila y Johnny, cuando el plano se abre a general es demasiado evidente que no es Angie Dickinson la que lleva el volante, del mismo modo, cuando se utiliza el plano medio las transparencias del fondo son borrosas y no dejan de moverse mientras que la silueta de la mujer permanece fija, no se a que es debido éste error, los planos medios de John Cassavetes son bastante dignos, al empalmar unos con otros parece que estén en lugares diferentes.

Soberbias las interpretaciones llevadas a cabo por los actores, impresionante el rictus de Lee Marvin , (su rostro impertérrito refleja a la perfección el mundo interior de un asesino, mata con la naturalidad con la que un ama de casa hace la colada, el asesinato y la tortura es algo rutinario, simplemente un trámite que hay que cumplir para cobrar a fin de mes, no habla, escupe palabras, seco y directo como un gancho de derechas o un trago de bourbon) y la serenidad y contención de la que hace gala Ronald Reagan, su rostro es el de un ganador de pocker, a juzgar por su mirada siempre lleva la mejor baza, efectivamente, es así.

Don Siegel maneja a la perfección los códigos del género, no se anda por las ramas, nos describe un mundo marginal, sórdido, interesado y en el que todos están condenados de antemano. Desde los primeros fotogramas está claro que nadie saldrá con vida, no hay buenos en la historia, sólo ilusos o estúpidos que se dejan llevar por cantos de sirena, el dinero es el dios que guía las vidas de los protagonistas, las armas la ley que pone a cada uno en su lugar. La policía sólo aparece al final, cuando la historia ya está resuelta, es ajena a éste violento mundo que tiene sus propias leyes, lejos del orden establecido.

TERROR EN LA ÓPERA

Opera (Terror en la ópera)
Director: Dario Argento
Guión: Franco Ferrini
Intérpretes: Cristina Marsillach, Coralina Cataldi Tassoni, Daria Nicolodi, Francesca Cassola y Ian Charleson.
Fotografía: Ronnie Taylor
(Italia) 1987

Sinopsis:

Betty una joven soprano debuta en el papel de lady Macbeth tras la muerte de la diva principal. La representación es un éxito y dos hombres se disputan su amor (el director de la obra y un policía que investiga el accidente de la diva) pero a partir de entonces comienzan a producirse una serie de asesinatos a los que la joven asiste como testigo obligado, (el asesino la amordaza antes de acometer los crímenes). Todas las personas que tienen alguna relación con la chica van muriendo uno a uno. La investigación policial no da con el culpable, sin embargo los cuervos utilizados en la representación descubrirán al asesino, (que resulta ser el policía), cuando son soltados durante una actuación, a pesar del ataque sufrido, éste consigue adentrase en el camerino de Betty e intenta matarla, pero un incendio provocado por el mismo parece acabar con su vida. Betty se va a descansar a los alpes con el director de la obra, cuando el asesino, (que había dejado un maniquí en el camerino incendiado simulando su muerte) aparece para matar a la soprano. Afortunadamente la policía estaba al corriente y dan alcance al agresor antes de que acabe con la vida de la joven.

El ojo es el protagonista absoluto de la película, (ésta se abre acertadamente con el primerísimo primer plano del ojo de un cuervo), metáfora del cine en general y el giallo en particular, espectáculo voyeurístico en el que el espectador se convierte en cómplice del asesino, (nuestros ojos son testigos en primera persona de todos los crímenes), impune desde su cómoda butaca. Los ojos de la torturada Betty (repetidas veces en plano detalle) son rasgados una y otra vez por los alfileres que el asesino le coloca, éste utiliza prismáticos en la ópera, el colirio que la protagonista se aplica le hace ver la realidad distorsionada, su vecina que mira por el ojo de la cerradura es brutalmente asesinada por una bala que entra por la mirilla y acaba mutilando su órgano visual, cuando el asesino es descubierto, los cuervos le picotean dejándole tuerto. El persistente uso de la cámara subjetiva (rasgo característico del género) nos sitúa en el punto de vista del asesino tanto como de la víctima (somos sus ojos).

La película está excelentemente planificada, las tomas panorámicas de la ópera describen al detalle la monumentalidad y belleza del edificio, huyendo del barroquismo visual utilizado en películas anteriores, (“Profundo rosso”, “Suspiria”), sobre todo en lo que se refiere a la paleta de colores, así como a los irreales espacios urbanos (recreados en estudio) utilizados como decorados, Argento utiliza una coloración más convencional y le da más importancia a los interiores, espacios suntuosos cargados de lujo. El edificio de apartamentos donde vive Betty es un laberinto claustrofóbico lleno de trampas y puertas falsas, una ratonera donde el asesino es el gato que persigue a los roedores. Los inacabables pasillos, el viejo conducto de aire acondicionado, las espaciosas y recargadas habitaciones confieren al film un aire onírico, pesadillesco.

La escena más destacada es el asesinato del joven amante de Betty en la mansión de su tío. Cuando el joven sale de la habitación después de intentar practicar el sexo con la soprano (nadie que haga cualquiera de las dos cosas sobrevive a una película de terror… ¡Hay que ser inconsciente!) el asesino aprovecha para hacer acto de presencia, sus enguantadas manos (junto con la máscara y la gabardina completan el vestuario indispensable de todo giallo’s killer) rodean el cuello de la joven, tapa su boca con esparadrapo, une sus muñecas con un fuerte nudo, lo mismo hace con su cuerpo, no puede hablar, no puede moverse, pero está obligada a observar. El asesino le ha pegado una tira de esparadrapo con alfileres en cada ojo, para evitar que ésta los cierre (versión gore del experimento Ludovico al que someten a Alex en “La naranja mecánica”, esta vez cambiado películas por imagen real) los primeros planos de los ojos de la protagonista muestran como está asistiendo al horror sin poder pestañear, vemos con que angustia lucha por no cerrarlos, mientras inevitablemente el roce de las agujas en sus párpados va haciendo que brote la sangre. El joven entra de nuevo en la habitación desorientado, sin saber la terrible sorpresa que le aguarda, el asesino tiene predilección por las armas blancas como instrumento de tortura, taja con fuerza la garganta del joven, hasta que la fría hoja es calentada por la densa sangre y se introduce en la boca del incauto, el cual mira atónito a Betty entre gritos de dolor. Tras el grotesco espectáculo y con el ensangrentado cadáver del joven tendido en el suelo, el verdugo manosea lascivamente a Betty mientras le susurra, “-no eres unas frígida, eres una perra en celo”

Otra secuencia inolvidable es el brutal asesinato de la vecina de Betty en el interior de su apartamento. El asesino llama a la puerta haciéndose pasar por un policía, la mujer desconfía, pero en el intento de visionar si la placa es o no auténtica un seco disparo se introduce por la mirilla hasta atravesar la cuenca de su ojo izquierdo para salir más tarde por la nuca, la imagen rodada a cámara lenta (primer plano de la bala atravesando la mirilla, primer plano lateral de la cabeza de la mujer siendo atravesada por la misma, plano general que muestra a Betty agachándose asustada mientras la mujer cae abatida por el disparo) describe con una estética exquisita el terrible crimen. Antológico.

El final normalmente elogiado por tratarse de un inesperado giro de guión, es, a mi entender; psicotrónico, el excelente gusto mostrado en la elección de los decorados, que describen a la perfección el ambiente decadente que rodea al elitista mundo de la ópera, contrasta con el paisaje luminoso, inocente y bucólico de los alpes, parece que estemos viendo una versión sangrienta de Heidi, resulta además demasiado precipitado el ritmo que se imprime a la acción en contraste con el lento discurrir de los acontecimientos hasta ese momento.

Sin lugar a dudas nos encontramos ante una de las grandes obras del maestro italiano, quizá junto con “Profondo rosso”, “Suspiria”, “Inferno” y “Ténebre” conformen las joyas de su filmografía.

MASTERS OF HORROR: The Fair-Haired Child

The Fair-Haired Child (En el sótano)
Director: William Malone
Guión: Matt Greenberg
Música: Nicholas Pike
Fotografía: Brian Pearson
Intérpretes: Walter Phelan, Jesse Hadock, Haley Morrison, Ian Wallace, Lindsay Pulsipher, William Samples, Lori Petty
(EE.UU) 2005


William Malone, (reconozco que no sabía que este tipo dirigía ningún episodio de la serie) director hasta la fecha de productos de terror para todos los públicos bastante dados al bostezo como “House of Haunted Hill” o “Miedo punto com” es el encargado de sumergirnos en este nuevo capítulo de oscura ficción.

Sinopsis:

Tara es raptada al salir del instituto. Despierta en lo que parece un sanatorio pero en realidad se trata de una mansión victoriana. Los dueños de la casa la encierran en el sótano dónde un joven llamado Jhonnie se encuentra sólo, el chico no puede hablar pero poco a poco van comunicándose a través de gestos y éste le explica a la chica el peligro que corre permaneciendo allí, él es tan sólo un recipiente corpóreo para que el alma del hijo del matrimonio dueño de la casa, (el cual murió ahogado años atrás) vuelva a cobrar vida. Para ello doce niños han de ser sacrificados en cada aniversario del primogénito, una criatura del averno se encarga de matar a los menores, según lo pactado con el príncipe de las tinieblas. El joven conseguirá mediante una negociación con Lucifer cambiar la vida de los doce niños por las dos de sus progenitores, salvando así a la chica.

El comienzo es impactante e inesperado, primero un hombre atropella a una estudiante y la introduce en la parte de atrás de su furgoneta. Fundido en negro. La joven aparece en la habitación de un supuesto sanatorio y una mujer se hace pasar por enfermera, aunque todos sabemos que no lo es, la frialdad clínica de la sala donde Tara es interrogada sobre su historial médico parece sacada de la peor de las pesadillas, el cuestionario aparente normal pronto dejará entrever oscuras intenciones, entre las clásicas preguntas del tipo: ¿Tienes alguna enfermedad sanguínea?, se cuela una violenta: ¿Has mantenido alguna vez relaciones sexuales?, para más tarde acabar provocando el pánico con un… ¿Has sido bautizada? El oscurantismo parece ya inevitable en el devenir de la historia. La estudiante intenta escapar, se asoma a la ventana y grita auxilio llena de angustia pero nadie la oye, se encuentra encerrada en mitad de ninguna parte.

No menos truculento es el sótano donde la encierran a continuación, no hay indicios de ventana ni ventilación alguna en este lugar mohoso y polvoriento lleno de huesos, donde un joven intenta suicidarse con una soga al cuello, las paredes están llenas de inscripciones que avisan del peligro que corren los huéspedes de tan siniestro agujero, no hay salida, la tensión comienza a crecer, las puertas a otras habitaciones sólo contienen más desesperanza, restos de cadáveres y sangre esparcida en cada rincón son signos inconfundibles de que la muerte acecha y está ya muy próxima. La terrorífica sorpresa, precedida por los espasmódicos movimientos del chico, llega en forma de un ser alopécico de baja estatura y afilados rasgos que sube de las profundidades del averno para cobrarse la recaudación del maligno en forma de vida humana.

A partir de aquí la lucha por la supervivencia será ardua cuanto menos, una indefensa mortal contra un monstruo salido de las tinieblas, sin embargo, el mudo huésped parece tener voz en esta guerra, él es el continente que espera la llegada de un alma que vaga por el purgatorio o yace ya en el mismo infierno. Advierte a Tara de lo que va a pasar, a pesar de todo la incontenible bestia infernal acaba por devorarla.

Finaliza el ritual y el añorado hijo pródigo vuelve a la vida gracias a la sangre derramada, sus padres recuperan la felicidad y la cordura antaño perdidas, sin embargo Johnnie no parece muy agradecido con el gesto que han hecho por él, ha llegado a un acuerdo con Belcebú para cambiar las vidas de los doce niños por las de sus dos progenitores los cuales se topan cara a cara con el poder de las oscuridad que acaba trágicamente con sus vidas. La joven estudiante vuelve a la vida, no recuerda nada, ya que Johnnie la a sedado para que sus terribles recuerdos no la hagan caer en shock y vaya recoradando poco a poco. La escena final llena de luz contrasta con la atmósfera sombría del resto del film, los dos jóvenes pasean por el jardín en un día soleado mientras dejan a su paso la tumba de los padres de Johnnie.

La actitud maquiavélica de los destrozados progenitores plantea una clara pregunta, ¿la vida de un hijo está por encima de todo?, ¿justifica la vida de nuestro retoño matar a todos los niños que sean necesarios, para devolvernos su ansiada presencia? Aunque en el film se trate desde un punto de vista fantástico y exagerado, esta idea siempre ha estado presente en la vida del ser humano, (un claro caso en el mundo contemporáneo es el tráfico de órganos) La película está claramente en contra de esta idea y prueba de ello es que los progenitores se presentan como los malvados de la función, ella una demente, fría, cruel y manipuladora, él una sombra de lo que fue, débil y atribulado, continúa culpándose por la muerte de su hijo por no saber nadar y no poder rescatarlo, desde entonces ella lo maneja a su voluntad para dejar que el terrible pacto siga cumpliéndose cada cumpleaños.

El punto más flojo de la cinta son los flasbacks que recuerdan la muerte del joven, parecen querer emular cromática y dramáticamente a ciertas películas de Ingmar Bergman como “El séptimo sello” o “La hora del lobo”, cayendo en el ridículo más absoluto, más que un homenaje cinéfilo al maestro sueco, consiguen una parodia “chanante” de estas obras maestras.

La película posee una loable atmósfera enrarecida, sustentada fundamentalmente por la presencia de la madre del chico, su extremada delgadez, su pálido rostro, sus cortos cabellos, unidos a su fría y secante actitud componen un personaje realmente escalofriante.

El resultado final del metraje es correcto, se echa en falta no obstante más personalidad tras las cámaras, una cinta de género debe ser más visceral, sobre todo si es de terror, la interesante y macabra historia se ve truncada en parte por ese aire mainstream y esa fotografía de telefilm barato, ¡lástima!.

FUNHOUSE (La casa de los horrores)

Funhouse (La casa de los horrores)
Director: Tobe Hooper
Guión: Larry Block
Fotografía: Andrew Laszlo
Intérpretes: Elizabeth Berridge, Cooper Huckabee, Shawn Carson, Jeanne Austin, Jack McDermott, Largo Woodruff, Miles Chapin, David Carson, Kevin Conway
(EE.UU) 1981


Sinopsis:

La joven Amy que vive en un hogar “american way of life” junto a sus padres y a su hermano pequeño, sale un sábado por la noche a vistitar el parque de atracciones que ha llegado a la ciudad junto con su novio Buzz y sus amigos Richie y Liz. Los cuatro jóvenes visitan varias atracciones hasta llegar a “la casa encantada” (en realidad un tren del terror bastante infantil). Tras la atracción los jóvenes deciden quedarse retozando justo encima de la habitación de Madame Zena, la cual es asesinada por el monstruoso hijo del dueño de la atracción. Los jóvenes asisten atónitos a la matanza y pronto son descubiertos por el padre de la deforme criatura, quien a sabiendas de que son testigos del crimen, les irá dando muerte uno a uno hasta que Buzz acaba con su vida, que será vengada por su deforme hijo. Amy quedará como única superviviente, consiguiendo dar muerte al monstruo y escapando de la atracción al amanecer.

El tejano Tobe Hooper cierra con esta malsana, enfermiza y granguiñolesca película tras, “ La matanza de texas”, “Trampa mortal” y la adaptación para televisión de “Salem’s lot” la primera parte de su filmografía.

La película se abre con un paródico doble homenaje a “Psicosis” Alfred Hitchcock, 1960 y “La noche de Halloween” John Carpenter, 1978. La cámara subjetiva nos muestra la visión del psicópata entrando en la habitación de algún niño aficionado al terror, la estancia está plagada de máscaras macabras, posters terroríficos y diversas armas blancas, el psicópata coge un cuchillo y se enfunda una máscara de payaso,( tal como hiciera el tierno y perverso Michael Myers en la obra fundacional de Carpenter), mientras una joven se desnuda y se introduce en la ducha, el asesino avanza por el pasillo mientras su respiración va subiendo de tono crispando más y más los nervios del espectador. Una vez en la ducha corre la cortina y clava el cuchillo en la víctima… pero sorpresa, el cuchillo es de plástico y el supuesto psicópata no es más que el hermano pequeño de la víctima gastándole una broma (Un poco cabroncete y sucio el crío, ¿no?)
Toda una declaración de intenciones del realizador nacido en Austin.

Desde esta primera y genial escena la película es toda ella un enorme homenaje al género de terror, los padres de Amy ven por televisión “La novia de Frankenstein” James Whale, 1933, la grotesca y bizarra feria nos retrotrae a “Freaks” Tod Browning, 1932 y el desarrollo posterior de la cinta es un claro homenaje a la salvaje ópera prima de Hooper. Tanto la estructura de la historia que va creando un ambiente enrarecido a través de personajes siniestros y amenazantes, (el viejo borracho que espía a las bailarinas de streaptease, la vieja beata que sermonea a las jóvenes, la pitonisa Madame Zena), como los propios personajes: Amy, (sufridora heroína que verá como van muriendo uno a uno sus amigos mientras ella lucha por sobrevivir), y el monstruoso hijo del dueño de la casa encantada (éste último parece un primo no muy lejano de Leatherface, en esta ocasión cambia la máscara de piel humana por una de Frankenstein), recuerdan a la sangrienta matanza recreada en el desierto texano.

El parque de atracciones en el que se desarrolla la acción, es real, se trasladó desde Akron (Ohio) hasta los estudios de rodaje, en Florida. El carrusel de atracciones, los fenómenos de feria (reses con malformaciones, fetos flotando en formol) y los extravagantes maestros de ceremonia (un mago que perfora con una estaca a una voluntaria en directo, un pequeño hombre coronado por un peculiar sombrero anuncia a las mujeres más bellas del país) logran hacer de la feria un lugar fascinante lleno de rincones extraños llenos de magia y misterio. La atracción estrella es “La casa encantada” su peculiar presentador (el “look” debe de venir en el manual de feriante, chaleco de cuero y joyas de oro) advierte a los incautos visitantes antes de adentrarse en el siniestro lugar: “¿Quién se atreve a entrar en nuestra casa encantada?, terror hasta el paroxismo, gritarán ustedes de terror, suplicarán que se les libere, pero no conseguirán escapar porque nadie puede escapar de la casa encantada, ¿Quién es lo suficientemente hombre para entrar en este oscuro mundo?”

Mención especial merece la repulsiva caracterización del monstruoso asesino gracias al artesano trabajo de Rick Baker y Craig Reardon.

A pesar del carácter “teenager” del film (diálogos intrascendentes, personajes estereotipados) y de su estructura de slasher o body count (asesino mata-adolescentes) al uso, Tobe Hooper sabe imprimir ciertas dosis de sadismo irreal, (el hachazo en la cabeza que Buzz propicia por accidente a su amigo Richie) e ir creando una atmósfera malsana claramente in-crescendo que logra su climax en la escena final en la sala de máquinas, dónde se lleva a cabo un angustioso combate entre el terrible monstruo y la joven e indefensa Amy.

Un pequeño clásico del terror dentro de las b-movies ochenteras.

TANGO (o como se tituló absurdamente en España "La maté porque era mía"), por Jean-Pierre Olarte

Tango (La maté porque era mía)
Director: Patrice Leconte
Guión: Patrice Leconte
Música: Angélique Nachon & Jean-Claude Nachon
Fotografía: Eduardo Serra
Intérpretes: Philippe Noiret, Richard Bohringer, Thierry Lhermitte, Carole Bouquet, Jean Rochefort, Miou-Miou, Elodie Bouchez, Judith Godrèche
(Francia) 1992


El realizador galo Patrice Leconte, ex-miembro de la revista Cahiers du Cinéma y responsable entre otros largometrajes de “Monsier Hire”, “El marido de la peluquera” o “La viuda de Saint-Pierre” nos regala en esta película una deliciosa comedia llena de deseo, celos y asesinato.

Hemos de agradecer la libre traducción del título al castellano, ¡Enhorabuena por destripar parte del argumento!, ¿Quién coj.... es el encargado de traducir los títulos?, además, en España (y en el resto del globo terráqueo) todo el mundo sabe lo que es un tango, pieza musical que suena a lo largo de toda la película (la preferida de uno de los protagonistas), la cual se caracteriza por su fuerza pasional y su temática amorosa, muy acorde con la ideología del film y con el desarrollo de la historia.

Sinopsis:

Un piloto de aeroplanos descubre que su mujer le engaña mientras éste vuela. Persigue al amante en su avioneta hasta hacerle estrellarse a bordo de su coche, más tarde sube en el vehículo aéreo a su esposa a la cual deja caer al vacío desde las alturas. Misteriosamente es declarado inocente del doble cargo de asesinato.
Años después un hombre casado engaña constantemente a su esposa hasta que ésta, cansada, le abandona, el hombre sufre de una manera que nunca hubiera imaginado, la echa de menos y lo peor (para él) es que ya no tiene ganas de acostarse con otras, para acabar con su dolor y siguiendo el consejo de su tío, decide acabar con la vida de ésta, para así olvidarse de ella. Para acometer tal trabajo recurren al piloto que se había deshecho de su mujer y amante seis años atrás, amenazándole con reabrir el caso, (el tío del hombre abandonado por su esposa es el juez que había dictado la sentencia de inocente). Comienza así un viaje en busca de la mujer para darle muerte.


Exquisita comedia negra llena de sarcasmo e ingenio. El trío que conforman los tres personajes masculinos, es sencillamente, memorable. Tres hombres, un viudo, un soltero y un separado, en un viaje iniciático que les llevará a comprender un poco mejor la naturaleza femenina y la suya propia, diálogos plagados de frases inolvidables y cargadas de irritante misoginia.

En referencia al matrimonio:

- Como decía mi abuelo, más vale una buena paja que un mal matrimonio

Sobre la satisfacción de la mujer al descubrir una infidelidad:

- Ahí están, sonrientes, como un árbitro de fútbol dispuesto a sacarte la tarjeta amarilla

Los títulos de crédito son toda una declaración de intenciones: una serie de estadísticas nos explican que la mayoría de hombres casados han pensado alguna vez en matar a su esposa, del mismo modo la mayoría de ellos quisieran seguir solteros. Por contra los solteros entrevistados en su mayoría preferirían estar casados, ¡Esto no hay quien lo entienda! (rezan asimismo los créditos) Ésta es la idea que planea a lo largo de todo el metraje, (nunca mejor dicho) la insatisfacción personal, independientemente de la situación personal en la que nos encontremos. Cuando estamos en pareja deseamos relacionarnos con otras personas, sin embargo cuando nos quedamos solos echamos de menos a nuestra pareja y nos damos cuenta de lo que sentíamos por ella. La solución parece tenerla el maduro juez, el cual nunca ha estado casado y lleva una vida solitaria, tranquila, acompañado tan sólo de su gato, a pesar de ello su curiosa idea de que hay que matar a todas las mujeres que nos hacen daño personalmente, denota que ha sufrido por amor en el pasado. La frialdad con que plantea ésta idea es desternillante de puro surrealista.

El humor negro está presente a lo largo de todo el metraje, llama la atención la escena realizada en el interior de una cafetería, en la que una mujer, cuyo rostro refleja el desprecio que siente por su pareja, acaba por dispararle a quemarropa, huyendo finalmente con el trío protagonista. Más tarde en otra secuencia no menos inverosímil la misma mujer propone a los tres hombres dejarla embarazada, pues está ovulando, uno de ellos ni corto ni perezoso accede, copulando con ella tras unos matorrales.

Al principio del metraje asistimos a otra escena no menos curiosa, la mujer de uno de los protagonistas fornica en su lecho conyugal por despecho con el taxista que le ha traído a casa, tras pillar a su marido conversando acarameladamente con una joven señorita, el marido totalmente calmado replica a la mujer que no puede hacer eso, a lo que su esposa contesta: ¿Cómo que no puedo?, lo estoy haciendo.

Desternillante.

No obstante mi escena preferida es aquella en la que el hombre abandonado apuesta en el restaurante de un hotel con sus compañeros de viaje, que es capaz de seducir a una mujer en tres minutos, convenciéndola de que suba con él a su suite. El hombre narra a la atractiva señorita la apuesta y le pide que por favor le acompañe, pues hay en juego mucho dinero, ésta accede y durante el trayecto hasta la habitación elucubran como habría sido el encuentro amoroso de haber sido real, la sorpresa se produce cuando al llegar a la habitación la mujer introduce realmente al atribulado protagonista en su habitación. A la mañana siguiente cuando el feliz triunfador se va de la suite, un hombre mayor sentado en las escaleras le pregunta como le ha ido la noche, pues la mujer con la que se ha acostado es su esposa, éste no se encuentra ofendido, es algo que hace con frecuencia, pues él no es capaz de satisfacerla, (todo un ejemplo de tolerancia llevado al extremo) además el disfruta limpiando la habitación posteriormente, oliendo el aroma que ha dejado el transcurso de la noche y escuchando el agua de la ducha chocar contra la piel de su mujer (el que no se conforma es porque no quiere).

Como se puede observar después de haber leído la descripción de algunas escenas de la película, en ella tienen cabida todo tipo de comportamientos sexuales, la monotonía mata, parece decirnos Patrice Leconte, incluso literalmente, pero la ausencia de pareja destroza nuestros nervios.

¡Sí!, una sátira inteligente sobre las complicadas relaciones de la pareja heterosexual en el mundo moderno, ¿Qué pasa? En fagiafilia también se comenta cine de auter.

MASTERS OF HORROR: El cuento de Haeckel

El Cuento de Haeckel
Director: John McNaughton
Guión: Mick Garris
Reparto: Gerard Plunkett, Steve Bacic, Derek Cecil
(EE.UU, Canadá) 2006

En esta ocasión es el veterano director John McNaugthon, responsable de la fría, contundente y escalofriante “Henry, potrait of a serial killer” el responsable de ponerse tras las cámaras para dirigir este episodio de “Masters of horror” que cuenta con la coproducción del abuelito zombie, George A. Romero

Sinopsis: Un apuesto caballero cuya joven esposa acaba de fallecer acude a la morada de una vieja nigromante, la cual, dicen tiene el poder de devolver la vida a los muertos. La vieja advierte al joven de los peligros que esto conlleva relatándole una historia en la que una bella muchacha hizo resucitar a su marido. La joven se encontraba con su difunto amado todas las noches en el cementerio, dónde éste la tomaba rodeado del resto de resucitados, los cuales no eran más que zombies, carne sin alma. El caballero horrorizado ante tal relato cambia de idea y decide dejar descansar el alma de su esposa. En ese momento aparecen en la estancia tres de los zombies del relato. En efecto, la vieja nigromante era la bella joven del relato.

Cuento moral que alecciona sobre la condición sagrada de la vida, somos algo más que materia, tenemos alma, la cual nos da nuestra esencia, sin ella no seríamos más que animales hambrientos que sólo buscan saciar sus instintos.

En la primera parte de la historia un joven estudiante de medicina seguidor de las teorías de Victor Frankenstein y naturalmente convencido de la inexistencia de Dios se cree capaz de resucitar a los muertos de manera científica, mediante la descarga de un rayo. Su experimento resulta un completo fracaso. Visita a un famoso nigromante que resucita a un perro en un espectáculo de feria, el joven permanece incrédulo convencido de que se trata de algún truco, hasta que descubre la trágica e irreal verdad.

El relato es por tanto de naturaleza sobrenatural, existe Dios y existen fuerzas ocultas que pueden alterar el natural orden establecido en la tierra por éste.

Sobrecogedoras son las escenas en el cementerio cuando el amante resucitado posee a la lujuriosa hembra cuyo cuerpo va cubriéndose de arañazos mientras el resto de muertos vivientes observan y manosean a la joven. No resulta menos impactante cuando el viejo nigromante es devorado salvajemente por la pútridas criaturas.

La escena final resulta ridícula, los resucitados apareciendo en la sala, rodeando en comunión a la vieja nigromante, que sostiene en brazos a su pequeño bebe zombie y disputándose sus servicios es, cuanto menos, delirante. Se ven los defectos de maquillaje, demasiado artificial, no parecen auténticos muertos vivientes (cualquier niño con mono de obrero y careta de gorila da más miedo)

La película tiene un ritmo irregular y no acaba de coger el tono. Comienza como un cuento sobrenatural, continúa como una “mad-doctor”, más tarde pasa al oscurantismo combinado con la necrofilia y acaba pareciendo una “zombie-comedy”. Esto no es serio señores. Las brillantes escenas de la orgía zombie en el cementerio no evitan que el conjunto final sea plasta e irrisorio.

YAKUZA DEKA

Yakuza Deka
Director: Yukio Noda
Guión:, Fumio Konami
Intérpretes: Sonny Chiba, Ryohei Uchida, Tetsuro Tamba, Bin Amatsu, Giant Baba, Asao Uchida.
(Japón) 1970

Primera vez que tenemos el gusto de presentarles a uno de los más furiosos, histriónicos y carismáticos karatekas que haya parido el lejano oriente. El protagonista de la legendaria tetralogía de “Street Fighter” y que también participara recientemente en films como “Kill Bill vol.1” (hombre calvo con antifaz kato, integrante de los 88 maniacos) o “The fast and the furious: Tokio Drift”. Sonny Chiba se sumerge aquí en una historia noir llena de tipos duros, femmes fatales, policías infiltrados, guerras de clanes, traiciones en el fuero interno de la mafia y honorables adversarios, todo ello contado de una forma trepidante, aderezado con punzantes e ingeniosos diálogos.

La historia: El inspector Hayata (Sonny Chiba) pretende desmantelar los dos clanes que controlan el negocio de la droga en la ciudad, para ello se infiltra en uno de ellos, el cual recela de éste debido a su condición de “ex-policía”. Hayata deberá vérselas con los miembros de ambas bandas para poder sobrevivir y acabar con el tráfico de estupefacientes.

Las coreografías de acción dejan mucho que desear, no están ni de lejos al nivel de sus homónimas hongkonesas de la época, realizadas fundamentalmente en películas de kung-fu, (en los 70 coincidirían en las pantallas películas de la Shaw Brothers, Bruce Lee y John Woo) sin embargo, gozan vistas hoy de cierto encanto y simpatía, recuerdan más a las comedias bufa llenas de mamporros de Bud Spencer y Terence Hill. No importa que nos encontremos en un club privado en el centro de Tokio, en cuanto empiezan las hostilidades (como diría el gran Hector del Mar) parece que estemos en pleno desierto de Almería, disfrutando de un exquisito plato de spaghetti o paella western.

A pesar de la falta de autenticidad y estilismo en las mencionadas coreografías, la película resulta analizada en su conjunto sobria y compacta, Chiba con una actuación más contenida de lo que nos tiene acostumbrados, construye un personaje heroico y torturado, está dispuesto a todo con tal de que la misión finalice con éxito, sin dejar de ser humano. Es una máquina de matar cuando es necesario, pero tiene sentimientos, se agradece este pequeño matiz que aleja el personaje (a pesar de lo exagerado de algunas escenas) del estereotípico héroe norteamericano. El inspector puede con todos los malhechores pero usando siempre la astucia más que la fuerza.

Los diálogos son realmente adultos y acertados, llegando a rozar la brillantez en algunas escenas:

Club privado. Interior noche, el inspector dialoga con la amante de un gangster (Akutsu), que recela de sus intenciones en el seno de la organización.

- ¿Eres la amante de Akutsu?
- No, soy su gatita, pero no meneo la cola como los perros, sólo quiero dinero.
- Pues yo soy un perro callejero y meneo la cola a cualquiera.

Poco después en la pista de baile:

- Debo haber bebido mucho porque este perro callejero empieza a parecerme un lobo interesante

Más tarde en la habitación de un hotel tras el previsible coito…

- Además soy su gato olisqueando y robando para él, te advertí que hacía cualquier cosa por dinero.
- No me lo creo… hace un rato hiciste que me olvidara de Akutsu.

Bella escena en la que se demuestra que nuestro protagonista es capaz de encontrar el amor en los lugares más sórdidos, a pesar de que su enamorada haya sido enviada allí para matarle.

El final es de lo mejor del cine de acción, adrenalínica persecución con tiroteos al volante, helicóptero por arriba y precipicio a mano derecha, emoción, velocidad y sobresalto.

¡¡¡Sayonara freaks!!!

CON "Z" DE ZOMBIE

Las películas de zombies siempre se han caracterizado por sus altas dosis de casquería (preferiblemente en primeros planos) y por los inagotables ejércitos de muertos vivientes con insaciable apetito de carne humana.

No siempre han contado con los mejores medios para convertir a los actores (extras en su mayoría) en pútridas criaturas resucitadas, sin embargo estas modestas producciones has sido siempre garantía de diversión.

Ahí os van unas cuantas memorables escenas de lo mejor y lo peor que se ha realizado en el género.

"La invasión de los zombies atómicos" Umberto Lenzi (España, Italia, México) 1980
http://es.youtube.com/watch?v=ygK3si9ujCs

"Zombie 2" Lucio Fulci (Italia) 1979
http://es.youtube.com/watch?v=HpCBI65WKEc

"El ataque de los muertos sin ojos" Amando de Ossorio (España) 1973
http://es.youtube.com/watch?v=TwgoFS21zJM

"Braindead" Peter Jackson (Nueva Zelanda) 1992
http://es.youtube.com/watch?v=Orraek_BsmY

"Dellamorte dellamore" Michel Soavi (Italia) 1994
http://es.youtube.com/watch?v=lhQiP6CYcMs&feature=related

"Shaun of the dead" Edward Wright (Reino Unido) 2004
http://es.youtube.com/watch?v=3jP9Oax-UDQ&feature=related

"La tumba de los muertos vivientes" Jesús Franco (México, Italia, España) 1982
http://es.youtube.com/watch?v=0pmgLlk5RLg&feature=related

"28 semanas después" Juan Carlos Fresnadillo (Reino Unido) 2007
http://es.youtube.com/watch?v=3tJehH2QY3o

45 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN

Debido a que en fagiafilia somos unos impresentables amantes de la botella y éste fin de semana hemos preferido alternar en bares con damiselas de dudosa reputación a estar sentados frente a la pantalla del P.C. Hemos decidido colgar un artículo realizado por uno de nuestros gregarios publicado con anterioridad en un blog mucho más coherente e interesantes que el nuestro, llamado "El lamento de Portnoy" (Blog al cual podeis asomaros a través del enlace que hay en ésta página) Espero que os guste.

Mi amigo Gabi es la persona que más sabe de cine del mundo. Es posible que dentro de dos años, cuando termine de ver “todas las películas del mundo”, nos deje anonadados con sus certeras críticas. De momento tenemos que conformarnos con esta crónica de la 45 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, cuyo Palmarés podéis consultar en el enlace.Disfrutad pues de la crónica

Para estómagos fuertes: Sin duda Ex-drummer , zafia, casposa, ultra-gore y divertidísima a partes iguales, no hace falta decir que es mi preferida y por supuesto no ganó ningún premio (Putos pseudo-intelectuales con gafas de pasta). Ghosts of Cité Soleil , sobrecogedor documental que retrata las vivencias de dos hermanos enfrentados en un barrio marginal de Haiti. Sorprende la dureza de la vida cotidiana en las calles (bandas armadas a plena luz del día). Import/export , película de ficción rodada con tono de documental narra las desventuras de un joven alemán tanto en su país natal como en Ucrania y de una joven ucraniana que realiza el recorrido inverso. Acumulación de escenas intrascendentes, sexo explícito y algún que otro (muy escasos) momento divertido. A very british gangster , documental centrado en la figura de Dominic Noonan y su clan mafioso del Noroeste de Manchester, un tipo feo, fuerte y gay. Una mafia a medio camino entre Los Soprano y Trailer Park Boys. El montaje es bastante original: utiliza fotos, blanco y negro, colores saturados, etc... Muy recomendable.Esto es la puta risa: Dai-Nipponjin : La joya del festival. Se presentó en sección paralela fuera de competición (No podía ser de otro modo), humor amarillo, monstruos gigantes y un looser de libro como superhéroe, ¿Quién da mas?.El paraíso de Hafner , Un ex-miembro de las S.S afincado en Madrid desde los 50 nos da su particular visión sobre el mundo a la vez que charla con varios amigos y algún enemigo. Imprescindible, comienza haciendo gracia pero termina dando miedo. (Contiene alto contenido erótico, sólo apto para la tercera edad)

¿Cine intelectual?: Quizá este adjetivo valga para la primera. La question humaine , economía de empresa, comportamientos obsesivos, todo encierra un oscuro pasado en el III Reich; una película para revisar. Cochochi , auténtica bazofia, plasta, aburrida, ñoña, casposa: Dos niños en edad escolar aprovechan el final del curso para llevar medicamentos a su abuelo u otro familiar (parte del metraje permanecí dormido, lo cual está totalmente justificado dado el tostonazo) a caballo a través de la selva, al poco de empezar su viaje el caballo se extravía. El final es digno de Verano azul y el director parece no saber lo que es el lenguaje cinematográfico. El Otro , ¿Quién soy realmente?, ¿Soy feliz?, ¿y si cambio de vida? preguntas como estas parecen rondar la mente del protagonista dado sus acciones... ¿Qué hago todavía aquí sentado viendo esta puta mierda? me pregunté yo en mas de una ocasión. Fay Grim , Hal Hartley, una de las vacas sagradas del festival, vino en esta ocasión como jurado y a presentar su último trabajo. muy interesante a pesar de que a mi entender no acaba de coger el tono, la primera parte se decanta hacia la parodia de películas de espionaje, mientras que la parte final parece tomarse la disparatada trama demasiado en serio.

Sinya Tsukamoto : Retrospectiva completa del maestro japonés que hay que agradecer, POR FIN CINE FANTÁSTICO EN EL FESTIVAL!!!! (De lo mejorcito visto en años), Haze , el terror en estado puro, literalmente un laberinto subterráneo oscuro, húmedo, plaga de trampas y lleno de cadáveres en descomposición, ideal para después de comer. The adventure of Denchu Kozo , auténtico bizarre cinema, un chico-poste (de su espalda nace un poste de eléctrico, lo cual es de lo más habitual en Japón), es el elegido para viajar en el tiempo y acabar con una peligrosa estirpe de vampiros que intentan sumir a Japón en la oscuridad. A snake of june , relato extremo de sadomasoquismo y voyeurismo, al marques de Sade le daría un infarto de ver tan sólo algún que otro fotograma, altas dosis de erotismo y violencia, Tsukamoto haciendo de hilo conductor de la historia. Obra maestra.

Y además : Ben x , Un chico autista es torturado diariamente por sus crueles compañeros de clase, pero cuando llega a casa y conecta su ordenador es el amo jugando a su juego on-line favorito. Otra mala e infantil digestión del Quijote, disfraza encima de denuncia social: ¡esto es Gijón amigos!, aquí está mierda gusta. Interview , Dirigida por Steve Buscemi e interpretada junto con Sienna Miller, razón más que suficiente para verla (Me refiero a ella, por supuesto) diálogos ingeniosos, dos decorados y clásica mascarada tipo La huella, pero a años luz de su calidad.

MASTERS OF HORROR: Jennifer, por Eloy Caínzos

Jennifer
Director: Darío Argento
Guión: Steven Weber, adaptación de una historia corta de Bruce Jones
Intérpretes: Carrie Fleming, Harris Allan, Jeffrey Ballard, Steven Weber
(EE.UU) 2005

theatrical trailer: http://es.youtube.com/watch?v=s2mOH2Y9OjU

“Il maestro a retornato” El divino Darío Argento, otrora realizador de los más fascinantes, oscuros y macabros giallos vuelve a la palestra con este desasosegante capítulo de Masters of horror. Aunque lejos de sus coordenadas temáticas habituales, logra crear un film original y bizarro.


Sinopsis:

Dos policías de servicio almuerzan en su coche cuando uno de ellos divisa a un hombre fuera de sí que intenta descuartizar a una joven, no duda en utilizar su arma para salvarla, cuando se acerca a ella ve su rostro terriblemente desfigurado. La chica sufre además discapacidad psíquica. Cuando el policía vuelve a su vida diaria se da cuenta de que no puede olvidar a la joven, va a buscarla al centro en el que ésta se encuentra interna y la lleva a su casa, pues nadie quiere hacerse cargo de ella debido a su deformidad. Esto le acarrea terribles problemas familiares, culminados con el abandono del hogar de su mujer y su hijo después de que la joven devore salvajemente el gato que tenían por mascota. La relación que mantienen no sólo se basa en la compasión, hay continuos encuentros carnales, la fealdad de su rostro contrasta con su escultural cuerpo, sin embargo la insaciable hambre de carne que posee la criatura la lleva a devorar a una niña que vive en la casa de al lado. El hombre se da cuenta de que han de vivir apartados de la civilización. Comienzan una nueva vida en el bosque, el ex policía consigue un trabajo en una tienda como mozo de almacén pero en cuanto Jennifer descubre la estrecha relación que mantiene con la dueña del local, volverá a sembrar la muerte. Se da cuenta de que la única solución es acabar con la vida de la muchacha, pero justo cuando va a decapitarla, un cazador le dispara y salva a la joven, produciéndose un nuevo comienzo.

La película plantea al menos un par de cuestiones interesantes.

Por un lado, la fragilidad de una hembra desvalida despierta en el macho el instinto de protección y le hace cuidar celosamente de ella protegiéndola de los posibles ataques exteriores, llevándolo a un estado de locura dónde éste es capaz de sacrificarlo todo (trabajo, familia, etc…) para salvaguardar el bienestar de la hembra.

Lo cual me recuerda un estereotipo de mujer descrito por Woody Allen (salvando evidentemente las distancias) en su brillante “Annie Hall”, 1977. Pasiva agresiva, esa mujer que tras su frágil apariencia es en realidad mucho más fuerte que tú, es un vampiro emocional que se aprovechará de tu energía y acabará destruyéndote.

Por otro lado, hasta que punto una persona aparentemente sin conciencia puede ser juzgada y/o condenada por sus actos, no se juzga a un animal cuando mata a otro por supervivencia, ni se le encierra, sin embargo en la sociedad civilizada tenemos centros psiquiátricos donde se interna a las personas que cometen algún acto atroz (desde un punto de vista social creado a lo largo de siglos de cultura humana) como el asesinato, aún sin tener conciencia de la gravedad de los actos que han realizado, evidentemente son un mal y un peligro para la sociedad y no pueden permanecer entre nosotros (siempre hace más daño el tonto que el malo) pero tampoco es justo que se les mezcle con auténticos psicópatas que saben muy bien las fechorías que llevan a cabo. La protagonista de la película mata para saciar su hambre, no por maldad, es una caníbal pero no cocina sus platos y le añade a la receta un buen Chianti como Aníbal Lecter, ¡no!, ni siquiera sabe cocinar, simplemente cubre sus necesidades fisiológicas, ¿es esto un crimen?

Tampoco nos encontramos ante el rouseaniano buen salvaje, la joven no tiene la inocencia de la criatura de Frankenstein, de hecho mata al hijo de la dueña de la tienda dónde trabaja su amado para hacerle daño a éste, pero hemos de ponernos en su pellejo, es un animal desvalido y asustado que vive al margen de la sociedad, desconoce el significado de la palabra civismo, se mueve por impulsos, no se la puede juzgar como al resto de los mortales integrados plenamente en la sociedad que han tenido la opción de tejer su destino, ella es una freak, un patético monstruo de feria que todo el mundo desprecia y señala con el dedo, en ese aspecto si puede sentir un odio similar al que albergaba la criatura engendrada por Mary Shelley. Trata con amor y devoción a aquellos que la ayudan y es cruel y despiadada con las personas que pueden hacerle daño.

Cinematográficamente hablando el film deja mucho que desear, no tiene ni de lejos la calidad de que hacía gala “Pick me up” (anteriormente comentada en fagiafilia), se trata más bien de una tv movie al uso que cumple correctamente con su función de entretenimiento y añade una moraleja final a la historia, en este caso “no te fíes de las apariencias, lo que parece la víctima puede ser en realidad el verdugo” aunque está claro que el que escribe no comulga con esa idea. En este sentido recuerda a otras series fantaterroríficas como “Tales form the crypt” o “En los límites de la realidad”.

Hay sin embargo dos escenas en la película que merece la pena rescatar.

La primera se produce justo después de salvar a la muchacha. El hombre llega a casa con la dura carga de un asesinato en su conciencia, (aunque fuera para evitar una muerte inocente). Su mujer lo reclama en la alcoba, ya que hace mucho tiempo que no tienen sexo, el hombre en principio cohibido pone boca abajo a su mujer y comienza a sodomizarla brutalmente mientras a su mente le llega la imagen de la joven, la mujer grita de dolor hasta que finalmente se zafa de él y le espeta un “¿Qué estás haciendo maldito hijo de puta?”, (intenso, ¿no?)

La segunda más tarde, el hombre presionado por su mujer busca un nuevo hogar para Jennifer. Después de fracasar en el intento la joven lo seduce en su coche y tienen un salvaje encuentro sexual, que el protagonista venía deseando hace tiempo. El triunfo del instinto irracional sobre el “ello” que aprisionaba la mente del protagonista.

Es una pena que Dario Argento el autor que maravilló con la truculenta y demencial “Profondo Rosso” y hechizó una oscura y estilizada historia de brujería en “Suspiria” siga llevando a cabo producciones correctas pero carentes de su inconfundible sello personal. El episodio lo podría haber firmado cualquier otro director. No parece filmado por el pulso de un maestro.


Sin embargo los fieles del perverso y barroco romano no perdemos la esperanza de que vuelva a deleitarnos con otra muestra de su sangrante y escalofriante universo, quizá muy pronto. “La terza madre” última parte de la trilogía de la madre, tras “Suspiria” e “Inferno”, ya está finalizada. En cuanto esta obra sea visionada por los fagiafílicos redactaremos una suculenta crítica al respecto. Hasta entoces…
Ciao, Darío!!!

MASTERS OF HORROR: Pick me up, por Dr. Matanza

Pick me up (“Trayecto al infierno”) (Masters of Horror Series)
Director: Larry Cohen
Guión: David J. Schow
Música: Jay Chattaway
Intérpretes: Fairuza Balk, Michael Moriarty, Warren Kole
(EE.UU) 2006

Theatrical trailer: http://es.youtube.com/watch?v=v-GgH_kKk3s

Web oficial the masters of Horror: http://www.mastersofhorror.net/

Masters of horrors: Serie de culto para los amantes del escalofrío y el sabor añejo de los clásicos. Creada por Mick Garris aúna a los mejores directores del fantarerror de los últimos años: John Carpenter, Tobe Hooper, Takashi Miike, Dario Argento, Joe Dante. Para traernos las más sádicas, macabras y bellas historias tornando nuestros dulces y estúpidos sueños en terribles y enriquecedoras pesadillas.

Sinopsis: Un autobús tiene un problema mecánico teniendo que detenerse. Una chica que viajaba en él decide caminar a pie hasta el motel más cercano. Los otros cuatro pasajeros y el conductor serán víctimas de dos psicópatas que transitan la zona, un veterano camionero (interpretado por un soberbio Michael Moriarty, actor fetiche del director, que recuerda gratamente al Rutger Hauer de “Carretera al infierno”) y un joven autostopista. Tras matar a un joven el autostopista arriba al motel de la chica con la pareja de su última víctima, a la cual tortura en la cama de la habitación. Poco después llegará el viejo camionero, los dos quieren acabar con la vida de la chica y se enzarzan en un morboso juego de caza que la chica aprovecha para hacer volcar el tráiler en el que viajaban. Los tres acaban malheridos en una ambulancia, y cuando creemos que todo ha terminado el copiloto de ésta mata a los dos psicópatas y advierte a la chica de que ella será la próxima.

Macabra, sádica y deliciosa historia de demencia ¿o he de decir lucidez? criminal. La caza de la presa es un arte, y los refinados psicópatas protagonistas lo saben, las muertes han de ser lo más estilizadas posibles, el asesinato considerado como una de las bellas artes, la muerte es la culminación de la vida y la sangre la pintura con la que llenar el lienzo. El asesinato practicado como sano deporte, requiere entrega, inteligencia y dedicación, no basta con disparar (aunque a veces no quede más remedio para no dejar escapar a la presa) o apuñalar, se trata de crear, la atmósfera es importante y la tortura indispensable, ya sea física o, mejor aún, psicológica, la víctima ha de sufrir, sentir la angustia previa a la aniquilación violenta de su existencia, ha de correr, suplicar piedad, para finalmente exhalar exhausta su último aliento. No hay mayor deleite para el cazador que contemplar orgulloso la sumisión de su presa mientras es castigada sin piedad.*

No estamos pues ante el típico slasher anglosajón con asesino sobrenatural dónde los muertos van cayendo uno a uno sin más. Sin llegar al barroquismo propio de los maestros italianos (que alcanzarían su cima con las cintas de Dario Argento y Lucio Fulci), las muertes de “Pick me up” gozan de gusto y variedad, nos encontramos ante un rico catálogo de asesinatos: estrangulamiento, decapitación, tortura silvestre, acuchillamiento en horizontal, clásico y efectivo degollamiento, hasta llegar al clímax final dónde los dos asesinos luchan cuerpo a cuerpo por acabar con la vida de su víctima, aunque esta vez nos quedaremos sin crimen.

Los diálogos de la película son tremendamente punzantes, llenos de fina ironía, humor negro y cinismo. El personaje interpretado por Moriarty tiene escenas memorables, como la que se produce en el interior de un bar en la que intimida a un camarero sacando su pistola y haciéndole sentir el poder y seguridad que otorga un arma. Su joven pupilo no le va a la zaga, los monólogos que tiene con sus víctimas antes de enviarles al otro barrio son sencillamente brillantes.

La película transcurre prácticamente en su totalidad en exteriores, la mayor parte en la carretera, el paisaje es verde, poblado de árboles, seguramente en algún punto cercano a la frontera con Canadá, los inmensos bosques están totalmente deshabitados, los planos cenitales que sobrevuelan los mismos dan una sensación de empequeñecimiento del individuo ante la naturaleza, en estos terrenos impera la ley del más fuerte, no hay policía en kilómetros a la redonda, las únicas edificaciones son áreas de servicio que se suceden cada quince o veinte millas, nos encontramos lejos de la civilización, no hay leyes que protejan al individuo, la naturaleza en su estado más puro es la más aterradora e irracional de las amenazas.

Gran trabajo de montaje, el ritmo del film no decae en ningún momento, todo el metraje está salpicado por agresivas y contundentes sorpresas que pegan al espectador a su butaca, especialmente reseñable es el giro final (comentado ya en la sinopsis) después que el copiloto de la ambulancia asesine a los dos psicópatas y amenace a la chica, se muestra un plano general en el que la ambulancia se va alejando hasta adentrarse en una niebla que la hace desaparecer, como si el trayecto al infierno acabara de comenzar, final onírico para una pesadilla de fríos sudores.

La planificación es excelente, todas las escenas están magníficamente rodadas, llaman especialmente la atención la decapitación (usando como guillotina la puerta del maletero del autobús) dejando el limpio corte en fuera de plano, la persecución en el bosque con reminiscencias de “The texas chainsaw massacre” (Tobe Hooper, 1974) y el plano cenital que muestra como los tres protagonistas se encuentran en el mismo motel en habitaciones contiguas sin saberlo. He de alabar también el gran trabajo realizado por Howard Berger y Gregory Nicotero con los efectos visuales. La escena final del trailer y como los dos psicópatas salen disparados por la luna delantera es cinematográficamente perfecta. No se escatima en el uso de la sangre, pero tampoco se abusa del líquido rojo para buscar el terror o la nausea.




* Siempre dentro de los límites de la ficción, que nadie se confunda.

SCREAMPLAY

Screamplay
Director: Rufus Butler Seder
Guión: Ed Greenberg, Rufus Butler Seder
Fotografía: Dennis M. Piana (B/N)
Intérpretes: Rufus Butler Seder, Eugene Seder, Cheryl Hirschman, James McCann

(EE.UU) 1984

Sinopsis:

Un joven escritor llega a Hollywood dispuesto a convertirse en un famoso guionista. Un hombre le salva de ser asesinado en unos aseos públicos, matando a su agresor, cuando la policía llega ambos huyen y el mismo hombre le ofrece trabajo como encargado de mantenimiento en los apartamentos que regenta. Allí conocerá a una increíble troup de extravagantes personajes: una vieja gloria de la serie b permanentemente en celo, una joven aspirante actriz, un predicador que enuncia sus plegarias guitarra eléctrica en mano, un agente sin clientes que representar y el forzudo y agresivo dueño de los apartamentos. Solitario en su cuarto escribe su guión dónde da muerte a los inquilinos del hotel cada vez que tiene un encontronazo con alguno de ellos, lo que en principio es sólo ficción se torna real. Uno a uno van muriendo sus extraños compañeros tal y como se describía en el guión. Pero ¿Quién es el asesino? En un retorcido giro final parodiando a la serie negra más clásica se resolverá el misterio.

Producción de la compañía Troma inc. Famosa por sus películas exploitation (erotismo, gore) de bajo presupuesto. Quizá la más famosa sea “El vengador tóxico” (The toxic avenger, 1984, Lloyd Kaufman). La compañía dirigida por Lloyd Kaufman y Michael Herz además de realizar sus propias películas también da alternativa a jóvenes directores que estén más o menos en sintonía con las ideas de la productora. Es éste el caso de Rufus Butler Seder, que además de dirigir, protagoniza, guioniza, monta, diseña los decorados y crea los efectos ópticos de la película.

Sátira negra y desesperanzadora sobre el mundo de Hollywood y la vampirización que implica la creación artística.

En el film hay varios homenajes al cine de terror y serie negra. Cuando el protagonista pisa por primera vez Sunset Boulevard podemos observar las estrellas de Boris Karloff, Bela Lugosi y Peter Lorre. En el mismo paseo se introduce en un cine dónde devora con pasión celuloide y palomitas, mientras se proyectan en sesión triple “Nosferatu”, “El Golem” y “El gabinete del Dr. Caligary”. La escena en la que el asesino acecha el guionista (con la sombra de sus garras reflejadas en la pared) es un claro homenaje a la anteriormente citada película de Murnau. También se homenajea al Hollywood dorado, un personaje es un joven actor que está llamado a ser el nuevo James Dean, antes de finalizar el rodaje de su última película muere en un paródico, truculento y trágico accidente de moto (Al estrellarse contra un camión muere decapitado).

Todos los asesinatos de la película están salpicados de un gore artesanal que recuerdan a las primeras películas de Gordon Lewis (“Blood Feast”, “2000 maniacs”, “Gore, gore girls”).

La película de Rufus se realizó en un granulado blanco y negro lo que le da un aire retro a la producción. Asimismo el “look” del personaje protagonista que el mismo interpreta, con su desaliñado aspecto recuerdan claramente a “El gabinete del Dr. Caligari” de Wiene. Tanto los decorados en exteriores (maquetas de la colina de Hollywood, transparencias) la planificación, y los personajes (parodias estereotípicas) están claramente cargados de nostalgia cinéfila por el Hollywood dorado.

CIENCIA Y CINE

La comentarista más visionaria de "Fagiafilia" (vosotros la conoceréis por "Lady Jessica") a tenido el detalle de compartir su visión del mundo de la Sci-Fi con nosotros, dado a sus conocimientos científicos nos va hablar de cosas maravillosas que nosotros (Kraven & co.) nunca hemos imaginado, pues ninguno acabó la E.G.B. Bienvenidos pues a un universo ¿mágico?, quizá más real de lo que pensemos.

PARTE I:
LA CIENCIA Y LA CIENCIA-"FICCION"

Desde que los hermanos Lumiere dieron el primer paso para esta rica industria que es el cine que conocemos actualmente, la humanidad se ha aprovechado de esta tecnología para deleitar sus sentidos con lo fantástico, lo imposible, y lo que no esta a nuestro alcance. Pero, ¿realmente todo es un sueño? ¿es fruto de la imaginación humana todo el género ciencia-ficción? ¿o existe un punto de realidad en toda esa explosión de sucesos imposibles que nos hacen vibrar con sus espectaculares efectos especiales?
La respuesta es sencilla y tópica: la realidad supera a la ficción.
Hay miles de ejemplos en el cine (tanto antiguos como modernos) en los que una secuencia imposible de deglutir por nuestro escaso conocimiento es aplicable matemática y físicamente a la realidad; pondré varios ejemplos muy recurridos en diversas películas:

Viajes en el tiempo:

Que gran recurso y que grandes argumentos al respecto!!
Cuando Einstein desarrollo su relatividad especial abrió la caja de Pandora a todo un mundo de posibilidades en los viajes temporales. La idea es sencilla pero tremendamente compleja de desarrollar "el tiempo no es un absoluto, y transcurre más lentamente en un sistema de referencia en movimiento".
Ahora bien, ¿como viajamos, hacia adelante o hacia atrás...?

Viajando hacia el pasado, nos encontramos la paradoja del abuelo: " si viajo hacia el pasado, y mato a mi abuelo, yo no podré haber nacido para matarle" (la paradoja tiene solución, aunque Einstein no vivió lo suficiente para ver su solución matemática, en otra ocasión profundizare en los detalles). La película "The time machine" (1960), desafortunadamente traducida por "El tiempo en sus manos" es una clara adaptación de esta teoría del genial físico y su "closed timelike curve"(curva cerrada tipo tiempo), por supuesto con una ración de "moralina" entre las diferencias del bien y del mal con el mundo de los Eloi y los Morlock.
Viajar hacia el pasado no es tan sencillo como cambiar la rotación natural de la tierra, como hizo Superman...

¿Y el futuro? Todo más sencillo. También tiene su paradoja correspondiente, la paradoja de los mellizos: "si un mellizo viaja a un velocidad cercana a la de la luz, mientras que el otro queda en la Tierra, cuando el primero regrese, será mas joven que el que se ha quedado". No es una idea tan descabellada. De hecho es la base para los aceleradores de partículas; una de las funciones que tienen es el estudio de partículas que tienen una vida media inferior al margen de error de los detectores, por tanto no les da tiempo a estudiarlas antes de que desaparezcan; la idea es acelerarlas a velocidades próximas a la luz, para que el tiempo que transcurre para ellas, no sea igual que el que percibe el observador externo, y así da "tiempo" para su estudio.

La película mas representativa de esta idea es "el planeta de los simios" (1968) con su adaptación en 2001 por Tim Burton. El estar viajando por el espacio durante años a velocidades cercanas a la luz, hizo que mientras en la Tierra pasaban cientos de años, dentro de la nave solo habían pasado unos pocos.

Por otro lado están los famosos y archiconocidos "agujeros de gusano", esto si que da juego! desde el mismísimo y grande-grande Kubrick con su "2001, Odisea en el espacio", pasando por "Contact", "Stargate" y como no, la fabulosa Star trek y su ejercito de incondicionales trekies... y un laaaargo etcétera de incontables títulos.
La idea se puede explicar con un ejemplo sencillo: si un folio representa el continuo espacio-tiempo, e intentamos recorrer el camino mas corto entre sus esquinas opuestas, este no es la línea recta! coge el folio, cada esquina opuesta con una mano y une las esquinas, el camino mas corto entre dos puntos es hacer coincidir los dos puntos en uno solo. Enhorabuena, acabas de plegar el espacio!!

Los viajes en el tiempo solo son uno de los muchos recursos que el cine extrapola de la ciencia. El mundo real es maravilloso y aun no tenemos ni idea de la genialidad de nuestro universo. El cine nos acerca al ojo una pequeña porción de lo que miles de científicos en la sombra a lo largo de la historia nos han dejado como herencia. Y es que la verdad universal mas grande de la humanidad es que “la imaginación es mas importante que el conocimiento” (Albert Einstein).

CALIFORNICATION por Sr. Salido

Californication
Director: Tom Kapinos (Creador), Stephen Hopkins, Scott Winant
Guión: Tom Kapinos
Música: Tyler Bates, Tree Adams
Fotografía: Peter Levy, Michael Weaver
Intérpretes: David Duchovny, Natascha McElhone, Madeleine Martin, Madeleine Zima, Evan Handler, Rachel Miner, Pamela Adlon, Damian Young, Chris Williams, Amy Price Francis, Lance Barber.
(EE.UU) 2007

Web oficial: http://www.sho.com/site/californication

Hank Muddy (David Duchovny), un brillante escritor en plena crisis creativa (lleva cuatro años sin escribir) deambula por las calles de Los Ángeles en su destartalado porsche descapotable, se acuesta con las mujeres más bellas de la ciudad que va encontrando a su paso y castiga su hígado en los bares más “in” de Venice. Tiene los sueños húmedos e imaginativos que el resto de mortales desearíamos tener.

Su amigo y editor no deja de motivarle para que escriba y saque el genio que lleva dentro, pero Hank está cansado, lo único que quiere es recuperar el amor de su “ex-mujer” (en realidad nunca estuvieron casados), y mantener el respeto de su hija Becca.

Si en el primer artículo publicado en Fagiafilia se hablaba del lamentable estado actual de la fábrica de los sueños, no es menos cierto que las series norteamericanas actualmente tienen una frescura y una calidad que nunca antes habían alcanzado.

EE.UU se encuentra en la era de las series. La imaginación que tanto se echa en falta a la hora de elaborar libretos para el cine parece sobrar a los guionistas televisivos, “Héroes”, “24”, “Perdidos” (Al menos en su primera temporada), “Los Soprano”, “Dexter”, “Masters of horror”, “Roma”, todos ellos productos originales, con personalidad, una bocanada de aire fresco en el parasitario panorama de la ficción televisiva y cinematográfica occidental.

La (a)moral que presenta “Californication” es sorprendente para una serie procedente del otro lado del Atántico Norte. Genial la escena que abre el episodio piloto, http://es.youtube.com/watch?v=wy-zTgCW0es (Si amigos, “blowjob” significa mamada), no había visto nada tan gamberro y descarado en mucho tiempo, (¡joder!, ni que hubiera firmado yo el guión) toda una declaración de intenciones que no deja insatisfecho a lo largo de la serie.

A lo largo de los doce capítulos que completan la primera temporada tendremos ocasión de deleitarnos con tríos, sadomaso, sexo con violencia (light, no penséis mal marranos)… todo un carrusel de jolgorio, desenfreno y lúbrica satisfacción carnal. El sexo se presenta en la serie como lo que es, un juguete para adultos (aunque hasta eso se pone en duda, o por lo menos la edad en que uno se hace adulto) al que no debemos dejar olvidado en un rincón, ¡hay que jugar con él!, sería una pena no prestarle atención a algo tan divertido y satisfactorio.

El único pero se lo pondría al personaje de Becca, la hija de Hank, es el contrapunto moral-ñoño de la serie. Sus padres están separados pero ambos la tratan como a una princesa, no creo que haya nadie en la vida real ni en la ficción (salvo en “Médico de familia”, claro está) que sea tratado con tanta atención y mimo. ¡Y a pesar de todo la niña se mosquea y pone caritas cuando por algún casual papá no pueden estar con ella!, es insultante (por favor que la maten en la segunda temporada, ¡justicia social!)

Apunte para curiosos: Según he podido leer en “Wikipedia” Californication, a parte de la serie y el albúm de los Red Hot Chili Peppers, hace referencia a las influencias de los californianos en muchos estados occidentales de los EE.UU.

LECCIONES DE VIDA (Y MUERTE) A TRAVÉS DEL SÉPTIMO ARTE, por Gorka Gastizábal

Las películas se forman de escenas, en ellas los personajes sufren, ríen, se enamoran o simplemte ven pasar el tiempo.

La vida se compone de momentos, (en los que nosotros sentimos cómo los personajes del celuloide), que con el paso del tiempo conforman nuestro existir y nutren nuestra memoria. Memoria llena de recuerdos de bellos momentos y bellas escenas.

Hay que saber cuando un amor es imposible

http://es.youtube.com/watch?v=pa-dGYjSq5k

"Casablanca" Michael Curtiz 1941 (EE.UU)

Hasta los mejores amigos pueden traicionarte

http://es.youtube.com/watch?v=o5clASoUG4M&feature=related

"La naranja mecánica" Stanley Kubrick 1971 (Reino Unido)

Aprovecha la alegría y frescura de la juventud, nunca se repite

http://es.youtube.com/watch?v=nQWx6TXWw1Y

"Banda aparte" Jean-Luc Godard 1964 (Francia)

Con esfuerzo y tesón todo puede ser posible

http://es.youtube.com/watch?v=cavFoyYJwPQ

"Rocky" John G. Advilsen 1976 (EE.UU)

El hombre puede convertirse en la peor de las bestias

http://es.youtube.com/watch?v=QTrs7ydeOfc&feature=related

"American history x" Tony kaye 1998 (EE.UU)

Trístemente la crueldad de la vida real hace palidecer a la ficción

http://es.youtube.com/watch?v=KF7g6cOoymA&feature=related

Extrato de documental sobre la guerra de vietnam

La miseria es una constante de la existencia humana

http://es.youtube.com/watch?v=MlLZUdN0X9g&feature=related

"El acorazado Potemkim" 1925 Sergei M. Eisenstein (URSS)

En la vida siempre hay lugar para la alegría, la ilusión y la emoción

http://es.youtube.com/watch?v=mzSh3Ijrc6U

"Ocho y medio" Federico Fellini 1963 (Italia)

Desgraciadamente también lo hay para la maldad

http://es.youtube.com/watch?v=_OqIxes1GUY

"Psicosis" Alfred Hitchcock 1960

SESIÓN DOBLE CON... BELA LUGOSI

“The Black Cat” (Satanás)
Director: Edgar G. Ulmer
Guión: Meter Ruric (basado en una novela de Edgar Allan Poe)
Intérpretes: Bela Lugosi, Boris Karloff, David Manners, Jacqueline Wells.
(EE.UU) 1934

Sinopsis: una pareja en viaje de luna de miel se dirigen en tren a Wiesegrad. A su vagón llega un misterioso compañero de viaje, el Dr. Vitus Werdegast (Bela Lugosi), quien les lleva a la mansión de un viejo amigo tras 18 años sin verle, el arquitecto Hjalmar Poelzig (Boris Karloff). Una vez allí la joven pareja es testigo de la extraña relación existente entre ambos. Siendo utilizados como piezas del sádico juego que los dos amigos se traen entre manos. Poelzig y Werdegast combatieron codo con codo en la guerra, Poelzig traicionó a su compañero esperando que éste muriera para arrebatarle a su esposa. Tras la muerte de ésta contrajo matrimonio con su hija. Werdegast que pasó 15 años en prisión como consecuencia de la traición de Poelzig quiere vengar éste deshonor a cualquier precio. Por su parte Poelzig practica misas negras en su fortín y tiene planes para la recién casada que ha llegado a su morada.

Tras los éxitos cosechados por los dos “monstruos” de la interpretación de la época, “Drácula” (Tod Browning 1931) convertiría a Lugosi en icono del cine de terror de la época y “The Mummy” (Kart Freund 1932, papel que rechazaría Lugosi por considerarlo estúpido por su falta de diálogo) haría lo propio con Karloff, la Universal, compañía abanderada en el cine de terror de serie b y creadora de sendos clásicos decide unir a los dos talentos venidos de la vieja Europa en la misma cinta para aumentar así la afluencia de público a las salas.

Lugosi se encuentra encasillado en el papel de Drácula y eso se hace notar en lo largo del metraje. Actor de teatro más que de cine su diálogo resulta demasiado pausado y sus gestos excesivamente exagerados, en ocasiones parece que actúa a cámara lenta y en el plano general se nota excesivamente su rigidez corporal, a pesar de todo, gracias a su marcado acento y su incomparable expresividad facial (sobre todo a través de su mirada) logra componer un personaje misterioso y torturado que muestra el lado más oscuro de la naturaleza humana.

La interpretación de Karloff peca de hierática, sobre todo en las primeras secuencias en las que aparece, (sabemos que no es la momia porque no lleva vendajes). Sin embargo a medida que la película avanza se vuelve más versátil, llegando a ser en los momentos finales realmente notable (impresionante su rostro y sus gestos durante la macabra partida de ajedrez y en la sobrecogedora misa negra).

La película se rodó íntegramente en estudio, como acostumbraba a realizarse en la época el cine de serie b, de ese modo el rodaje estaba más controlado, no se exponía a los cambios climatológicos, pudiéndose ajustar el calendario de trabajo. La acción transcurre prácticamente en su totalidad en el interior del castillo de Poelzig, la casa está cuidadosamente decorada con el arte vanguardista de la época, el exterior de la fortaleza deja ver unos clásicos decorados (cartón-piedra) tan utilizados por la Universal en todas sus películas de terror de la década de los 30.

El vestuario es bastante habitual, traje y corbata para los hombres y vestidos largos para las mujeres. Llama especialmente la atención el peculiar “look” que luce Boris Karloff, (Para salido de la nave Enterprise con ese corte de pelo. El batín con el que recibe a sus invitados le da por contra un aire a play boy).

Película lenta en la primera parte del metraje va cobrando interés a medida que vamos conociendo los misterios que esconde la fortaleza de Poelzig y las oscuras intenciones que tienen tanto éste como su “amigo” Werdegast. Inolvidable la maravillosa partida de ajedrez, en la que apuestan la vida de la joven muchacha recién casada.

La escena de la misa negra resulta sorprendente para la época, (Es una de las primeras películas en mostrar dicho ritual) maravillosa la ambientación de la sala dónde se llevan a cabo los sacrificios así como el vestuario de los fieles. Se palpa un ambiente malsano y enrarecido.

El final de la película es cruel, sádico y prácticamente sin contemplaciones. Bebe del expresionismo Alemán, (Werdegast tortura salvajemente a Poelzig, y el espectador lo ve a través de la sombra que se refleja en la pared)

A pesar de su resultado irregular “The black cat” tiene momentos realmente intensos y brillantes, la actuación de dos mitos del terror (Lugosi-Karloff) por primera vez juntos, y ser una de las primeras películas satánicas de la historia del cine, convierten a éste modesto film en un clásico de obligatorio visionado para todos los amantes del terror.



“The raven” (El cuervo)
Director: Lew Landers
Guión: David Boehm (Inspirado en una obra de Edgar Allan Poe)
Intérpretes: Bela Lugosi, Boris Karloff, Lester Mathews, Irene Ware.
(EE.UU) 1935

Basada en una novela de Edgar Allan Poe, Carl Lammle productor inagotable del cine fantático (“Drácula”, “La novia de Frankenstein”, “La momia”) junta de nuevo bajo las órdenes en esta ocasión de Lew Landers, a Boris Karloff y Bela Lugosi.

Sinopsis: Un cirujano, el Dr. Richard Vollin (Bela Lugosi) vive retirado en su castillo acompañado de la obra de Edgar Allan Poe y de los instrumentos de tortura que aparecían en sus obras, que él mismo ha creado. A pesar de haber dejado la profesión sanitaria, un acaudalado hombre del pueblo requiere su intervención para operar a su hija a vida o muerte. Vollin accede y la operación es un éxito. A partir de entonces el médico se enamora de su paciente, mucho más joven que él, lo que no cuenta con la aprobación del padre de la muchacha que así se lo hace saber al Dr. Éste herido en su orgullo toma a un delincuente bajo su poder tras deformarle la cara, Edmond Bateman (Boris Karloff) y le ordena ayudarle en su maléfico plan si desea algún día tener un rostro bello. Prepara una fiesta en la que los principales invitados son: Su enamorada, su padre y el prometido de ésta. Comienza pues un sádico juego para llevar a cabo su venganza.

Película de tintes góticos y regusto “sadiano”. Los decorados recrean con solvencia el mundo de las novelas de Poe. La sala de torturas es de una “belleza” (cinematográficamente, se entiende) incomparable, el péndulo de la muerte es inquietante y cautivador, la cuchilla baja lentamente llenando de angustia a la víctima hasta darle muerte. El cuarto cuyas paredes van juntándose hasta aplastar a las pobres almas que acoge en su interior, es, sencillamente, escalofriante.

El Dr. Vollin perturbado hombre sin humanidad alguna, (en el interior de su castillo alberga un cuervo disecado, símbolo de la muerte, para él lo más importante de la vida) pasa sus solitarios días leyendo las obras de Edgar Allan Poe hasta confundir realidad con ficción. Empatiza con el poema de “El cuervo” cuando se enamora de la joven Jean, a la que salva de la muerte y pretende acabar con todos aquellos que se interpongan en su camino como en el poema del escritor gótico.

Soberbia interpretación de Bela Lugosi que infunde al personaje del Dr. Vollin crueldad, patetismo, locura y lucidez a partes iguales, estamos ante uno de los “mad doctors” más complejos y elaborados de la historia del cine. La serenidad que tiene para operar contrasta con la demencia inusitada que le posee cuando su amor se ve frustrado. Es capaz de ponerse una máscara de cordialidad para engañar a sus invitados y hacerlos caer en la trampa de su maquiavélico plan. La interpretación suave y contenida de Lugosi en los momentos de serenidad del Dr. (Pero siempre con ese mirada inquietante) es tan notable como el necesario histrionismo que aplica a las escenas de máxima locura del personaje.

La composición de Edmond Bateman por Boris Karloff (ayudado en gran medida por el trabajo de maquillaje) no le va a la zaga. Sin apenas articular palabra (especialidad de Boris Karloff en sus principales papeles, véase “Frankenstein” o “La momia”) construye un ser terrorífico, amenazante, pero en el fondo de buen corazón (¿les suena de algo?) que es manipulado por el culto y pérfido Dr. Vollin en contra de su voluntad.

La cinta tiene un ritmo uniforme, en ningún momento decae la acción, la figura amenazante del Dr. Vollin está siempre presente. La evolución del personaje de Bateman es coherente y el trío secundario interpreta correctamente su papel. El conjunto es sólido y las interpretaciones de Lugosi y Karloff lo engrandecen en calidad.

A pesar de la economía de medios propia del cine de terror de serie b de la época, el film resulta atractivo y distinguido. Lugosi a pesar de interpretar a un doctor no pierde su magnífico aire aristocrático que le acompañó a lo largo de su carrera. Su presencia incomparable llena la pantalla, sus gestos seducen al espectador y cuando recita con fuerza, pero pausadamente el diálogo con su marcado acento húngaro, el mundo parece detenerse.

¡Gracias Bela!

THEM! (O COMO LAS HORMIGAS GIGANTES PRETENDEN DOMINAR EL MUNDO)

Them! (La humanidad en peligro)
Director: Gordon Douglas
Guión: Rusell S. Hughes
Intérpretes: James Withmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon, James Arness.
Theatrical trailer: http://es.youtube.com/watch?v=f8xSo2MEPzQ
(EE.UU) 1954

Un coche patrulla y un aeroplano llevan a cabo una inspección rutinaria por el desierto de Nuevo Mexico (EE.UU). Allí aparece una niña sola en estado de shock. La caravana en la que supuestamente vivía la muchacha aparece destrozada y sin restos de vida humana. A 20 km. del lugar, la tienda del pueblo presenta igualmente destrozos, su dueño aparece muerto en el sótano. Allí mismo un agente resulta desaparecido después de oír un ensordecedor pitido y salir a su encuentro.

La cosa parece seria y el FBI envía un agente de Whasington para ayudar a la policía local, éste envía la huella encontrada cerca de la caravana siniestrada. El gobierno envía entonces a dos prestigiosos doctores ¡Del departamento de agricultura!

Tras interrogar a la niña, (muda desde el inicio de la cinta), los dos agentes enviados deciden volver al desierto, donde se topan con aquello que temían encontrarse. Tras un nuevo pitido ensordecedor allí está por primera vez en pantalla, decidida y amenazante, ¡una hormiga gigante! los agentes le disparan a las antenas como indica el doctor y le dan muerte. Esto sólo será el principio, lógicamente hay un hormiguero (gigante) en el desierto, provocado por las pruebas atómicas realizadas en la zona en 1945 (¿Cuantos argumentos se basan en estas teorías?, prometo un artículo muy pronto).

El hormiguero es descubierto y exterminado por el día, (dado que las hormigas no soportan las altas temperaturas, y sólo salen de noche) el exterminio no tiene desperdicio, made in U.S.A, a base de bazokas y cianuro.
Aparentemente éste era el final. Sin embargo las reinas habían volado hace meses del nido y se desconocía su paradero. Tras un magistral corto documental sobre la fisonomía y costumbres socio-estructurales de las hormigas, que el doctor, pone a los miembros del consejo de "crisis", para que se hagan una idea de la amenaza a la que se enfrentan, comienza la búsqueda. Van llegando noticias de los destrozos y las muertes que las hormigas van sembrando en diferentes puntos del país, barcos hundidos y sin supervivientes, personas desaparecidas.

A través de diversos testimonios de personas que no están seguras de lo que han visto (un hombre cree que eran ¡platillos volantes con forma de hormigas!) van acercándose al nuevo hormiguero, (antológica la escena en la que interrogan a un borracho en el hospital, el cual promete alistarse si le hacen sargento y encargado de la cantina), esta vez en la ciudad de Los Ángeles, ¡esto promete!

Lógicamente el secreto gubernamental no puede mantenerse por más tiempo, el nido de las super-hormigas está situado en las alcantarillas de la ciudad, si se quiere acabar con ellas, la vida de muchos ciudadanos está en juego. Se da el toque de queda. El ejército en pleno desfila por las calles. Todo hace indicar que en el hormiguero puede haber dos niños pequeños desaparecidos recientemente, lo que hace aumentar considerablemente la tensión dramática.

Finalmente en una escena final bella y sobrecogedora los niños son rescatados (gracias a la heroica acción de un agente policial), y las nuevas princesas aladas son localizadas y exterminadas.

La película es de una seriedad inusitada tratándose de una monster movie. No hay apenas lugar (salvo en momentos contados: el uso de bazokas para el hormiguero de Nuevo México y el borracho del hospital) para la risa. El ritmo es frenético, se podría decir que estamos ante un thriller de ciencia-ficción. La fotografía está bien contrastada, los personajes tienen bien definido su rol y no caen en los tópicos del género. Afortunadamente no se produce ningún innecesario enredo amoroso que lastre el ritmo de la trama.

Los insectos, aunque modestos en su producción (No se utilizan transparencias, ni técnica stop-motion) son efectivos. Aún vista hoy la película causan cierto desasosiego.

El único pero que le pondría es la férrea moral católico-apocalíptica que planea toda la película, (personificada en el personaje del Dr. en agricultura que envía el gobierno, éste hace continuas alusiones al apocalipsis bíblico). Por lo demás el film es de sobresaliente.

Junto a "King Kong" y "Godzilla" (Japón bajo el terror del monstruo) una de las mejores monster movies de todos los tiempos.