Fagiafilia

47 FIC XIXÓN. RESUMEN DE LA SECCIÓN OFICIAL (COMPETICIÓN)

2009-12-17T03:36:00.000-08:00

En líneas generales, en contra de la opinión mayoritaria, las películas seleccionadas este año a competición me han parecido superiores a las de años anteriores. Evidentemente, seleccionando (como cada año) catorce películas de diferentes estilos y nacionalidades es complicado que todas sean del gusto de todos. Lo que no se puede negar al Festival es su apuesta por la diversidad y por la difusión del cine más independiente. Sin más les dejo con el resumen de los catorce largometrajes que hemos tenido el gusto de disfrutar (en la mayoría de las ocasiones) en la edición número cuarenta y siete.

La supuestamente arriesgada propuesta del realizador Vimukthi Jayasundara en “Between two worlds” no deja de ser un relato esquemático de dudoso interés que intenta disimular su vacío con una narrativa desordenada, que no compleja, y unas imágenes que, a pesar de bellas, están lejos de las ínfulas poéticas que pretende el director. Un puñado de poderosas estampas bellamente fotografiadas (la fantasmagórica calle de la ciudad plagada de televisores destrozados, el protagonista cayendo desde el cielo en mitad del mar, el legendario árbol hueco en mitad de la jungla) no son suficientes para construir un largometraje que se hace pesado desde el primer minuto, donde un plano fijo de un neblinoso paisaje natural acompañado de una deliciosa música deja al desnudo la pretenciosidad de la propuesta.

El simbolismo está presente durante todo el relato apuntando muchas ideas sin concretar ninguna. Vimukthi echa mano sin sonrojarse del realismo mágico creando secuencias que rozan el ridículo más absoluto, como la de la leche materna cayendo en el maltrecho ojo del protagonista.

Al final estamos ante una propuesta convencional, un ejercicio de pedantería visto una y mil veces en este mismo festival. Incluso hay un personaje que surge varias veces de un pantano a lo largo del metraje para soltar sentencias del tipo “Lo que ha pasado antes puede volver a pasar”. ¿Humor de Sri Lanka?

“Mal día para pescar” es la película elegida por Uruguay para representar a su país en los oscar del año que viene. Álvaro Brechner nos sumerge en un relato noir con ecos de western en una recóndita localidad perdida en mitad de ninguna parte que parece estancada en el tiempo. Allí llegan el Príncipe Orsini (un embaucador de poco monta deliciosamente encarnado por Gary Píquer) y un ex-campeón alemán de la lucha libre (interpretado por el finlandés Jouko Ahola), dos personajes que parecen sacados de un Freak Show y que se ganan la vida de pueblo en pueblo sacándoles el dinero a sus habitantes a través de su espectáculo. El Príncipe Orsini con su labia y su traje borsalino maneja a su antojo al decadente ex campeón (quien bien podría ser un primo no muy lejano del Mickey Rourke de “The Wrestler”), pasado de kilos y de años, quien busca en la botella la evasión de la dura realidad que le rodea.

La película nos deja con una sonrisa en la boca a pesar del dramatismo de algunas escenas. El giro final hace subir enteros a una trama milimétricamente llevada, en la que el Príncipe subestima, una vez más, a su público. Ofrece mil dólares, que no tiene, a aquel que consiga derrotar al campeón. Sin saber que por allí se encuentra “El matador”, un enorme y vigoroso joven que necesita el dinero para poder vivir junto a su novia. El lío está montado.

Un guión excelente interpretado de manera impecable por todo el elenco actoral. Una de las mejores películas exhibidas en el Festival que acaba de estrenarse en salas comerciales y que se llevó de Gijón el premio Gil Parrondo a la mejor dirección artística.

Con “Humpday”, tercer largometraje en la carrera de Lynn Shelton, la directora norteamericana logró el premio del jurado en Sundance, además de su presentación en la Quincena de los Realizadores de Cannes.

Ben y Anna son una pareja de treintañeros que gozan de estabilidad económica y buscan su primer hijo. La cotidianidad en la que viven se ve amenazada con la inesperada aparición de Andrew, excompañero de facultad de Ben, un vividor que ha tomado un camino diferente al de su amigo y que pretende avivar la relación perdida años atrás. En el momento álgido de una etílica fiesta, Ben, en un intento de demostrar que aún es dueño de su libertad a pesar de su situación familiar, decide participar en un festival porno amateur junto a Andrew. Buscando algo diferente que ofrecer al público del festival, estos dos artistas deciden acostarse juntos como demostración de su amistad.

El personaje de Andrew no deja de ser un hombre aburguesado que se considera bohemio por estar soltero y haber recorrido algunos países. Algo parecido le sucede al largometraje de Lynn Shelton. Bajo la terrible etiqueta de Comedia Indie se esconde un largometraje de un conservadurismo recalcitrante que intenta con humor grueso hacer bromas sobre los prejuicios sexuales de sus protagonistas. Simplemente dos heterosexuales. ¿Si son heterosexuales, como van a tener sexo entre ellos? La respuesta es más que evidente, aunque la película se toma más de veinte minutos en recrear la soporífera escena con una realización más torpe que las maneras de éstos dos en la cama. Lo mejor quizá sea la reacción de Ben a la revelación sexual que le hace Anna, (de lo más gratuita, por otra parte) descubriéndolo como el perfecto calzonazos, como sospechábamos.

La audiencia, muy joven, rió durante la proyección, en una abarrotada sala de los cines Yelmo, y aplaudió tímidamente tras la misma. En mi opinión es una lástima que las propuestas más comerciales a competición sean tan superficiales y tan poco valientes. Como agradecimiento, el Festival, haciendo alarde de una preocupante falta de criterio, le dio a Lynn Shelton el premio a la mejor dirección y a los dos actores protagonistas el premio, ex a quo, a la mejor interpretación masculina.

El largometraje ganador de este año (mejor película), sorprendentemente, fue “La pivellina”, que viene a decir algo así como la pequeñina (vocablo asturiano) pero en italiano. La actriz Patrizia Geradi fue premiada por su interpretación.

La película dirigida por los fotógrafos Tizza Covi y Rainer Frimmel ya obtuvo galardón en La Quincena de Realizadores de Cannes.

Una niña de apenas dos años de edad es abandonada en un parque. Patty, que vive junto a su pareja, payaso de profesión, en una caravana, recoge a la pequeña pese a la oposición de éste. Tairo, un adolescente que vive en el remolque de al lado coge un cariño especial a la pequeña encargándose también de su cuidado. Cuando la pequeña se ha convertido en una más de la comunidad, Patty recibe una carta de su madre diciendo que pasará a recoger a su hija en dos días.

A favor de la película, he de decir, que no se me hizo tan pesada como algunas otras de esta edición y de otras anteriores. El trabajo de sus actores, todos ellos no profesionales, en especial la niña protagonista, me hizo pasar un rato agradable. Divertido sería mucho decir. Lo que no se puede negar es que las localizaciones escogidas nos muestran una Roma totalmente desconocida para el celuloide y sospecho que incluso para muchos romanos.

Pero a parte de las buenas actuaciones y de la sensación de espontaneidad que se mantiene a lo largo de la película no hay nada más. El guión es inexistente y el montaje justito. La niña abandonada en un parque de caravanas es el único motor de la acción. Decir que una niña haciendo monerías delante de una cámara es cine me parece mucho decir.

“Morrer como un homem” cuenta la trágica historia de Tonia, una Drag Queen que vive apasionadamente entre el fervor de su público y la atormentada relación que mantiene con su enamorado Rosário, mucho más joven que ella. El director João Pedro Rodrigues crea un estridente pero hipnótico relato que se mueve cómodamente entre el melodrama noir, el surrealismo y los números musicales.

La genial interpretación de Fernando Santos en la piel de la reinona protagonista emociona desde el primer fotograma. Las comparaciones de la película con el cine de Almodóvar o Fassbinder sólo pueden ser aceptadas por el mundo que describen, pero en lo cinematográfico el realizador consigue imprimir un estilo propio que llega a límites autorales en magníficas secuencias como en la improvisada caza de gamusinos en mitad del bosque con los negativos virados a rojo.

El director rumano Bobby Paunescu, socio junto a Cristi Puiu de la productora Mandragora Movies, sello bajo el cual se realizó el éxito de crítica “The death of Mr. Lazarescu” presentó en Gijón su primer largometraje como director. “Francesca” da título a la película y a su protagonista, una estupenda Monica Birladeanu, esposa del director, que se erige en centro dramático de la historia a la vez que en objeto de deseo del espectador.

La joven pretende (en la ficción) irse a vivir a Italia para montar una guardería para niños rumanos, para, de paso, cambiar la imagen negativa que los italianos tienen de su pueblo. La dificultad de encontrar trabajo, previo pago, en el país de Berlusconi no es nada comparado con el laberinto en el que se ha metido su novio. Los problemas de éste complican la partida de Francesca hacia su sueño.

Lo mejor del film es poder ver Rumanía a través de los ojos de los rumanos, mostrando un lado así totalmente diferente a la contaminada imagen que nos ofrecen los medios de comunicación occidentales. Quizá el mejor momento de la película se produce cuando el padre de Francesca le intenta quitar la idea de irse a Italia de la cabeza arremetiendo duramente contra el gobierno del país transalpino y sus ciudadanos.

Lamentablemente la historia se va aletargando poco a poco, sin apenas avanzar. Largas escenas describen la vida de Francesca, la estrecha relación que mantiene con su madre y con su novio, Mita. En otras se nos muestra, sin llegar a explicar del todo, y mediante unos extraños planos generales bastante alejados que recuerdan a una cámara oculta, los problemas de Mita.

El cine iraní es un habitual del festival. Ausente en competición el pasado año ha vuelto nuevamente a colarse en la sección oficial en esta edición, aunque sea en coproducción con Reino Unido e Italia. “Frontier Blues” describe en un tono de comedia con manido semi-documental la vida en un lugar en el que no pasa nada, la frontera entre Irán y Turkmenistán. Allí una serie de excéntricos personajes protagonizan una serie de estampas a cual más bizarra.

Hassan es un atolondrado joven que va a todas partes con su burro y con un radio-cassette donde escucha una canción francesa. Quizá el único recuerdo que guarda de su madre, la cual le abandonó para irse al país del champagne. Su tío se encarga de él a regañadientes y pretende que le acompañe a trabajar en su tienda de ropa, apenas sin surtido y por la que nunca pasa nadie. Finalmente el joven acabará trabajando en una granja de pollos junto a Alam, quien tiene dificultades para cargar sacos sin romper su ceñida camisa e intenta, sin ningún éxito, aprender inglés para irse a Bakú, donde según él todos hablan ese idioma. Un fotógrafo venido de Teherán al que sólo intuimos tras su cámara se ha desplazado hasta la frontera para tomar instantáneas de las gentes del lugar, sus retratados son un trovador que no deja de llorar el “secuestro” de su mujer y cuatro niños a los que cuida. Las estudiadas composiciones de plano son tan auténticas como la propia película que nos entrega Babak Jalali, quien a pesar de ser iraní vive en Londres desde los ocho años. Un retrato tan amable como manipulado de una realidad bien triste. Largos planos fijos para mostrar una y otra vez la vida cotidiana de unos personajes que parecen primos lejanos aburridos de los habitantes de Sisheli.

“Gog Get Some Rosemary” narra en 16mm. a través de una temblorosa cámara en mano dos semanas en la desordenada vida de Lenny (el tiempo anual que le corresponde en la custodia de sus dos hijos), un proyeccionista de treinta y cuatro años separado que no tiene ni idea de que hacer con su vida, es más, ni siquiera se lo plantea. Cada día en la vida de Lenny es una aventura y dos semanas pueden ser mucho tiempo.

Josh Safdie y Benny Safdie, sus realizadores, no pueden negar la influencia de Jarmusch en su obra. Como mínimo en la creación de personajes tan marcianos como el propio Lenny o algunas de sus amistades y en la manera de capturar con su cámara la ciudad de Nueva York, aunque en unas localizaciones de mucho más tránsito. Se agradece el espíritu amoral del film, llegando a poner a uno nervioso en más de una ocasión la irresponsabilidad total de Lenny en el cuidado de sus hijos. La escena que abre la película es sencillamente genial y presenta de manera inmejorable al personaje.

Se respira cine independiente por los cuatro costados. Abel Ferrara hace un cameo impagable, los hijos de Lenny son los hijos, en la vida real, de Lee Ranaldo de Sonic Youth. El look de los personajes está cuidadosamente descuidado, como ese excesivo tupé que luce un inmenso Ronald Bronstein en el rol del protagonista.

Puede que la estructura del guión no sea muy sólida y la película se deje llevar durante unos cuantos minutos sin saber muy bien a donde se dirige, pero, para mí, ahí reside parte de su encanto, todo es imprevisible, como el carácter de Lenny. Largos tiempos muertos se ven interrumpidos por cambios rápidos e inesperados.

Una de las sorpresas más agradables de la Sección Oficial. Una de esas historias que no cuentan gran cosa, ni nos hablan de nadie célebre, ni siquiera del todo interesante, pero en las que a mí, particularmente, me gusta invertir el tiempo.

Dagur Kári es uno de los directores habituales del festival en los últimos años, los tres largometrajes que ha dirigido han sido presentados aquí. En su primer trabajo rodado en inglés, “The Good Heart”, el director parisino de ascendencia islandesa imprime su intransferible humor nórdico a una historia amarga pero llena de esperanza.

Lucas, un joven vagabundo, vive en una caja de cartón bajo un puente. Un intento de suicidio le hace coincidir en el hospital con Jacques, un viejo huraño que regenta un bar en la ciudad y acaba de sufrir su enésimo infarto. Lucas despierta inmediatamente una actitud paternalista en Jacques, quien le ofrece alojamiento a cambio de ayuda en la atención de su negocio.

El local de Jacques, situado en un oscuro callejón, es un santuario exclusivo para hombres gobernado con mano férrea por su dueño por medio de un puñado de reglas absurdas.

El carácter de Jacques se agriará aún más cuando aparezca en el local April, una azafata con miedo a volar, que conquistará de inmediato el corazón del ingenuo y bienintencionado Lucas.

La convivencia entre estos tres personajes, con los chascarrillos de los clientes habituales de fondo, suavizarán poco a poco el carácter de Jacques a la vez que Lucas irá perdiendo su inocencia.

Comedia amarga, drama amable… Dejando a un lado las innecesarias etiquetas, Dagur Kári, construye una historia personal a través de unos personajes tan excéntricos como creíbles, con los que cualquiera de nosotros, de una u otra forma, puede identificarse.

Alex Van Warmerdam es todo un todoterreno: Guionista, actor, pintor y director. Éste holandés de cincuenta y siete años presentó en Gijón su último trabajo para las salas, “The last days of Emma Blank” que ya le valió el premio Europe Label Cinemas en Venecia.

El inteligente guión parodia a la vez que homenajea la novela de asesinatos al estilo Agatha Christie. Cambiando las lujosas mansiones victorianas por una enorme casa rodeada de dunas, Alex van Warderdam hace una crítica ácida y brutal de la codicia que la propiedad hereditaria despierta en las familias. Sin llegar al sadismo de “Bahía de Sangre”, del maestro Bava, con un estilo más cercano al Fernando León de “Familia”.

Emma Blank, supuestamente aquejada de una enfermedad incurable, pasa sus últimos días bajo los cuidados de una extraña cohorte de sirvientes a los que humilla constantemente, llegando uno de ellos (interpretado por el propio director) a desempeñar el rol de perro. Las complejas relaciones que se establecen entre el grupo de personajes sirven para profundizar en temas que van desde la sexualidad hasta el servilismo, la crueldad o la psicopatía.

Una exquisita comedia negra que hiela la sonrisa del espectador en no pocas ocasiones.

De un serio análisis de la psique humana en tono de comedia pasamos a una visión festiva y saludable de temas políticamente incorrectos.

En “Le roi de l’évasion” el director galo, Alain Guiraudie, narra las aventuras y desventuras de Armand Lacourtade, un cuarentón orondo que vive en una localidad rural francesa donde la mayoría de los habitantes varones son gays. El bosque es el lugar elegido para escaparse de sus mujeres y quedar en grupo para disfrutar libremente de sus inclinaciones sexuales.

Armand está cansado de su rutina como vendedor de maquinaria agrícola, e incluso comienzan a aburrirle los furtivos encuentros sexuales con hombres, seña de identidad de su pueblo.

Una noche, de camino a casa, Armand salva a una joven de ser agredida por un grupo de chicos. La muchacha, llamada Curly, se enamora de Armand, quien también siente algo especial hacia la joven, aunque ello no le impida sentir un deseo irrefrenable de practicarle una felación a su jefe. El problema de la relación es que ella es menor. Su padre, ayudado por el comisario y otros miembros de la localidad perseguirán a los amantes fugados por considerar su relación perversa. Mientras, siguen eyaculando en grupo sobre la cosecha de trufas.

Curly está locamente enamorada de Armand y sólo piensa en huir lejos de su familia, sin embargo Armand no está tan seguro y empieza a echar de menos su soltería. En cuanto a los perseguidores…¿velan por la seguridad de Curly o en realidad lo que quieren es acostarse con Armand?

En “Wakanarai” el director japonés, Masahiro Kobayashi, rinde su particular homenaje al Antoine Doinel de “Les quatre cents coups”. Particular porque, a mi entender, el parecido es inexistente. La vitalidad del enfant terrible magistralmente representada por Jean-Pierre Léaud en la ópera prima de François Truffaut contrasta con el carácter apagado del adolescente que protagoniza este relato forzadamente triste construido a base de largos planos fijos.

Nos encontramos ante una película en la que los tiempos muertos predominan sobre la acción. La rutina del personaje protagonista es mostrada con pausa por una cámara que sencillamente observa. La narración queda reducida a un puñado de escenas que no son más que los quehaceres diarios a los que se enfrenta el personaje protagonista, un joven aún en edad escolar que se ve obligado a trabajar para hacer frente a sus duras responsabilidades económicas. Su madre se encuentra aquejada de una grave enfermedad en un hospital que debe de pagar y su padre les abandonó a ambos hace tiempo.

Como es lógico los trabajos sin cualificación a jornada partida que el joven es capaz de conseguir no le alcanzan siquiera para pagar el alquiler de la vivienda con lo que se ve obligado a robar la comida en el supermercado en el que trabaja. La historia se convierte en una espiral que hace que el joven lo vaya pasando cada vez peor a medida que avanza el metraje.

Relato kafkiano en el que una moderna (tecnológicamente) pero encorsetada sociedad pide responsabilidades a alguien incapaz de afrontarlas. Destaca la gran interpretación de Yuto Kobayashi, quien está presente en casi todos los planos de la película y sin apenas diálogo es capaz de transmitir su desesperanza. En el apartado negativo el tramposo guión que fuerza descaradamente el drama lacrimógeno de la manera más gratuita. Desconozco las leyes japonesas pero dudo mucho que teniendo un padre que además estaba casado con su madre se le pidan responsabilidades económicas a un menor y no a su progenitor.

El ejemplo de cómo un guión puede funcionar narrativamente, emocionar sin necesidad de efectismos y realizar, a la vez, crítica social sin caer en el absurdo argumental ni en el panfleto es la excelente película francesa “Welcome”. Una vez más los vecinos del norte consiguen darme con el gusto en la que considero la mejor película de la Sección Oficial. Afortunadamente se ha hecho justicia, en parte, y se la ha premiado al menos con el premio al mejor guión.
El filme narra de forma emotiva la historia personal de Bilal, un joven inmigrante kurdo en Calais que intenta viajar clandestinamente hasta el Reino Unido donde vive la joven con la que quiere casarse.

Philippe Lioret, guionista y director, arropado por un elenco de magníficos actores (a destacar un Vincent London que pone los pelos de punta en la piel del profesor de natación) describe (sin escatimar en detalles ni en críticas contra el gobierno de Nicolás Sarcozy) la dureza de la vida de los inmigrantes que arriban a Calais con la esperanza de poder llegar hasta las islas británicas.

El joven Bilal es incapaz de aguantar la respiración con una bolsa en la cabeza (requisito imprescindible para pasar los controles de CO2 a los que son sometidos los camiones en la frontera) por lo que decide aprender a nadar para cruzar los treinta y dos kilómetros que le separan de su sueño a nado. Simon, un profesor de natación francés y ex-campeón de su país, se encuentra en uno de los momentos más amargos de su vida. A punto de divorciarse de su esposa Marion, que trabaja como voluntaria dando comida a numerosos inmigrantes junto a su nueva pareja, y cansado de su rutina como profesor de natación en un centro deportivo, encuentra en Bilal una amistad inesperada. A través de las clases que Simon va dando a Bilal (con las que se arriesga a ser arrestado por prestar ayuda a un inmigrante ilegal), al que también presta alojamiento en su propia casa se va estableciendo una profunda relación que hará a Simon tomar conciencia de las cosas que realmente son importantes en la vida. Aunque suene a tópico, la película no lo es.

Uno de los largometrajes más honestos y emotivos que he visto en los últimos años.

Que en Francia también saben tomarse la vida con humor ya lo sabíamos, más arriba hacía mención a la muy sana y divertida “Le roi de l’évasion” y para cerrar este resumen acabaré con la primera película a competición proyectada, “Les beaux gosses”, algo así como “los tíos buenos” en su traducción al castellano. Título de inequívoco carácter irónico en cuanto uno ve a sus protagonistas, dos escuálidos e inseguros adolescentes obsesionados por el sexo.

El director Riad Sattouf construye su particular “Supersalidos” a la francesa, pues a pesar de la innegable influencia de la comedia High School más anglosajona no faltan en ella los detalles localistas. Si la hermano con la genial comedia de Jude Apatow es sobre todo por el decidido carácter realista en cuanto a la representación de la pubertad se refiere, tanto por la edad de sus actores como por las situaciones que se describen, huyendo de los fantasiosos estereotipos masculinos de la escuela “American Pie”.

La naturalidad es la mayor baza de esta producción dónde incluso la chica guapa de la clase es de lo más normal. El personaje protagonista, Hervé, un joven tímido e inseguro tiene una hilarante relación con su madre (aquí si que recuerda un poco a la relación que mantenía el personaje de Jason Biggs con su padre en “American Pie”), obsesionada con el onanismo de su retoño; su mejor amigo, Camel (impagable su caracterización con ese imposible tupé), es un fan incondicional del Heavy Metal. Juntos comparten catálogos de ropa interior femenina y espían a una vecina de Hervé que gusta de tener la ventana despejada durante sus prácticas sexuales.

Les dejo con las que, para mí, fueron las tres mejores películas a competición.

I MUESTRA DE CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR ULTRAMUNDO

2009-12-14T18:00:00.000-08:00

Finalmente, allí estuvimos. Esta escueta frase es la que mejor resume la sensación que nos quedó a todos en el cuerpo (organizadores y espectadores) una vez finalizada la I Muestra de Cine Fantástico de Ultramundo. Finalmente porque no fueron pocas las dificultades con las que se topó el entusiasta y altruista equipo de Ultramundo para organizar esta fiesta del cine para disfrute de los aficionados.

Una serie de contratiempos de última hora impidieron que el ciclo se desarrollara en el lugar inicialmente escogido por la organización, lo que amenazaba con dar al traste con todo el proyecto. Lejos de amilanarse, los organizadores supieron reaccionar a tiempo y conseguir como sede las magníficas instalaciones de la Casa de Cultura de Mieres que cedió su amplio, cómodo y moderno Teatru para la exhibición de las tres películas que tuvimos el placer de degustar durante la tarde y la noche del sábado. A pesar de eliminarse, por falta de sala, las proyecciones del viernes y el domingo, la triple sesión del sábado condensó el espíritu lúdico y festivo de esta I Muestra de Cine Fantástico.

PRIMER ACTO

A las cinco de la tarde comenzaba puntual la primera proyección, lamentablemente sin apenas espectadores debido a los cambios de última hora y al escaso margen de maniobra para informar al público de dichas modificaciones en tan poco tiempo. Afortunadamente, un mail de uno de los organizadores, en respuesta a una duda previamente formulada, me informaba horas antes del cambio de sede, lo que permitió mi presencia en tan especial acontecimiento.

La película escogida para abrir la Muestra fue “El Imperio del Fuego”, pelín conservadora para mí gusto, lejos de ser una mala película (tiene momentos de lo más gracioso, como la representación teatral de uno de los momentos más dramáticos de “El Imperio Contraataca” ante una audiencia de niños que no saben lo que es el cine o la aparición de la caballería mecánica de los americanos, encabezados por un enorme Mathew McConaughey), abusa demasiado de convencionalismos en la elaboración del guión (todos los personajes son buenos excepto los dragones, que son buenos en los suyo; personaje femenino como complemento del protagonista; niños y adolescentes como esperanza de un posible nuevo mundo), envolviendo un relato fantástico de dragones en un futuro apocalíptico bajo la corrección política del cine de aventuras para todos los públicos.

No se le puede negar la corrección técnica. Se saca buen provecho de la infografía para representar a los dragones (que gustan de un estilizado diseño) y sus fieros y abrasadores ataques. La utilización de planos medios y cortos en lugar de grandes panorámicas, tan característica de la serie b clásica, permite a la película mantener ese empaque de serie a durante buena parte del metraje, sin faltar las escenas espectaculares (la batalla aérea o la parte final en un Londres devastado). El conocido reparto masculino es otro de los puntos fuertes de la película, que logró reunir a un Christian Bale (pre-Batman), a un Gerald Butler (pre-300) y a un McCounaughey (pre-…) ¡Bueno, y a Mathew McConaughey! En el apartado femenino destaca la delicada belleza de Izabella Scorupco, la arrebatadora chica bond de “Goldeneye”.

El director, Rob Bowman (“Expediente X. La película”, “Electra”), realiza un digno trabajo artesanal consiguiendo un producto competente pero que no destaca por encima de otras producciones dentro de la aventura fantástica.

Una película correcta, sin más, que se deja ver sin problemas a pesar de lo manido de la historia, pues no le falta ritmo a la narración, tampoco un puñado de buenas escenas de acción. Por lo demás salen dragones s y la acción se desarrolla en una Inglaterra rural apocalíptica. Como aperitivo no se puede pedir más.

SEGUNDO ACTO

A las siete llegaba, a priori, la mejor película de la Muestra (no en vano, a pesar de todo, la gente empezó a dejarse caer por la Casa de Cultura superando la veintena de espectadores), esa joya oculta en la, por otro lado, mediocre filmografía de Tobe Hooper que es “Lifeforce”. Un batiburrillo de ideas provenientes de la sci-fi, el terror, e, incluso, el pulp, se aúnan en ésta desprejuiciada e interesante producción de la Cannon (¡qué gozada disfrutarla en pantalla grande y con sonido amplificado!)

Como bien comentaba Miguel Díaz González, maestro de ceremonias, en la presentación, Hooper tenía bien cubiertas las espaldas en esta producción. Ahí estaban Dan O’ Bannon, en la confección del libreto, la banda sonora de Henry Mancini o el extraordinario equipo de efectos especiales para dar entre todos el toque personal e intransferible que rezuma la producción.

Largometraje de sabor añejo, incluso para su época, porque a pesar de que corría el año mil novecientos ochenta y cinco cuando se estrenó la película hay en ella no pocos elementos (desde la planificación fisheriana en ciertas secuencias hasta la ingenuidad de los personajes) que recuerdan al cine sesentero de la Hammer Films. La delirante trama, que comienza con el descubrimiento de tres alienígenas de aspecto similar al de los humanos en una nave perdida en mitad del espacio, no tiene complejos en mezclar temas recurrentes del cine fantástico como los vampiros, los zombies e incluso la menos explotada figura del súcubo, más irresistible que nunca bajo la lúbrica presencia de una Mathilda May que se pasa desnuda casi toda la película para regocijo de los espectadores.

La fuerza vital que da nombre al filme es la que los alienígenas succionan directamente (en forma de apasionado beso cuando es la fémina la encargada de tal cometido) a los humanos. Una vez fallecida la víctima dicha fuerza sale de su cuerpo hacia la nave alienígena en forma de torrente de luz azul. Creo que ya pueden hacerse una idea de lo alucinado de la propuesta.

A pesar de que ciertas partes de la película tienen una acusada falta de ritmo (se proyectó la versión del director, quizá con demasiados minutos sobrantes) el final de la película con un Londres devastado (otra vez) por hordas de zombies (humanos a los que habían robado prácticamente toda fuerza vital) hambrientos (de fuerza vital) es una auténtica gozada. La naturaleza artesanal de la masacre recuerda más al cine de maquetas tan característico de las kaiju-eiga que a las películas de zombies. En lo que respecta a la secuencia final, con una lisérgica estampa de erotismo soft entre la bella Mathilda May y uno de los atribulados protagonistas, bien la hubiera firmado el bueno de Jean Rollin, tanto por el abigarrado esteticismo como por la excitante sombra del vampirismo, aunque en este caso provenga del espacio.

TERCER ACTO

La fiesta continuaba a eso de las nueve de la tarde. De los peligrosos cielos de Londres, en los que se había concentrado la amenaza contra nuestra especie en los dos primeros largometrajes, descenderíamos de manera brusca al metro de Nueva York.

La retorcida imaginación de Clive Barker y sus “Libros de Sangre” continúa dándonos alegrías en forma de celuloide, sobretodo cuando el relato cae en manos de alguien tan genial y marciano como el nipón Rhyuei Kitamura. Aunque teniendo en cuenta su país natal es probable que el cine que pueda rodar cualquier habitante de Marte nos parezca más convencional que el suyo.

La película en cuestión toma el nombre homónimo del relato, es decir, “The midnight meat train”, titulada bruscamente en castellano “El vagón de la muerte”. Semos asín.

El inquietante relato está, en líneas generales, correctamente adaptado a la gran pantalla, aunque el filme no se libre de las molestas concesiones comerciales, como la inclusión del personaje de la novia del protagonista. Por otro lado, las obsesiones que mostraba la obra de Barker (voyeurismo, vampirización de la cámara, canivalismo de la ciudad) están perfectamente reflejadas en la película, que tampoco escatima en hemoglobina con unos FX rudimentarios pero sobrados de líquido rojo.

"La vida es como una caja de bombones"

Un fotógrafo sumido en la mediocridad artística y obsesionado con retratar el alma de la ciudad encuentra su inspiración tras seguir a tres delincuentes que intentaban abusar de una joven en una estación de metro. La noticia en el periódico del día siguiente de la desaparición de la joven aquella misma noche lleva al fotógrafo nuevamente al metro en busca de respuestas. El descubrimiento de un extraño personaje que parece relacionado con la desaparición de la joven obsesionará al fotógrafo hasta el punto de comenzar a seguirlo y fotografiarlo. En el tren que pasa después de las dos de la madrugada encontrará la respuesta.

Una trama mínima y previsible que da pie a todo un carrusel de asesinatos a cual más brutal, precedidos y/o acompañados de puntuales dosis de humor negro puramente británico. Algo sólo al alcance de un realizador japonés.

El correcto cast sube enteros con la presencia del carismático e inquietante Vinnie Jones haciendo de metódico y contundente psicópata en los subterráneos de la gran ciudad. La actuación que lleva a cabo es sencillamente genial, sin articular prácticamente palabra su rostro y su lenguaje corporal son capaces de transmitir un inmenso abanico de emociones al espectador.

Un perfecto postre para el ágape cinéfago que habíamos degustado. La sonrisa nos duró hasta que tuvimos que coger el tren a eso de la medianoche.

DESPEDIDA Y CIERRE

La noche finalizó en un mesón ovetense donde tuve ocasión de compartir mesa con los organizadores y charlar distendidamente sobre las películas proyectadas en el ciclo y un buen puñado de títulos más.

A pesar de las ya comentadas modificaciones de última hora, la impresión que me deja la experiencia es inmejorable, tanto por la selección de los títulos, la comodidad y calidad (espectacular el sonido) de proyección del Teatro de La Casa de Cultura, como por la hospitalidad de los organizadores.

PAUL NASCHY Y SERGEI BODROV, JR.

2009-12-02T16:46:00.000-08:00

Aunque no me gustan nada las necrológicas no podía dejar pasar por alto la desaparición de uno de los grandes del fantaterror patrio.

Dejando a un lado la mayor o menor calidad de su trabajo como actor, guionista o director, no cabe duda de que la vida del gran Jacinto Molina fue dedicada prácticamente por entero al cine fantástico, con el permiso de su otra gran pasión, la halterofilia, donde cosechó éxitos desde los años cincuenta hasta los noventa. Con casi cien películas interpretadas y cuarenta guiones escritos para otros tantos largometrajes, estaba apunto de finalizar su quinceavo film como director, bajo el título de “Empusa”. Murió con las botas puestas. Un final a la altura de su leyenda.

El hombre lobo español nos regaló decenas de interpretaciones en películas, muchas de ellas inolvidables (para bien o para mal), que resultan curiosas a los ojos del aficionado de hoy en día pero que, desde finales de los sesenta hasta bien entrados los ochenta, tenían el valor de ser prácticamente las únicas producciones (normalmente co-producidas con otros países) españolas en atreverse a apostar por un cine de evasión, eminentemente fantástico y que sólo buscaba, comedias aparte, la diversión del espectador.

Los aficionados españoles, y los del resto del mundo, nunca olvidaremos a nuestro eterno Waldemar Daninsky.

El otro tristemente protagonista de este post, Sergei Bodrov, Jr., nos abandonó años atrás, concretamente el 20 de septiembre de 2002.

No es que su recuerdo llegue tarde, de hecho, por aquel entonces este rincón aún no existía. Simplemente desconocía su existencia hasta la pasada edición del Festival de Cine de Gijón. En el se dedicó una retrospectiva al director ruso Alexei Balabanov, donde, entre otras, se proyectaron dos magníficas películas, “Brother” y “Brother 2” a las que tuve el placer de asistir. Allí, deambulando por las calles de una decadente San Petersburgo, acribillando a matones en un caótico Moscú o masacrando redes de prostitución en un babilónico Chicago, descubrí la carismática figura de su protagonista, Danila, encarnado por un actor de eterna e inocente sonrisa, Sergei Bodrov, Jr.

La emoción tras descubrir a aquel talentoso joven me hacía frotarme las manos ante la posibilidad de seguirle la pista en sus próximos proyectos. Lamentablemente me iba a ser imposible. Jesús Palacios, antes de la proyección de la película “Morphia”, de Alexei Balabanov, (cuyo guión firmó el propio Bodrov) nos revelaba el fatal accidente que acabó con la vida del actor, guionista y director y la del resto del equipo que se encontraba rodando en Osetia del Norte aquel trágico 20 de septiembre. Aquí pueden leer la noticia completa.

La revelación me dejó extrañamente triste, era como si alguien al que siempre hubiera admirado desapareciese repentinamente.

Sergei Bodrov era hijo del conocido director ruso de mismo nombre y, desde ahora, gracias a la inmortalidad del celuloide, a José Luis Cienfuegos y a Jesús Palacios, formará parte de mi memoria y de la vida de este blog.

Les dejo con un videoclip con imágenes de la película "Brother", con la presencia del actor e interpretado musicalmente por Nautilus Pompilius, uno de los grupos preferidos de Alexei Balabanov y del propio Sergei.

Hasta siempre Valdemar.
Hasta siempre Danila.

47 FIC XIXÓN

2009-11-23T04:14:00.000-08:00

A estas alturas, seguramente, la mayoría de ustedes ya estarán al corriente de que desde el pasado jueves 19 se viene desarrollando en Gijón la 47 edición de su Festival Internacional de Cine Independiente.

Disculpen la desidia de este cronista a la hora de plasmar sus impresiones sobre lo que puede deparar la programación de este año pero a medida que se acercaba la fecha de arranque del festival mis ganas, hace unos meses enormes, iban disminuyendo poco a poco. Desconozco si fruto de la ligera decepción que supuso la edición anterior, de la sobrecarga de trabajo a la que me he visto sometido los últimos días o, simplemente, a que los años pasan y uno va perdiendo la ilusión por todo, sin más.

Sea lo que fuere la realidad es que en cuatro días transcurridos del evento tan sólo he visto dos películas. Si bien es cierto que el horario laboral me ha impedido ver alguna obra que era de mi interés otras sesiones me las he saltado por elección propia. Si a esto añadimos la pésima, como es tradición, programación de las películas, haciendo coincidir la misma película en el mismo día y hora pero en diferentes salas, sucederá lo que todos los años, que nos quedaremos sin ver muchas películas de las que hubiéramos disfrutado en pantalla grande.

Tal es el caso de la genial, generacional, fundacional, etc.. “Quadrophenia”, una de las guindas del suculento pastel que conforma la sección “Made in England”. El maltrato de la organización la ha relegado a dos únicas sesiones durante el primer fin de semana. Lo que ha hecho su visionado imposible para algunos, como es mi caso.

Pataletas aparte, la Sección Oficial de este año, aunque sin renunciar a la pretenciosidad habitual, parece no renunciar a la comercialidad como lo demuestran títulos tan estimulantes como “Mal día para pescar”. Otras propuestas como la cinta llegada de la exótica Sri Lanka, “Between Two Worlds”, parecen realizadas en exclusiva para ser proyectadas aquí. Es irónico que los esfuerzos de un conjunto de profesionales por hacer algo diferente logre que el público habitual del festival, en lugar de sorprenderse, tenga una sensación de déjà vu que le provoca la más absoluta indiferencia. La mayoría francesa en la competición me hace albergar esperanzas de buen cine (que le voy a hacer, tengo mis prejuicios) y la presencia del marciano Harmony Korine con su último largo “Trash Humpers” acaban de redondear un conjunto bastante apetecible donde temo, y mucho, la participación nipona con la película “Wakaranai” de Masahiro Kobayashi. Estoy convencido de que las comparaciones con el Antoine Doinel de Truffaut y con la estética de Larry Clark o Gus Van Sant que apunta el programa de mano son el humo de siempre y que al final estaremos más cerca de la clásica película que suele arrasar en el festival con sus largos planos fijos, su ausencia de diálogo, de narración y, en definitiva, de cine. Espero equivocarme.

Las retrospectivas dedicadas a directores invisibles, hasta el momento, para el cine comercial recuperan la calidad de ediciones anteriores tras el paréntesis que supuso la edición 46 con nombres que no quiero recordar. Fatih Akin, Aleksey Balabanov y Harmony Korine son tan diferentes entre sí como igualmente interesantes y necesarios para conocer el panorama del cine independiente contemporáneo. Las propuestas más radicales, provenientes del campo de la experimentación, corren a cargo de Matthias Müller y Cristoph Girardet, cuya obra, compuesta íntegramente por cortometrajes combina celuloide de prestigio con producción propia en busca de un collage acorde con estos tiempos postmodernos. Jean Gabriel Periot es el otro manipulador de imágenes cuya obra podemos ver comprimida en un programa único de setenta y cinco minutos.

Las, ya clásicas, sesiones de “Llendes”, “Esbilla”, y “Enfants Terribles” aglutinan propuestas de diferente índole, como cada año. En ellas podremos ver desde la última película de Michel Gondry, “L’épine Dans le coeur” (en otro alarde de acierto de la programación el sábado se pasó por última vez), la nueva propuesta de los hermanos Wachowski “Ninja Assasin” a rarezas como “E1000”, de Pauline Sylvain-Goasmat, película interactiva en la que los espectadores son parte activa a través de llamadas telefónicas y mensajes de texto.

La mini sección Post Burlesque bajo el subtítulo de “La nueva farsa en el cine europeo” mezcal éxitos del cine independiente de este siglo en el viejo continente junto con títulos que han pasado de largo por las carteleras sin pena ni gloria.

Pueden echarle un ojo a la programación completa aquí. Y si quieren leer alguna reseña les recomiendo pasarse por el estupendo blog no oficial.

No deja de resultar gracioso el cartel escogido para la edición de este año. Huyendo de la sobriedad habitual se escoge ese cuerpo femenino con cabeza de dinosaurio, de lo más freak y fantástico (genial para mi gusto), todo lo contrario al carácter del festival. No menos irónica resulta la presencia del Teatro Jovellanos en la estampa (se encuentra cerrado por obras), aunque, eso sí, partido por la mitad. ¿Humor consciente o inconsciente?

El cierre del Teatro hace de ésta una edición extraña, descentralizada, anárquica en el seguimiento de la Sección Oficial. Los cines Yelmo se incorporan al festival para poder albergar la totalidad de películas programadas. Una buena ocasión para disfrutar de cine independiente en una sala equipada con todas las comodidades actuales pero a una hora a pie del centro de la ciudad. Por no hablar de las proyecciones en la Laboral (inauguración y clausura incluidas) ya en zona rural. La organización ha puesto autobuses especiales para desplazarse entre las diferentes salas pero aún así el ambiente cinéfilo que se concentraba en años anteriores en el centro de la ciudad se ha perdido en gran medida.

Cine aparte, nada nuevo en el reino de Pelayo y del alcohol a precio asequible (en algunos apartados y selectos locales, huyan de los nombres de relumbrón… y garrafón) El gafapastismo vuelve a tomar las calles y las salas. Diferentes acentos se funden bajo el uniforme negro de gabardinas y monturas de gafas. Imposible distinguir al público por la película. La dictadura pop impone su ley e impide que algunos que amamos el cine y la música sin que ello afecte a nuestro armario podamos ver alguna película o algún concierto por estar el aforo completo. Cosas de la globalización.

HALLOWEEN (2007)

2009-11-06T01:51:00.000-08:00

“Halloween”
Director: Rob Zombie
Guión: Rob Zombie
Intérpretes: Malcolm McDowell, Scout Taylor-Compton, Tyler Mane, Daeg Faerch, Sheri Moon Zombie, William Forsythe, Danielle Harris, Kristina Klebe, Skyler Gisondo, Danny Trejo, Hanna Hall, Tom Towles, Bill Moseley, Leslie Easterbrook, Steve Boyles, Brad Dourif, Richard Lynch, Udo Kier, Sid Haig
(EE.UU, 2007)

Sinopsis:

Michael Myers es un niño introvertido que vive en Haddonfield junto a su familia. La convivencia en su casa es dura. Su padrastro es un alcohólico y su hermana, Judith, no se preocupa por él. El único apoyo con el que cuenta el pequeño Mickey es el de su madre, quien trabaja en un club de striptease para mantener a la familia. La situación en el colegio no es mucho mejor. Un par de niñatos con aspiraciones a matones se burlan constantemente de Mickey por el trabajo de su madre.

La Noche de Halloween, Judith es la encargada de sacar a Michael para el tradicional truco o trato en busca de dulces, pero en lugar de eso lo utiliza para quedarse a solas con su novio. Michael se pone su máscara de payaso y asesina a su padrastro y a su hermana. Después coge en brazos a su hermana pequeña, Laurie, y la saca a la calle, hasta que su madre llega del trabajo y contempla la masacre.

Mickey es internado en el Smith’s Grove Sanitarium donde el Dr. Samuel Loomis será el encargado de tratarle. Tras quince infructuosos años en los que Michael no ha articulado palabra, Loomis decide abandonar su tarea. Michael Myers va a ser trasladado a otro hospital pero aprovecha la ocasión para fugarse. Casualmente es la Noche de Halloween.

Laurie vive junto a sus padres adoptivos, los Strode, sin ser consciente de la existencia de su hermano, Michael. Quien volverá a su hogar sembrando nuevamente el terror.

El Dr. Loomis es el único que intuye la vuelta de Myers a Haddonfield. Tras alertar al Sheriff Bracket intentará que no se repita la masacre de hace quince años.

Comentario:

El músico de rock, Rob Zombie, siempre ha sido un fanático del cine de terror. Así lo demuestran los videoclips realizados junto a su antiguo grupo “White Zombie” (nombre que homenajea al clásico protagonizado por Bela Lugosi). También su estética habitual y la puesta en escena del grupo. En el 2003 daba el salto a la dirección cinematográfica con un largometraje titulado “House of 1.000 corpses” donde se rodeaba de una siniestra troupe de psicópatas conocidos como la familia Firefly que hacían disfrutar al respetable mientras despedazaban creativamente a un grupo de adolescentes perdidos en mitad de la nada.

La singular familia volvería a aparecer dos años después en “The Devil’s Rejects”, esta vez en clave de Western Crepuscular con no pocas referencias al cine de Sam Peckinpah y con una excelente banda sonora compuesta por temas de rock de los años setenta. En el 2007 pondría su granito de arena en “Grindhouse” con la realización de el falso tráiler “Werewolf woman of the S.S”, grotesco cruce entre el celuloide licántropo y la figura de la dominatrix nazi, Ilsa.

Ese mismo año se haría cargo de plasmar en pantalla los orígenes de uno de los psicópatas más famosos del cine. El binomio Myers-Zombie, prometía.
Cualquier seguidor habitual de este blog sabe que el que escribe estas líneas es seguidor incondicional, hasta la fecha, de Rob Zombie. Por otro lado, “La noche de Halloween” es una de mis películas de terror preferidas. En consecuencia, enfrentarme al supuesto remake de la obra maestra de Carpenter hace poco más de dos años suponía para mí todo un acontecimiento.

Mi primera impresión fue desigual. Había gozado con la primera parte de la película, pues se trataba de una aproximación totalmente diferente al personaje de Myers. Más realista, más sórdida que en el original. Encajaba perfectamente con el universo que Rob Zombie nos había mostrado en sus dos trabajos anteriores. Era justo lo que quería ver. La segunda parte era más un homenaje respetuoso a la obra original, mantenía la contundencia y brutalidad indisociables del cine de Zombie, pero el elemento sorpresa se perdía al ser su desarrollo prácticamente idéntico. El sabor de boca final era agridulce, parecía que Rob no se había atrevido a quitar las ruedas traseras de la bicicleta, se había dejado algo de su personalidad al enfrentarse a un clásico de altura dentro de la serie b.

Tras el visionado, las imágenes iban sucediéndose en mi cabeza cobrando cada vez más fuerza, más intensidad. A medida que pasaba el tiempo recordaba la película como algo mucho mejor de lo que en primera estancia me había parecido. Era el momento de enfrentarme nuevamente a la obra para comprobar si mi memoria me estaba jugando malas pasadas.

El resultado no pudo ser más favorable al trabajo de Zombie. La primera parte me parecio aún más lograda que la vez anterior. La grotesca familia de Myers; las burlas de los malos de la clase sobre el trabajo de su madre. Todo nos sumerge en la cruda realidad que Michael Myers tiene que soportar cada día, desde el desayuno (donde acertadamente comienza la acción). Pero esa vida no justifica los oscuros pasatiempos del desviado Michael. La frialdad de su mirada indica la horrible naturaleza que se esconde tras su máscara de payaso (aquella que mecánicamente se pone antes de cada crimen). Myers continúa siendo la encarnación del mal (al igual que en la obra de Carpenter), pero no un mal diabólico o sobrenatural como en la película original sino un mal real, el que puede albergar un niño cualquiera con un cerebro enfermo.

Sobre la segunda parte, al contrario que tras el primer visionado, me pareció la evolución lógica del personaje. Sino hubiera vuelto a Haddonfield no sería Michael Myers. El personaje ya había sido transformado totalmente en la primera mitad, ahora volvía a enfundarse el traje de mecánico y la máscara blanca (su traje de supervillano) para sembrar el pánico entre las canguros adolescentes en la víspera de todos los santos. Pero aunque el desarrollo se parezca, en inevitable homenaje, al original, hay matices que muestran la diferente naturaleza del Myers de Zombie. Lo primero es que ahora Myers viene en busca de Laurie porque es su hermana (cosa que en la primera película no se menciona), la diferencia estriba en que su intención no es matarla sino protegerla, salvarla de la pesadilla que el vivió en su hogar cuando era niño (recordemos que después de matar a su padrastro y su hermana, Judith; Michael coge en brazos a su hermana Laurie, siendo ésta aún un bebé). Será el último rasgo de humanidad que veamos en el psicópata antes de convertirse definitivamente en un asesino implacable. Lo que deriva, por cierto, en un impresionante final.

Hace unos días, previa redacción de este post, volví a echarle un vistazo a la película en sesión doble junto al original carpenteriano. El resultado, creo, fue bastante esclarecedor. “La noche de Halloween” es una obra maestra de un director que domina como pocos los códigos y resortes del cine de terror. Posee una planificación impecable y la inquietante atmósfera y el frenético ritmo se mantienen desde el primer al último fotograma. “Halloween. El origen” es una aproximación realista y personal al personaje de Myers filmada con nervio y contundencia, a través de su inquieta cámara, por un apasionado del género.

Establecidas ya las diferencias entre ambas películas, o al menos, mi posicionamiento frente a ellas, centrémonos en el film de Zombie.

“Halloween. El origen” guste o no tiene el inconfundible sello de su director. La sequedad, la crudeza de la violencia, la brutalidad que algunos acusan de fácil pero que en realidad no llega a la truculencia. No se puede catalogar ninguna película de Zombie dentro del género gore (la sangría alegremente mostrada en “La casa de los 1.000 cadáveres” está más próxima al territorio del Grand Guiñol). En realidad es más la sensación que nos crea que lo que realmente muestra en pantalla. En esta película se pone más atención a los espasmos de las piernas de las víctimas en el momento de su muerte que en el propio acto de la ejecución. Cuando Mickey golpea al novio de su hermana con un bate de baseball repetidas veces está filmado en fuera de plano, pero la acertada banda sonora muda violada por el metálico sonido del bate se introduce de lleno en nuestra cabeza de tal forma que tras visionada la película llegamos a creer que hemos visto como le machacaba el cráneo en plano detalle.

Lo mismo sucede en la primera aparición del Myers psicópata en mitad del bosque que rodea su colegio. Zombie sabe ser explícito cuando es necesario. Como en el degollamiento que Mickey le practica a su padrastro; o en la espléndida y sádica secuencia en la que el benjamín apuñala repetidas veces a su hermana mayor mientras ésta intenta escapar inútilmente de su verdugo. El realizador nos da las dosis justas de primeros planos sangrientos para que estos no pierdan su contundencia por saturación. Ahí reside gran parte de la oscura belleza de la película. Una especialidad marca de la casa.

Poco se puede decir del guión, tras lo destripado más arriba. La primera parte es la única original, nueva. Una vez que Mickey, convertido ya en un enorme y melenudo Michael Myers (una transformación que, aunque rompa el realismo existente hasta ese momento, funciona como grotesca representación física de la monstruosidad de Myers) se escapa del Smith’s Grove Sanitarium, en una secuencia exagerada y/o bizarra pero resuelta con gran pericia técnica, vuelve a Haddonfield donde se desarrollarán los acontecimientos narrados previamente por John Carpenter en la primera película sobre el psicópata.

Los encuadres que escoge Zombie son más cerrados y menos atractivos que los del maestro. Las ejecuciones de los crímenes más directas, se pierde la atmósfera cultivada por Carpentes en aras de lograr una mayor contundencia (tan bien hemos de tener en cuenta que Rob dispone de menos metraje después de detenerse durante buena parte de él en la infancia del personaje) Se realiza una leve modificación del original dejando con vida al personaje de Annie Brackett, interpretado por una estupenda (al menos, físicamente) Danielle Harris (sí, la actriz que interpretó a la sobrina de Myers en las entregas 4, 5 y 6)

La importancia de los personajes varía respecto a la obra original. Así, Deborah Myers, se erige en un personaje fundamental para comprender la historia. La elección de Sheri Moon Zombie (dejando a un lado que sea la esposa del director) no pudo ser más acertada. Encarna excelentemente al personaje más trabajado de la cinta. Una madre encerrada en una vida miserable junto a su pareja (un alcohólico que aprovecha su incapacidad para caminar para parasitar frente a la tele y cuya cuestionable moral no le impide acosar a su hijastra o insultar al pequeño Mickey). La manutención de sus tres hijos la obliga a actuar como stripper en un bar de carretera (genial la secuencia en la que Zombie monta en paralelo uno de sus shows con las actividades de su hijo). Pero la mejor interpretación de Sheri Moon se produce en el Smith’s Grove Sanitarium, donde Deborah conversa con Michael siendo ya consciente de su perversa naturaleza. Su rostro, sin articular palabra, muestra a la perfección una madre descompuesta por el dolor.

Daeg Faerch compone un inquietante Myers niño que desde su aparición en pantalla, quitándose la careta de payaso para contestar toscamente a su padrastro, deja entrever el odio y la maldad que encierran sus fríos ojos. El jovencísimo actor está a la altura de la leyenda, siendo uno de los mejores intérpretes de la película. Sobre la versión adulta del personaje no hay mucho que decir. La espectacular presencia física de Tyler Mane es la base de su interpretación, que se limita a seguir las pautas marcadas por el original (desplazamiento sigiloso y asesinato contundente).

Los personajes fundamentales de la primera película, Myers aparte, bajan enteros en esta ocasión. A pesar de ser un admirador de Malcolm McDowell, el personaje de Samuel Loomis le quedaba mucho mejor a Donald Pleasence. El look sesentero con el que se viste al personaje en la primera parte de la película(sobretodo esa melenilla casposa)quizá tampoco ayude mucho. Le da más un aire de músico de Rock que de serio psiquiatra. Aunque en la segunda mitad su aspecto adquiere un tono más sobrio. Lo que, indudablemente, no deja de ser gracioso es ver a Malcolm haciendo de bueno, aunque sea acompañado de un Mágnum 357.

La que está lejísimos de acercarse a los registros dramáticos de su predecesora es Scout Taylor-Compton, convertida en una Laurie Strode mucho más anodina que la guerrillera Jamie Lee-Curits. Las comparaciones son odiosas, pero la industria cinematográfica americana nos obliga a hacerlas.

En definitiva, nos encontramos ante una obra que si bien está lejos del nivel de la película original de Carpenter, se rebela como un digno homenaje y una nueva muestra del buen pulso de Zombie tras las cámaras.

HALLOWEEN RESURRECTION

2009-11-01T03:45:00.000-08:00

“Halloween Resurrection”
Director: Rick Rosenthal
Guión: Larry Brand y Sean Hood
Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Brad Loree, Busta Rhymes, Bianca Kajlich, Sean Patrick Thomas, Daisy McCrackin, Katee Sackhoff, Luke Kirby, Thomas Ian Nicholas, Ryan Merriman, Tyra Banks, Billy Kay, Gus Lynch, Lorean Gale, Marisa Rudiak, Brent Chapman, Dan Joffre, Haig Sutherland, Brad Sivhon, Kelly Nielson, Gary J. Runnicliffe, Ryan McDonald, Charisse Baker, Natassia Malthe, Kyle Labine, Rick Roshental, David Lewis, Chis Edwards, Michael McCartney, Ananda Thorson
(EE.UU, 2002)

Nota del autor: Espero que hayan pasado una buena Noche de Halloween, acompañados por una buena dosis de cine de terror y algún que otro dulce.

Siento haber demorado tanto el post hasta el punto de colgarlo pasada la señalada fecha. Errores infórmaticos imperdonables por mi parte han hecho que perdiera esta reseña y la dedicada a "Halloween. El origen". Reescrita la primera de ellas espero hacer lo propio con el remake de Rob Zombie lo antes posible.

Aviso: Cualquier atrevido que ose enfrentarse con esta abominable película absténgase de leer cualquier comentario aquí referido pues se destripa la película prácticamente al completo.

Sinopsis:

Laurie Strode se encuentra interna en un psiquiátrico tras matar a un policía creyendo que era su hermano Michael Myers. El psicópata había roto la faringe del hombre impidiéndole articular palabra en su defensa, después le había colocado su máscara propiciando la fatal confusión. La reclusión de Laurie no detendrá las ansias asesinas de Myers. Más de veinte años después continua acechando a su hermana hasta que consigue finalmente matarla.

Haddonfield se prepara para la noche de Halloween. El avispado productor, Freddy Harris, va a montar un show retransmitido por la red en el que un grupo de jóvenes han de pasar la noche de Halloween encerrados en la antigua casa abandonada que un día habitó Michael Myers a cambio de una jugosa cantidad en metálico. Sara Moyer, una estudiante de secundaria, es seleccionada para participar en el programa junto a sus compañeros Rudy y Jen. Una vez comenzado el “Dangerteinment” los tres jóvenes, junto a otros concursantes, serán testigos del lúgubre lugar donde Myers pasó su infancia. Todo está milimétricamente preparado por Freddy Harris para dar espectáculo a la audiencia a costa de asustar a los concursantes. El elemento sorpresa lo pone la irrupción del verdadero psicópata en escena quien irá aniquilando uno a uno a los participantes.

La única esperanza de los concursantes pasa por un amigo virtual de Sara que se encuentra a salvo fuera de la casa siguiendo las evoluciones del programa en directo. Será el único espectador consciente de la realidad de los terribles hechos que se están sucediendo en la morada de Myers. Sus mensajes a la PDA de Sara alertando de la posición del psicópata son la mejor arma para vencer a Michael Myers.

Comentario:

Rick Rosenthal volvía a dirigir una secuela de la franquicia veintiún años después, tras la realización de “Halloween II”, ya con una larga carrera en la televisión a sus espaldas. Sería la última película de Moustapha Akkad, responsable de todas las películas que forman la saga original, quien fallecería tres años después de estrenado el film.

Una de de las curiosidades de la saga Halloween es que las mejores películas son aquellas en las que aparece Laurie Strode. El grupo estaría formado por “Halloween”, “Halloween II” y “Halloween H20”. El comienzo de “Halloween Resurrection” es (dejando a un lado la trampa de guión que resucitaba nuevamente al personaje de Myers), desde este punto de vista, esperanzador. La imagen de una, aparentemente desquiciada, Laurie-Jamie Lee Curtis- Strode, vestida con pijama azul de interna y larga melena (no pocas coincidencias con el personaje de Sarah Connor en “Terminator 2”) hace a uno frotarse las manos ante la inminencia de un nuevo duelo fraticida en esta Tragedia Griega en clave de Slasher.

Las expectativas quedan pronto frustradas cuando a los guionistas les de por acabar con uno de los personajes más emblemáticos de la saga de manera atropellada. Quizá inspirados por el maestro Alfred Hitchcock quisieran emular el golpe de efecto conseguido por éste en su obra maestra “Psycho”, huelga decir que los resultados nada tienen que ver con los conseguidos por el orondo inglés. Si hay algo que pueda salvarse de esta secuencia quizá sea su continuación; en la que Myers se deshace de manera astuta del arma del crimen al tiempo que visita a un pintoresco interno del psiquiátrico que conoce de memoria la vida de todos los psicópatas que adornan la historia de U.S.A.

El terrible guión de la película, ya destripado en la Sinopsis, tras liquidar de manera inexplicable al personaje de Laurie Strode pretende hacernos (se supone) pasar miedo con la invención de una grotesca Casa del Terror que cuenta con Michael Myers como huésped de lujo. Hacía tres años que no se sabía nada del habitante más célebre de Haddonfield, y a juzgar por el estado de su abandonada morada no parece que hubiera pasado allí todo ese tiempo. Sin embargo, tras matar a su hermana, no se le pasan las ganas de derramar sangre y sin importarle que haya cámaras delante se dedica a descuartizar a cuanto jovenzuelo ande suelto por su casa.

Lo más sorprendente del caso es el grado de temeridad e inconsciencia que aqueja a la pequeña población de Illinois. Michael Myers se ha llevado por delante a buena parte del pueblo, ha demostrado que la muerte no es ningún problema para él y aún así la gente se lo sigue tomando a cachondeo y se encierran en su casa para hacer un reality show en la noche de Halloween.
Pero dejando a un lado el sinsentido absoluto del planteamiento de la historia en “Halloween Resurrection” hay por lo menos dos cosas aún más irritantes. A saber:

Una. Algo en lo que son especialistas los guionistas de la saga Halloween prácticamente desde sus inicios ; dejar por los suelos la reputación de Michael Myers. En la correcta “Halloween H20” se nos mostraba a un asesino frío, implacable, prácticamente indestructible. En esta entrega el personaje está, una vez más, totalmente desdibujado, se muestra irregular. Contrastan las primeras apariciones (más que solventes) en el psiquiátrico con las absurdas idas y venidas en el “Dangerteinment” (llegando incluso en una escena a obedecer las órdenes de Freddy Harris)

Dos. El insoportable personaje del productor, Freddy Harris (interpretado por el músico de Hip-Hop Busta Rhymes). Un afroamericano con un look de presentador de videos musicales, al que sólo le interesa obtener beneficios a través de su espectáculo. Si la cosa se quedara ahí tampoco sería tan terrible, lo peor es que el tipo se pasa toda la película haciéndose el gracioso y dando discursos edificantes al resto de personajes. Cualquier guionista con un mínimo de preocupación por la salud del espectador hubiera tenido la consideración de dejar en manos de nuestro querido asesino la rápida desaparición de éste individuo, pero en vez de eso tenemos que aguantar su presencia durante toda la película.

Teniendo en cuenta la nula calidad del guión sería injusto cargar contra el cast por su pobre aportación. La protagonista (con el permiso del egocéntrico Freddy Harris) de esta entrega es Sara Moyer (Bianca Kajlich). La chica mona, estudiosa y formal (¿estarían intentando crear una nueva Laurie Strode?). Su aliado al otro lado de la red es Myles, alias Dekar, interpretado por un soso Ryan Merriman. La ineludible ardiente pareja está formada por los personajes de Donna y el ligón de turno, Jim (encarnados respectivamente por Daisy McCrackin y Luke Kirby), quienes protagonizan una de las escenas de sexo más insípidas y absurdas que recuerde. En definitiva, nada destacable en una producción para olvidar. Ni siquiera la presencia de Tyra Banks meneando el culo al ritmo de la música en el estudio de realización antes de ser asesinada consigue animar la película.

Si hay algo positivo en la película es la forma en que está rodado el “Dangerteinment”. Cada uno de los concursantes va equipado con una microcámara, de esta manera los internautas podrán vivir en primera persona las emociones que éstos experimentan. Curiosamente es el mismo recurso utilizado en la reciente “Rec 2”, dónde el equipo de GEOS se convertía en los ojos y los oídos del espectador (quizá la vampirización de ideas funcione tanto de Este a Oeste como en sentido contrario). Aunque lo que en la película española era una seña de estilo utilizada hasta las últimas consecuencias en “Halloween Resurrection” se le saca un provecho bastante escaso en esporádicas ocasiones.

“Halloween Resurrection” consigue que pensemos que cualquier tiempo pasado fue mejor.

HALLOWEEN H20

2009-10-29T18:22:00.000-07:00

“Halloween H20”
Director: Steve Miner
Guión: Robert Zappia, Matt Greenberg
Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Josh Hartnett, Adam Arkin, Michelle Williams, LL Cool J, Jodi Lyn O’Keefe, Adam Hann-Byrd, Janet Leigh, Joseph Gordon-Levitt, Nancy Stephens, Branden Williams, Beau Billingslea, Matt Winston, Larisa Miller, Emmalee Thompson, David Blancard, John Cassini, Jody Wood, Lisa Gay Hamilton, Chris Durand, Tom Kane
(EE.UU, 1998)

Sinopsis:

Langdon, Illinois. 30 de octubre de 1998. La enfermera Marion Chambers, ex-ayudante del Dr. Loomis, regresa a casa después de su jornada de trabajo cuando se da cuenta de que alguien ha entrado en su domicilio y le ha robado los archivos de Michael Myers correspondientes a Laurie Strode. Comunica a dos vecinos adolescentes el incidente al tiempo que avisa a la policía, ante la tardanza del cuerpo de seguridad y tras la inspección de uno de los jóvenes decide finalmente entrar en casa, siendo brutalmente asesinada por Michael Myers, al igual que sus dos vecinos.

Summer Glen, California. Laurie Strode bajo el nombre de Keri Tate vive junto a su hijo, John. Su nueva vida como directora de un instituto de élite, la gran distancia que separa Summer Glen de Haddonfield y el largo tiempo pasado no le hacen olvidar aquella terrorífica noche de 1978. Luchando por acabar con sus temores, su adicción al alcohol y comenzar una vida nueva, tras fingir su propia muerte para huir de su hermano, se prepara para el decimoséptimo cumpleaños de su hijo. La misma edad que Laurie tenía cuando su hermano vino a buscarla.

La noche de Halloween se acerca y John quiere pasarla con sus amigos. Laurie que siempre había impedido a su hijo salir de casa en tan señalada fecha se plantea si es momento de enterrar definitivamente el pasado.

Comentario:

Steve Miner, director de la segunda y tercera entrega de “Viernes 13” volvía a realizar una secuela de una película de terror tras más de veinte años trabajando para la televisión, justo lo que volvería a hacer después de esta película.

“Halloween H20” recupera en parte la esencia (salvando las distancias) del original, más que del original (en realidad un film isla magnífico del cine fantástico con mayúsculas) de su digna continuación. Retomando acertadamente la historia veinte años después de lo ocurrido en la noche de Halloween de 1978 (acontecimientos narrados en la segunda entrega) se efectúa un ejercicio de actualización que si bien se antoja innecesario resulta, cuanto menos, vistoso para los ojos del aficionado.

El enorme éxito que supuso “Scream” (Wes Craven, 1996) propició un resurgir del Slasher a finales de los noventa, justo una década después de que la taquilla se hubiera cansado de él. Buena parte de culpa de ese boom inesperado por los psicópatas enmascarados la tuvo Kevin Williamson, encargado del guión. El libreto jugaba de manera astuta con los códigos y tópicos del subgénero, realizando una relectura desde el respeto sin dejar de lado la parodia. Los homenajes a las películas de la saga “Halloween”, están presentes desde la primera escena (desde la película que va a ver la precoz víctima hasta la resolución de la secuencia, claro homenaje a uno de los primeros asesinatos en “Halloween II”), no en vano el nacimiento de tan singular tipo de cine se produjo oficialmente con “Viernes 13”, obra deudora de la muy superior “La noche de Halloween” que, en mi opinión, transciende el género que se creó a partir de ella.

Era lógico, teniendo en cuenta el amor (financieramente hablando) que el guionista tenía por el género, que se lanzara a la producción junto a los hermanos (caza fortunas) Weinstein y Moustapha Akkad. La intención era recuperar una saga que había caído en el olvido. Además de haber mostrado solvencia en la elaboración del guión de “Scream”, Williamson, era un nombre que podía ser utilizado como reclamo para la taquilla.

Alejándose de la escasa personalidad que había mostrado Myers a partir de la cuarta entrega, el guión firmado por Robert Zappia y Mart Greenberg, recupera el frío y sigiloso psicópata que nos había aterrorizado en las dos primeras películas. La acción comienza fuerte desde el propio prólogo que además de solventar de manera contundente sus escenas con guiños a los primeros “Halloween” y a la propia “Scream” homenajea al gran Dr. Loomis de paso que nos sumerge de lleno en la historia, condensada de manera ágil en los títulos de crédito iniciales, que están aderezados, además, por las notas del inmortal score de Carpenter.

El relato se debate entre la tradición de las dos primeras películas, personificada en los personajes de Strode y Myers y la trama teen protagonizada por el hijo de Laurie, su novia y una pareja amiga. Sin asombrar con un desarrollo original, se respetan escrupulosamente las convenciones (¡a quien se le ocurre practicar sexo la noche de Halloween!) y no se escatima en litros de sangre. La narración es ligera y se sigue con comodidad, en ningún momento la película resulta aburrida e incluso tiene momentos de inspiración (la introducción del ascensor de comida en el Universo Myers, convirtiendo algo cotidiano en un elemento terrible). Incluso la relación de Laurie Strode con un colega, que podría haber optado por la sensiblería fácil, resulta bastante convincente aportando matices al personaje.

Tenemos ya dos de las causas que hacen de “Halloween H20” un producto muy superior, cinematográficamente (nostalgias aparte), a las películas realizadas a partir de la cuarta entrega (sé que soy pesado con la decadente trilogía, pero es necesario), a saber: El hecho de obviar por completo sus nefastas antecesoras directas y un guión capaz de contar una historia fresca respetando a la vez las convenciones del género. El tercer elemento es la recuperación de Jamie Lee Curtis, en el rol de una luchadora Laurie Strode veinte años después de vérselas cara a cara con su hermano.

La disciplina y el proteccionismo a la que somete a su hijo, (interpretado por Josh Harnett antes de convertirse en un sex-symbol de Hollywood) es lógica teniendo en cuenta el historial de bajas familiares. No podemos olvidar tampoco que Laurie Strode era una estudiante ejemplar en el filme de Carpenter, con lo que situarla como directora de un colegio de élite tras dos décadas resulta más que coherente.

Jamie Lee Curtis compone un personaje de una fuerza arrolladora. Una madre, abandonada además por su esposo (adicto a la metadona, para más señas), que es capaz de compaginar un trabajo de gran responsabilidad con la educación de su hijo, sin dejar de luchar, cada día, con los fantasmas del pasado.

El nervio que imprime la actriz llega a su cima cuando su hermano finalmente vuelve a aparecer en su vida. Convertida en una madre coraje harían falta muchos Michael Myers para tocar un pelo a su hijo. Apenas quedan restos de la joven e inocente Laurie que Michael visitó veinte años atrás, el personaje, en su madurez, recuerda antes a Linda Hamilton en la piel de Sarah Connor, con la que compartirá incluso su histerismo y su violencia en la salvaje escena final.

La recuperación de este genial personaje, adecuadamente madurado y exquisitamente interpretado, contrasta con la inevitable pérdida (así es la vida) del Dr. Loomis. Afortunadamente nadie osó a contratar a otro actor para desarrollar el rol que Donald Pleasence desarrolló de manera excelente a lo largo de cinco películas, en las que, a pesar del bajo nivel de alguna de ellas, siempre tuvo un gesto, una frase, para demostrar su valía.

En el resto del elenco destaca Josh Harnett, dando vida al hijo de Laurie Strode. El papel, aunque de entrada pueda parecer de suma importancia, sólo sirve en realidad como contrapunto a la del personaje de la madre que se erige como única protagonista, con el permiso de su hermano, claro. Janet Leigh aparece como empleada del colegio y tiene una breve conversación con Laurie Strode en la que podemos ver al fondo su antiguo vehículo mientras suena la banda sonora de “Psycho”. Un regalo para los cinéfilos. El reparto adolescente no aporta mucho a excepción de un montón de cadáveres, como es norma, y la presencia de Will Brennan como pareja de Laurie Strode no deja de ser un complemento al único personaje que brilla con luz propia.

Sin ser una gran película, “Halloween H20” es un Slasher correcto que sirve para pasar un rato agradable a los nostálgicos de las primeras películas y a los fans del cine de terror adolescente. Eso sí no esperen la incorrección política propia de los años ochenta ni el despelote festivo, la película es hija de su tiempo y mandan los niños pijos y la formalidad.

HALLOWEEN 6. THE CURSE OF MICHAEL MYERS

2009-10-27T18:39:00.000-07:00

“Halloween 6. The Curse of Michael Myers”
Director: Joe Chappelle
Guión: Daniel Farrands
Intérpretes: Donald Pleasence, Paul Rudd, Maianne Hagan, Mitch Ryan, Kim Darby, Bradford English, Keith Bogart, Maiah O’Brien, Leo Geter, J.C. Brandy, Devin Gardner, Susan Swift, George P. Wilbur, Janice Knickrehm, Alan Echeverria, Hildur Ruriks, Sheri Hicks, Tom Proctor, Bryan Morris, Lee Ju Chew, Raquelle Anderson, Kritine Summers, Elyse Donalson, A. Michael Lerner
(EE.UU, 1995)

Seis años después de las últimas tropelías del desdibujado Myers, al que habíamos visto incluso llorar en la infame “Halloween 5”, Moustapha Akkad, vuelve impunemente a producir un producto cuya desvergüenza deja en mera anécdota el desaliñado producido a raíz de la segunda entrega.

“Halloween 6” cierra una de las sagas que forman la irregular franquicia. Enlaza directamente con el psicotrónico origen de la maldad de Myers que comenzaba en la cuarta entrega, continuaba en la quinta y llegaba a la cima del esperpento con la construcción de la gratuita e innecesaria mitología creada en esta película.

Dando por sentado que el que haya llegado hasta aquí y esté dispuesto a leer la reseña está familiarizado con el Universo Myers, ha visto ya todas las películas de la saga e incluso habrá ido leyendo todas las reseñas de las películas anteriores, me permitiré la licencia de destripar completamente (o casi) el argumento de esta entrega en la sinopsis.

Aquellas personas que no hayan visto la película y tengan deseos de verla ruego se lo piensen dos veces antes de sumergirse en este aberrante laberinto de endogámicas pasiones sangrientas. Si quieren ahorrarse el suplicio pueden leer este resumen que es bastante más rápido que desperdiciar hora y media en el visionado de la cinta o, si son tan valientes e inconscientes como un servidor pueden armarse de valor, pasar de esta redundante reseña y ver esta obra maestra no intencionada del peor cine que nunca habían osado imaginar.

Añadir que esto no es un ejercicio de SPOILER gratuito. Sencillamente creo que en el delirio y desfachatez del guión de éste Halloween se encuentra condensado lo peor y lo mejor de la película y de la propia franquicia a partir de la segunda entrega. El culebrón Michael Myers se ha salido tanto de madre que el personaje ha acabado convirtiéndose en una caricatura, un personaje más cercano al papel del cómic que al celuloide.

Toda la genealogía de personajes, desde los Myers hasta los Strode pasando por los amigos y familiares de ambas familias que han sido víctimas de la rabia de Michael, y el cuasi eterno Dr. Loomis como némesis del enmascarado se unen de una u otra manera en esta entrega que pone fin al delirio con una explicación al origen de Michael Myers que ríanse ustedes de los simplones orígenes de Lobezno.

Origen que queda plenamente explicado, bien masticadito, al final de la película y que me reservo, pues considero que eso si que hay que verlo para creerlo. Sólo comentar que consiguen convertir al pobre Myers de lobo a corderito en un abrir y cerrar de ojos, para luego volver a convertirlo en lobo. De todas formas tampoco hay que tomarse muy en serio esta conclusión pues en la siguiente película, “Halloween H20”, la saga vuelve a entroncar con la segunda entrega, desechando, acertadamente, todo lo realizado a partir de la cuarta.

Valorar cualquier aspecto técnico o artístico de la producción me parece absolutamente superfluo teniendo en cuenta que la auténtica fuerza, perdón, la auténtica risa de esta película reside en el asombroso culebrón que rodea la vida (anti)social de Michael Myers. Sin más demora, entremos en materia.

Sinopsis:

30 de octubre de 1995. Jamie, la sobrina de Michel Myers lleva seis años presa de una extraña secta dedicada a la magia negra, desde que su tío escapó de prisión ayudado por un misterioso hombre de negro. Acaba de dar a luz a un niño y ayudada por otra secuestrada consigue escapar. El líder del grupo ocultista envía a un esbirro tras sus pasos que resulta ser… ¡Michael Myers!

Haddonfield se prepara para Halloween. En la antigua casa que Myers gusta visitar en tan señalada noche viven Kara y su hijo Danny, miembros de la familia Strode, junto a sus padres. En la casa de enfrente un joven está obsesionado con la figura de Myers. Se trata de Tommy Doyle, el niño que Laurie Strode cuidó aquella terrorífica noche de 1978.

La figura de Myers se ha hecho tan famosa que un programa nocturno de una radio local le dedica su emisión. El Dr. Loomis, ya retirado, se encuentra a la escucha, así como Kate y Tommy (se ve que la noche en Haddonfield no es muy animada si Myers no anda suelto), cuando Jamie, resguardada en la estación de autobuses llama histérica al programa pidiendo auxilio. La pobre sobrinita no conseguirá su objetivo y acabará trinchada por una afilada máquina en un cobertizo con la inestimable ayuda de su tío. Sin embargo su llamada sirve para poner en alerta al intrépido Loomis, que unido a su amigo, el Dr. Wynn, intentará una vez más asesinar al psicópata. Sobre todo después de que Tommy quien encontró al bebé de Jamie con vida antes de que lo hiciera el psicópata le ponga en alerta.

Paralelamente, Danny, que es sólo un niño comienza a tener visiones en las que (el más que cargante) hombre de negro le arenga para que comience a matar a la gente.

Noche del 31 de octubre. El popular locutor radiofónico se presenta en Haddonfield y pretende grabar su programa en la antigua casa de Myers, dónde ahora viven los Strode, que previamente han sido liquidados por el psicópata. El reguero de asesinatos comienza en la desesperada ansia de Myers por recuperar el bebé. Cuando por fin Kate, Danny, Loomis y Tommy consiguen ponerse a salvo los miembros de la secta les descubren arrebatándoles nuevamente el bebé, pieza crucial para sus oscuros planes. Michael Myers como supondrán no se estará quieto y será el protagonista del rocambolesco desenlace.

Pues bien, más o menos éste es el resumen de lo acontecido en este nuevo asalto de The Shape a las pantallas. El responsable de esta cima de la indecencia es Joe Chapelle, quien después dirigiría “Hellraiser: Bloodline” y desde el año 2002 viene produciendo y dirigiendo capitulos para la serie “C.S.I. Miami”.

La necesidad de buscar un origen al mal innato en Myers es la principal causa que hace naufragar la saga desde su segunda entrega. En un intento del más difícil todavía, ésta última parte del peculiar desafiado cae en el ridículo más absoluto al mezclar magia negra, ritos celtas, ciencia y una trama conspiratoria para explicar el origen del personaje de Myers. El desinterés por la trama sobrevuela toda la película en una cinta, por otra parte, rodada con bastante desgana.

Únicamente la presencia de Donald Pleasence en la última encarnación del Dr. Loomis (moriría poco después de finalizado el rodaje), quien respira un aire crepuscular propio del escepticismo que ha ido creciendo tras años de lucha contra Michael Myers, justifica el visionado de esta entrega en la que los niveles de aburrimiento, truculencia barata y el tramposo guión erigen esta obra como la peor, se dice pronto, en la filmografía de “Halloween”.

Nada que rescatar en el resto del plano reparto, ni siquiera se nos obsequia con aquellos gratificantes desnudos tan recurrentes en los ochenta. Los mojigatos noventa hacían aparición en la saga, al igual que en su, aún más, encorsetada sucesora… Aunque eso ya es otra historia.

Pregunta de examen ¿De quién es el hijo de Jamie?. ¡Hagan sus apuestas!

CARRIERS (INFECTADOS)

2009-10-26T15:02:00.000-07:00

“Carriers”
Directores: Álex Pastor, David Pastor
Guión: Álex Pastor, David Pastor
Intérpretes: Chris Pine, Piper Perabo, Lou Taylor Pucci, Emily VanCamp, Christopher Meloni, Dylan Kenin, Dale Malley
(EE.UU, 2009)

Sinopsis:

Cuatro jóvenes conducen por las inmensas y desiertas carreteras del Oeste americano en lo que parece un viaje de fin de semana, hasta que un individuo con el coche atravesado en mitad de la carretera les impide pasar y les pide gasolina. Su hija, en el interior del vehículo, está infectada de un virus que ha acabado prácticamente con toda la población. Los jóvenes, aún sanos, se muestran reticentes y esquivan el vehículo hasta que la rotura de su depósito les hace dar marcha atrás. Llegan a un acuerdo por el que, a cambio del coche, deberán acompañar al hombre y su hija hasta un hospital donde, según dicen, han encontrado remedio a la enfermedad. Los jóvenes pretenden llegar a un motel situado en una playa del Golfo de México, dónde creen que podrán mantenerse aislados hasta que se acabe la infección o la gente.

Debut en el largometraje de los hermanos catalanes Álex y David Pastor bajo una producción Paramount Vantage. Meteórica carrera la que llevan estos cortometrajistas. El debut de Álex en el corto lo supuso su proyecto para fin de carrera en la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya), titulado “Larutanatural”. El trabajo le valió para hacerse con el galardón a mejor corto internacional en Sundance y ser nominado a los Goya. Su hermano, David, había dirigido el cortometraje “Movie (theatre) heroe” por el que logró el Coca Cola refreshing filmmaker´s award..

“Infectados” escoge coherentemente la road movie (¿que haríamos nosotros ante una pandemia que ha asolado a toda la población más que huir en busca del lugar más seguro?) para narrar el drama personal de sus personajes protagonistas. Dos hermanos, Brian y Danny, que recuerdan sus días de infancia felices en una playa del Golfo de México dónde solían surfear todo el día y adonde quieren ir ahora en busca de seguridad. El complemento lo ponen Bobby, la novia de Brian, contrapunto emocional de éste, y Kate, amiga de Danny que utiliza al joven para conseguir sus objetivos a sabiendas de que está prendado por ella.

Estos personajes, aún respondiendo a unas características típicas del cine de terror adolescente (la relación entre el hermano mayor, dominante-impulsivo, y el menor, retraído-cerebral, ha sido representada por el cine más comercial en producciones tan recientes como “Aullidos”. Nick Mastandrea, 2006), se encuentran bien definidos y tienen cosas interesantes que decirse huyendo del estereotipo puro y duro. Los realizadores, también responsables del guión, juegan sabiamente con el carácter de los personajes haciéndolos evolucionar a medida que avanza la historia, enfrentándolos cada vez a nuevas y más complicadas dificultades. Muy gratificante es como se resuelven las inevitables infecciones que se irán produciendo dentro del grupo, huyendo de la clásica destrucción a la que nos tiene acostumbrados el cine de zombies.

La sociedad apocalíptica que se describe, o más bien se intuye, en la película ha sido representada en incontables ocasiones tanto en cine como en literatura, a la memoria nos pueden venir clásicos como “El último hombre vivo”, “El último hombre sobre la tierra”, (ambos films basados en la novela “Soy leyenda”); la saga “Mad Max”; o títulos más recientes como “28 días después” o la película de inminente estreno “La carretera”, basada en el relato homónimo de Corman McCarhty.

Todos estos títulos tienen en común la permanente sensación de peligro que nos transmite un planeta que antes nos parecía tan seguro. Los lugares antaño tan familiares se tornan en espacios despersonalizados y amenazantes. Esta sensación de habitar en mitad del caos, en un mundo que ya no se rige por leyes, únicamente por la única que la naturaleza impone: la ley del más fuerte, está presente en la película en contados pero intensos momentos.

Al comienzo del filme, cuando Frank pide gasolina con su vehículo atravesado en mitad de la carretera nos damos cuenta, a través de los rostros de pánico de los cuatro jóvenes, del inseguro lugar en el que se ha convertido su mundo. La máxima sensación de pánico la experimentamos en el episodio en que los jóvenes encuentran un lugar seguro en un hotel de lujo hasta que sus propietarios llegan y están a punto de hacer con ellos algo similar a lo que ocurría en “28 días después” cuando los protagonistas acuden a la fortificación militar. Un guión inteligente que bordea pero evita los lugares comunes resolverá la situación de manera bien diferente.

Los instintos primarios afloran sacando lo peor de cada individuo (estremecedora secuencia en la que se produce un tiroteo en mitad de la noche mientras Danny y Kate están sentados al calor del fuego. Mucha atención al detalle xenófobo). De esta manera la espiral de horror y violencia va creciendo a medida que la situación del grupo vaya empeorando (lógica pérdida de combustible, cansancio, hambre, infecciones), así como los inevitables reproches personales, como consecuencia del desgaste que producen los días de viaje juntos. Derivando todo en un tercio final de película demoledor, sin concesiones, absolutamente realista. Los personajes dejan a un lado sus caretas sociales mostrándose tal y como son. El grado de crudeza de sus actos va en consonancia con la sociedad que les ha tocado vivir. La honestidad de los realizadores no podría ser mayor en el tratamiento de la violencia, nada es gratuito, todo es absolutamente coherente, e incluso, necesario, en su descarnado contexto.

La inmensidad de los territorios por los que, geográficamente, transita la historia, hace indispensable la utilización de panorámicas para sacar partido a esos paisajes del Oeste americano tan característicos del Western. Sin llegar al preciosismo de películas como (“Las colinas tienen ojos”. Alexander Aja, 2006), Álex y David Pastor escogen los encuadres necesarios para transmitir la naturaleza de ese inabarcable paisaje convertido en un protagonista más. La correcta fotografía sabe escoger un tono realista, huyendo de la luminosidad tan en boga actualmente, dándole al filme un acertado tono cercano al documental.

En la línea general de la cinta, que huye del efectismo, la labor del maquillaje contribuye a ese aspecto realista de la producción. Las consecuencias de la infección no caen en la exageración ni buscan la repulsión en el espectador, todo está contenido, como ese magnífico final abierto que sin artificio alguno nos deja esa sensación de incertidumbre, de vacío.

Uno de los grandes aciertos de la cinta, que la convierte, al menos, en algo diferente, es no entrar en explicaciones sobre el posible origen de la infección, ni siquiera mostrar las terribles consecuencias a gran escala, sencillamente centrarse modestamente en la historia personal de unos pocos personajes. A través de su particular viaje el espectador se hará una idea de la magnitud de la catástrofe con la única compañía de alguna solitaria emisora de radio local en la que cada canción podría ser la última.

Ese intimismo convierte a “Carriers” en una película diferente. Sin llegar a tener una personalidad tan marcada para considerarla una obra de autor, parte de una bases genéricas para transitar lugares más cercanos al drama que al cine de terror adolescente. Triunfando como una propuesta sólida no carente de originalidad en el saturado panorama del subgénero post-apocalítico.

HALLOWEEN 5. THE REVENGE OF MICHAEL MYERS

2009-10-22T04:42:00.000-07:00

“Halloween 5: The Revenge of Michael Myers”
Director: Dominique Othenin-Girard
Guión: Michael Jacobs, Dominique Othenin-Girard, Shem Bitteman
Intérpretes:Donald Pleasence, Ellie Cornell, Beau Starr, Dton, Danielle Harris, Karen Alston, Betty Carvalho, Wendy Kaplan, Jeffrey Landman, Mathew Walker, Don Shanks, Fenton Quinn, Troy Evans, Patrick White, Angela Montoya, Jack Noth, Russ McGinn, Jon Richard Platten, Jay Bernard

Sinopsis:

Haddonfield. Noche de Halloween de 1988. La acción comienza poco antes del final de “Halloween 4”. Myers es ametrallado por la policía hasta que cae en una mina que es dinamitada, pero el psicópata consigue escapar hasta un río, sin ser visto, hasta llegar a la casa de un ermitaño que vive cerca del lugar. El hombre lo recibe sin sorprenderse demasiado. Myers cae en coma.

Haddonfield. Halloween. 1989. Jaime, la sobrina de Myers que apuñaló a su hermanastra, Rachel, en la conclusión de la anterior entrega está interna en un sanatorio mental. Paralelamente, Michael despierta de su coma, mata al ermitaño y comienza a buscar a Jamie para asesinarla. El Dr. Loomis es el único capaz de impedir que Myers acabe con la vida de su sobrina. El asesino anda suelto y un extraño hombre de negro sigue sus pasos.

Moustapha Akkad volvía un año después con una nueva entrega de su franquicia dejando esta vez la realización en manos del director suizo Dominique Otherin-Girard, cuya obra, salvo este “Halloween 5” y la tv movie “The Omen IV. The awakening”, desarrolló íntegramente en Europa.

Como muestra la sinopsis, las cotas de delirio de la saga comienzan a alcanzar niveles preocupantes que alcanzarán su clímax en la psicotrónica sexta entrega. El comienzo, al más puro estilo survival, es una buena muestra de la aventura sin complejos que nos espera. La forma en que el psicópata consigue escapar de la mina una fracción de segundo antes de la explosión, al más puro estilo John Rambo resulta, cuanto menos, cómica. Pero menos creíble aún es cuando Myers arriba a casa del ermitaño, emulando a Frankenstein, para caer acto seguido en coma ante la compasiva mirada del buen samaritano.

Estos primeros minutos que podrían catalogarse como fallidos si evaluamos el producto como un filme de terror resultan en realidad de lo más divertido teniendo en cuenta que nos encontramos más ante una película de aventuras. Las forzadas continuaciones de la saga con insostenibles hilos argumentales han hecho que el personaje pasara de ser la encarnación del mal a una mascota que entretiene al público. El espectador tipo del filme no llega por casualidad a “Halloween 5”, conoce las anteriores películas y ha disfrutado con ellas. El slasher cultivado en la segunda y cuarta entrega se abandona en esta ocasión. Este filme se acerca más al cómic de terror adolescente, totalmente desprejuiciado.

La seriedad argumental nunca ha sido una virtud de la franquicia pero aquí llegamos a límites que son incluso sorprendentes dentro de la saga. La sobrina del psicópata, Jaime, que recordemos había apuñalado a su hermanastra, se encuentra interna en un sanatorio mental, hasta ahí bien. Pero, ¿adivinan quien viene a visitarla?...¡su hermanastra, Rachel! ¡pero si la había apuñalado en la película anterior!. Pues bien, además de no tener ni una marca de las puñaladas (hay escena de ducha, señores), sigue siendo tan amiga de su hermana adoptiva, ¡como si tal cosa!.

El Dr. Loomis parece tener las cosas más claras y no se fía de la endemoniada criatura a la que trata con severidad en sus esporádicos accesos que la conectan mentalmente con su tío. El personaje que interpreta nuevamente con oficio Donald Pleasence está más cerca que nunca de la locura fruto de su infatigable cruzada contra Myers. Esta obsesión del Dr. con el asesino de Haddonfield nos proporcionará hacia el final de la película uno de los momentos más bizarros de la saga, cuando Loomis intenta razonar con su ex-paciente haciéndole ver que su rabia no desaparecerá por matar a su sobrina. Creo que todos se pueden imaginar la reacción de Myers.

Aunque si realmente hay que premiar una escena como la más bizarra, imprevisible o directamente sin sentido es la que cierra la película, que prefiero no desvelar (se mencionará en la sinopsis de “Haloween 6”, pues la acción de esta entrega parte del final de la anterior) por si alguien por ahí aún no la ha visto y tiene intenciones de hacerlo. Recomiendo verlo para creerlo. Lo único que diré es que resulta magnífica por su caradura, no busquen explicaciones lógicas que no las hay. Estamos ante un final del tipo “Porque me sale de los cojones”. Al cachondo de Ed Wood Jr. se le concedió el cetro de peor director de la historia del cine por acabar una película con una explosión por exigencias del productor, entre otras cosas, pero nadie se acuerda del gran Dominique Othenin-Girard y su inquietante final de “Halloween 5”... ¡injusticias del cine fantástico!.

Entre el principio y el desenlace de las películas suelen ocurrir cosas, normalmente a esa parte intermedia se la conoce con el nombre de nudo o desarrollo. Teniendo en cuenta que estamos ante una entrega de Halloween lo único que ocurre, como todos supondrán, es que el plantel de personajillos de turno van siendo asesinados por Michael Myers mientras el Dr. Loomis le busca y trama un plan para frenarle.

El grupo de descerebrados con los que el terror de Haddolnfield se dará el festín en esta ocasión lo forman el grupo de amigos de Rachel. Además de ella, a la que nuevamente da vida Ellie Cornell, nos encontramos con Tina, la amiga cañera, aficionada a los chicos malos y a las fiestas, (ya sabemos que no tiene mucho futuro en esta historia); su novio Mikey, el duro del pueblo, siempre con su descapotable resplandeciente y su inseparable chupa de cuero (en una escena el pobre Jonathan Chapin, actor que encarna el personaje está chorreando de sudor debido al calor que debía de producirle la prenda); y una pareja amiga: Samantha y Spitz. Los jóvenes enamorados nos proporcionarán la indispensable escena calentorra en un pajar. La inexperta joven debió esperar a que pasara Halloween para estrenarse, pues andando por ahí suelto Tito Myers las probabilidades de fornicar sin acabar atravesado por algún acero son absolutamente nulas. La bellísima Tamara Glynn da vida a la desafortunada Samantha que adereza sus encantos con lencería roja en una noche la que su sangre no será la única en ser derramada.

La sangre, precisamente, es uno de los alicientes de esta película. Tras los asépticos asesinatos del filme anterior Myers vuelve a sacar la mala leche y la imaginación que lleva dentro para ensañarse de manera gratuita y con refinado gusto con los incautos adolescentes. Tira de tridente o de lo que haga falta para trinchar a sus víctimas y continúa dando lecciones de conducción al personal. Espectacular la escena en la que persigue a Jamie por el bosque ¡en coche! La cámara situada en el interior del vehículo sitúa al espectador en primera persona como si estuviera jugando a un Need for Speed en que el objetivo fuera atropellar personas.

Por lo demás la película bordea el delirio en todo momento, especialmente con las apariciones de ese misterioso personaje vestido de negro. Aunque la matanza adolescente continúa estando presente aportando puntuales momentos de slasher, la historia se decanta, cada vez más, hacia el culebrón Myers-Loomis llegando al paroxismo en esa vergonzosa escena en la que el Dr. cree que Michael va a entrar en razón. El amago de humanización del personaje cuando Jamie habla con él (de nuevo Frankenstein) da pie a una intensa persecución por la vieja casa abandonada de Myers que se convierte en lo más destacado de la película. Lástima que todo se lastre con esa forzada escena adicional.

REC 2

2009-10-20T01:38:00.000-07:00

“Rec 2”
Directores: Jaume Balagueró, Paco Plaza.
Guión: Jaume Balagueró, Manu Díez
Intérpretes: Manuela Velasco, Jonatha Mellor, Alejandro Casaseca, Óscar Zafra, Pau Roch, Pep Molina, Juli Fábregas, Carlos Olalla, Álex Batllori, Raul Moya Juarez, Ferran Terraza, Javier Botet, Pablo Rosso, Andrea Ros, David Vert, Ariel Casas, Martha Carbonell, Ana Isabel Velásquez, Nico Braixas.
(España, 2009)

Sinopsis:

Un grupo de GEOS, acompañados por un inspector de sanidad, se introduce en el bloque de edificios del Eixample dónde unos minutos antes habíamos visto por última vez a la reportera Ángela Vidal. La alarma les había avisado de una infección pero una vez en el interior del inmueble se darán cuenta de que les habían engañado. El edificio se encuentra sellado, nadie puede entrar pero tampoco salir. Tan sólo la erradicación de la supuesta infección les permitirá salir de allí.

Hace dos años que “Rec”, obra conjunta de dos de los directores españoles más reconocidos en el terreno fantástico, sorprendía a medio mundo con su arriesgada propuesta visual que nos sumergía de lleno en el terror. Además de la dinámica utilización de la cámara al hombro, su esquemático argumento era una base idónea para introducir al espectador en una desquiciante subida a los infiernos. Lo que en principio era un documental para un programa local sobre la cotidianidad del día a día en el parque de bomberos se convertiría en un auténtico infierno cuando una alarma avisaba de un incidente en el interior de un edifico del Eixample barcelonés. La cámara de televisión era el imperturbable testigo que nos iba narrando el estupor que la reportera Ángela Vidal, el equipo de bomberos y una comunidad entera de vecinos experimentaban ante cada nueva atrocidad que contemplaban. Una extraña infección de origen desconocido transformaba a los contagiados en lo que parecían zombies sedientos de sangre.

El horror iba en aumento ante cada nuevo episodio de locura. Un edificio sellado en el que las bajas humanas se iban sucediendo y el ejército de infectados continuaba creciendo. El descubrimiento del ático plagado de recortes de periódico que hablaban de una tal niñas Medeiros y de investigaciones del Vaticano ponía la truculencia necesaria para transformar la trama de acción sangrienta en un oscuro e inquietante relato de ocultismo. La aparición del pútrido personaje en la última escena y la desaparición de Ángela en la oscuridad sería uno de los momentos más altos del fantástico en los últimos años.

“Rec” se convirtió en un auténtico fenómeno de masas con todo merecimiento, sus responsables supieron aprovechar un recurso ya utilizado en el cine de terror (“Holocausto Canibal”, “El Proyecto de la Bruja Blair”, “My litlle eye”), la cámara al hombro que uno de los personajes porta, narrando con nervio una refrescante historia de terror. El éxito de taquilla en España fue inmediato, en EE.UU. gozaría de una digna exhibición que le permitiría arrancar otro pellizco a la taquilla norteamericana además de vender los derechos para el remake americano, “Quarantine”.

Numerosos foros de internet se hacían preguntas y elaboraban teorías sobre la niña Medeiros, querían saber más. La película mostraba toda aquella imaginería esotérica sin dar explicación del oscuro secreto que encerraba el ático, el espectador tenía la misma información que los personajes. No podía quedar ahí, el público, o al menos un gran número de aficionados, quería saber más. Sus directores, al tanto de la expectación que habían despertado sus pinceladas sobre el origen de la infección, escucharon las reclamaciones del famdom (y las de sus bolsillos, claro) y decidieron llevar a cabo una secuela en la que se indagara sobre el popular personaje de la niña Medeiros.

Apostando por la misma estética de su predecesora pero añadiendo, a su vez, nuevas perspectivas a través de las cámaras que llevan los policías en sus cascos y la handycam de un trío de adolescentes los directores abandonan la sorpresa, imposible de mantener tras el shock que supuso el original, para agudizar las dosis de truculencia en un viaje por derroteros fantásticos más tradicionales (posesión demoníaca, realidades paralelas).

El comienzo de “Rec 2” crea grandes expectativas, con ese recurso que tan sabiamente utilizaba el maestro Alfred Hichtcock, en el que el espectador sabe el terrible peligro que corren los protagonistas (todos los que hayan visto “Rec” saben lo que ocurre en el interior del bloque y la suerte que espera a toda persona que se adentre), lo que facilita la sensación de angustia e inquietud nada más comenzado el relato sin dar un momento de tregua, ni siquiera para presentar a los personajes. Quizá sea mejor así, para que encariñarse con ellos si tarde o temprano les van a dar pasaporte de manera cruenta y/o expeditiva, según las necesidades narrativas. No tenemos más que echar un ojo a las filmografías de los responsables para descubrir los finales apocalípticos de los que gusta Jaume Balagueró y, en menor medida, su colega Paco Plaza.

Tras endulzarnos con ese delicioso caramelo envenenado que supone el punto de partida, sobre todo tras desvelar una de las principales sorpresas de esta secuela WARNING SPOILER!! (el supuesto inspector de sanidad que entra en el inmueble junto con el equipo de policías es en realidad un sacerdote enviado por el Vaticano para conseguir una muestra de sangre de la niña Medeiros que permita acabar con la infección!!), la película comienza a perder intensidad. La causa fundamental del desinterés en el que poco a poco va cayendo el relato está, a mi modo de ver, en la base. El guión, reducido prácticamente a su nimio argumento, funcionaba perfectamente en la primera película porque para el espectador todo era nuevo. Nadie sabía lo que ocurría en aquel edificio: el origen de la infección, lo que sucedería a los personajes, que oscuro peligro acechaba tras cada puerta, como iban a plasmar los directores cada ataque de los infectados. La sensación de vértigo era constante, estábamos en un tren del terror del que no podíamos ni queríamos bajarnos, por muy mal que lo estuviéramos pasando. La accidentada grabación de la única cámara a través de la que vivíamos en primera persona la historia manipulaba nuestras emociones, nos hacía pasar miedo.

Como en cualquier atracción de feria la emoción del primer viaje, del primer descenso al vacío, es inigualable. La segunda vez ya nada parece igual, agotada nuestra capacidad de sorpresa nos bajamos, una vez finalizado el viaje, pensando que quizá no deberíamos haber subido. Algo parecido pasa cuando sales del cine tras ver “Rec 2”, no hay nada que nos transmita ese vértigo, esa sensación de miedo a lo desconocido, al abismo. La historia de la niña Medeiros no aumenta nuestro temor a través de una excesiva explicación de su origen, esa que tanto gustan las peores producciones usamericanas, todo lo contrario. Los apuntes de la primera parte, a través de la ambientación del macabro ático eran mucho más efectivas.

Era obvio, por otra parte, la dificultad que tenía volver a asustar a través de las apariciones de los infectados. De ahí la apuesta por el origen sobrenatural del virus que asedia el edificio. Tomando como claro referente dos títulos tan señalados como “The Exorcist” de William Friedkin y “Night of the living dead” de George A. Romero, el filme intenta introducir mayor truculencia a través del origen diabólico del mal que asola el edificio. La influencia de los clásicos mencionados va más allá de lo puramente temático, (de la obra de Friedkin se copia hasta el lenguaje blasfemo), plasmando esa naturaleza cínica tan característica del cine de los setenta. No obstante el resultado final de la obra se encuentra muy lejos de la crudeza de los originales en los que se apoya. A pesar de contener alguna que otra escena en la que se llega hasta el límite de lo políticamente correcto (aunque sea en fuera de plano) nunca se supera esa barrera que en su día rompieron otros títulos del fantástico español como “¿Quién puede matar a un niño?” del inigualable Narciso Ibañez Serrador.

El problema de tomar prestados títulos rodados entre los años sesenta y los ochenta (el homenaje a “La Cosa” de Carpenter en la toma de las muestras de sangre) es que la industria del cine fantástico actual está en pañales al lado de sus ilustres antepasados. La amoralidad mostrada en los cines durante la década de los setenta es impensable de presenciar hoy día. Estamos en la dictadura de lo políticamente correcto, dentro de la ficción, claro. Pero los aficionados al fantástico hemos disfrutado y seguimos disfrutando (a través de las nuevas tecnologías digitales) aquellas obras que mostraban sin tabúes, algunas veces por pura necesidad, otras buscando simplemente escandalizar, todo tipo de atrocidades en pantalla. Lógicamente la película de Plaza y Balagueró poco sobresalto o temor nos puede provocar, quizá lo haga a los espectador más jóvenes o menos curtidos pero al aficionado lo único que puede provocar, en el mejor de los casos, es una leve sonrisa.

Lo que ya no provoca tanta gracia es la baja calidad del guión a pesar de que sea un mero vehículo para conducir en la sorpresa final. Los personajes del primer “Rec” estaban bien construidos, el espectador podía identificarse con ellos e interactuaban correctamente. En la secuela ningún personaje, salvo quizá el histriónico sacerdote que parece sacado de un cómic de la E.C., tiene una personalidad definida. Especialmente preocupante es el grupo de adolescentes que atropellan sus frases en un capítulo que resta ritmo a la historia con el único pretexto de introducir una nueva cámara que sirva como testigo. Sin culpar a los actores, con ese guión y esos diálogos poco podían hacer, el nivel interpretativo es, en general, prácticamente nulo. Sorprende especialmente Manuela Velasco cuya brillante interpretación de la reportera Ángela Vidal era uno de los puntos fuertes de la primera entrega y que aquí está muy poco creíble en su aparición en el giro final (que recuerda bastante a “Fallen”de Gregory Hoblit).

Desconcertante es también ese extraño aire humorístico, no sé si intencionado, que recorre la película por momentos (la escena con el tocadiscos reproduciendo “Suspiros de España” es de lo más bizarre) que impide tomarse la película demasiado en serio, a pesar de que la presencia de la niña Medeiros con ese acertado recurso de visión a través del nightshot de la cámara nos congele la sonrisa los momentos en los que aparece. Justo es reconocer que hay otros momentos de risa histérica, en los primeros compases, que cumplen perfectamente su cometido (el policía argentino riéndose, negándose a aceptar la evidencia del origen sobrenatural del peligro).

Lo mejor es tomarse la película con espíritu lúdico, olvidándonos del miedo que nos provocaba el tren de la bruja cuando éramos niños y disfrutando de una sesión divertida de Grand Guiñol a través de una historia sin pretensiones. Después de todo, ¿cuando hemos podido ver una secuela de una película fantástica española de éxito? No lo estropeemos y demos otra oportunidad a Balagueró y Plaza. El final deja inequívocamente abierta la puerta para la tercera entrega. Quizá en la próxima ocasión retomemos los miedos de antaño.

HALLOWEEN 4: THE RETURN OF MICHAEL MYERS

2009-10-15T04:09:00.000-07:00

“Halloween 4: The Return of Michael Myers”
Director: Dwight H. Little
Guión: Danny Lipsius, Larry Rattner, Benjamin Ruffner, Alan B. Mc Elroy
Intérpretes: Donald Pleasence, Ellie Cornell, Danielle Harris, George P. Wilbur, Michael Pataki, Beau Starr, Kathleen Kinmont, Sasha Jenson, Gene Ross, Carmen Filpi, Raymond O'Connor, Jeff Olson, Karen Alston, Nancy Borgenicht, David Jensen, Jordan Bradley, Richy Cumba, Rand Kennedy
(EE.UU, 1988)

Sinopsis:

Haddonfield, 30 de octubre de 1988. Ha pasado una década desde la célebre noche de Halloween en la que Michael Myers sembró el pánico dejando como saldo dieciséis cadáveres. Ahora se encuentra interno en el Smith's Grove Sanitarium bajo el cuidado del Dr. Hoffman. Dos enfermeros vienen a trasladarlo al hospital estatal pero en el trayecto Myers los asesina escapando de la ambulancia. Su objetivo es encontrar y matar a Jamie, la hija de Laurie Strode, única integrante que queda con vida de la familia Myers. Su familia adoptiva, los Carruthers, pasarán fuera la noche de Halloween y la pequeña queda al cargo de su hermanastra Rachel. El Dr. Loomis al descubrir la fuga de Myers acudirá al Sheriff de Haddonfield para alertarle del peligro al que se enfrentan, organizando una búsqueda a la que se une una patrulla de vecinos. El terror volverá en esta señalada fecha a la pequeña población de Illinois.

John Carpenter se desliga definitivamente de la franquicia en esta entrega. Acertada decisión la del director de “La cosa”, pues la vuelta argumental a las sangrientas aventuras de Myers acaba por destrozar por completo la reputación del personaje. Dwight H. Little (conocido por dirigir episodios para series tan conocidas como “24”, “Bones”, o “Prison Break”, tiene pendiente el estreno de la adaptación del videojuego “Tekken” a la gran pantalla) , director del enjendro, entrega al espectador un producto despersonalizado, carente de intensidad, de emoción, e incluso, de sangre.

Myers se convierte en una caricatura de si mismo. Si en la segunda entrega el mal absoluto es convertido en un vulgar pero temible psicópata más o menos retorcido y/o sádico, en esta cuarta aventura aquel niño diabólico que nos heló la sangre parece no llegar en forma a la treintena a juzgar por sus torpes apariciones, a pesar de que éstas sean en forma de pesadilla (¿Indigestión de Nightmare on Elm Street de sus responsables?) o al otro lado del espejo (¡Qué alguien me explique la secuencia de los almacenes!) emulando a la Alicia de Lewis Carrol.

Lo cierto es que el personaje pasa de ser un icono del cine fantástico en su sentido más amplio a una máscara tras la que se esconde un entramado comercial. Myers es la gallina de los huevos de oro para sus productores (sobretodo después del fracaso en taquilla de “Halloween III”). El paso definitivo de una película independiente de terror a una franquicia. La calidad de la obra es tan ínfima y está tan falta de imaginación que comienza a confundirse con la saga de “Viernes 13” (el final es un calco de la cuarta entrega de la misma) Es curioso como una secuela de una película tan original, auténtica, como “La noche de Halloween”, inspiradora de innumerables slashers acabe plagiando ideas de otras sagas muy inferiores.

Es el resultado de la explotación pura y dura, la consecuencia lógica de no tener a nadie tras las cámaras que se tome en serio el trabajo ni sienta auténtica pasión por el género. En días anteriores en los comentarios del post sobre “Halloween II”, Azirafel y GeckoBrother, apuntaban que las escenas más sangrientas (culpables en gran medida de que la película no fuera un absoluto fracaso artístico) habían sido rodadas por el propio Carpenter. La tercera parte estaba dirigida por un buen amigo y colega suyo, Tommy Lee Wallace, (de sobra conocido por los aficionados, un director cuyos trabajos suelen ser, al menos, dignos) y se apoyaba en una historia original escrita por él (Wallace). La presencia del master of horror impendía de una u otra forma que las películas de la saga Halloween se hundieran en el fango de la mediocridad más absoluta. En “Halloween 4” simplemente se utiliza el famoso score creado para la película original, siendo así la música lo mejor del largometraje, quedando el resto de la producción desnuda de talento.

Si se puede rescatar algo de la labor del realizador sería la interesante utilización del scope en algunas secuencias, llegando a recordar al original. El espacio es concebido, en un reducido número de escenarios, como un lugar espectral. La secuencia de la gasolinera en la que el Dr. Loomis se encuentra cara a cara con Myers está cargada de poética de Western (el caza recompensas persigue obstinadamente al forajido al que sabe superior, éste juega burlón con su supuesto captor) remarcada sabiamente por los amplios encuadres que aumentan la intensidad, el buen gusto en la elección de los planos y la creación de espacios oníricos vuelve a demostrarse hacia el final de la película en la escuela y, antes, en la casa del Sheriff dónde éste, ayudado por Loomis, intenta tender una emboscada a Myers (de nuevo el omnipresente género usamericano por excelencia), cada rincón de la vivienda representa una amenaza, el uso de la cámara subjetiva crea la necesaria sensación de peligro. A pesar de la acertada utilización de las cámaras y de la correcta creación de tensión a través de la extrañeza e irrealidad de las imágenes creadas, las secuencias son resueltas de manera fácil en el mejor de los casos (con la aparición de Myers en primer término en la casa del Sheriff) e incluso grotesca en alguna ocasión (la resolución de la interesante secuencia de la gasolinera con una explosión gratuita y, ¡con Michael conduciendo una furgoneta!)

Escasas son, por tanto, la virtudes con las que el filme cuenta en su haber. El debe, al contrario, se encuentra rebosante. Todo en la cinta es gratuito, desde la obligada dosis mamaria cortesía en esta entrega de la neumática Kathleen Kinmont (estupenda actriz cuyos mayores logros son participar en un episodio de “Baywatch” junto al gran David Hasselhoff y en treinta y cuatro capítulos de “Renegade”, junto a my idol Lorenzo Lamas. Hay que reconocer a Little que fue él quien mejor aprovechó sus virtudes) hasta la repetitiva siembra de cadáveres del psicópata (¿a que viene que se cargue a ese pobre mecánico que sólo hace su trabajo, se encuentra a kilómetros de Haddonfield y no tiene nada que ver con su maldita familia?, ¿no hubiera sido más fácil robarle el vehículo sin más? El tipo se encontraba revisando los bajos de otro auto y ni siquiera se hubiera enterado)

Incluso el propio Dr. Loomis parece cansado de correr detrás de Myers. Lo de que aparezca con la cara quemada (buscando la coherencia dentro de la incoherencia tras el final de “Halloween 2”) no deja de resultar gracioso si le damos la segunda lectura, el hombre cojea, ya no está para perseguir asesinos sueltos, (Michael Myers es mucho más joven. Además, cuenta con la ventaja de su cada vez menos dudosa inmortalidad) tampoco para convencer a policías palurdos descreídos, apenas suelta frases lapidarias y cuando lo hace es con desgana, la misma que, inevitablemente, transmite Donald Pleasence en su interpretación.

Con el personaje interpretado por Jamie Lee Curtis (Laurie Strode) fuera de juego con un recurso fácil (muere en accidente de tráfico junto a su marido dejando huérfana a su hija, Jamie) que se tornará en vergonzosa trampa de guión en “Halloween H20”, el viejo Loomis es el único, en principio, capaz de pararle los pies a Myers, como si se tratara del cínico y resabiado héroe de un Western crepuscular. A pesar de encontrarse en horas bajas continúa siendo el personaje más interesante de la historia muy por encima de la triste presencia del psicópata, ya sin ninguna identidad.

Ni siquiera la presencia de la joven Danielle Harris (recuperada por Rob Zombie para “Halloween II: H2”) interpretando a la sobrinita del perturbado Michael, con ese delirante giro final, consigue superar la discreción interpretativa. El resto del elenco interpretativo son carne de matarife, ni siquiera el realizador se toma la molestia de despacharlos con un poco de regusto sádico. Myers emula a los caníbales de Hooper (con mucha menos gracia y fuera de plano) para acabar con el mecánico colgándolo de un gancho (quizá le cayera simpático). El resto de personajes, en especial la pareja formada por Kelly (que borda el rol de zorrón) y Brady (guaperas de marras que también tontea con Rachel en un estúpido triángulo de adolescentes atolondrados), cuyo coito es interrumpido por el acecho del psicópata, son despachados con desidia por el líder de la brigada antisexo que comienza a cansarse de que lo maten (es una forma de hablar) justo antes de poder asesinar a un miembro de su familia.

Si el Dr. Loomis e incluso Michael Myers ya están cansados de su propia saga lo lógico sería dejar de tomar el pelo al espectador y acabar con la farsa, en vez de eso los productores decidieron, en un alarde de cara dura difícilmente superable, introducir un elemento nuevo para una posible continuación. Tampoco podemos culpar a los responsables del proyecto del desaguisado si somos capaces de aguantar hasta el final, pues, en realidad no engañan a nadie.

Desde la primera escena de la película, en el Smith's Grove Sanitarium, queda clara la total falta de imaginación y respeto al espectador cuando descubrimos que el Dr. Loomis y Michael Myers continúan vivos, (¡después de que todos les hubiéramos visto arder en la segunda parte!) pase que el enajenado sea inmortal pero, ¿qué coartada hay para lo del Doctor?. El sanatorio parece el Arkham Asylum y las frases lapidarias que suelta el recepcionista nos hacen pensar que el ascensor del centro desciende directamente al infierno. Ese aire de cómic de terror unido a la poderosa imagen de Myers cubierto por una sábana sabiendo de antemano la escabechina que va a montar es lo mejor del largometraje. A partir de ahí todo va a peor en un desarrollo plomizo que conduce a un final cuya ridiculez hace posible que se recuerde a “Halloween 2” como una muestra notable de género.

No se dejen engañar por el trailer que a mí ya me está apeteciendo volver a verla.

HALLOWEEN III: SEASON OF THE WITCH

2009-10-12T00:15:00.001-07:00

“Halloween III: Season of the witch”
Director: Tommy Lee Wallace
Guión: Tommy Lee Wallace
Intérpretes: Tom Atkins, Stacey Nelkin, Dan O'Herlihy, Michael Curri, Ralph Strait, Jadeen Barbor, Brad Schacter, Garn Stephens, Nancy Kyes, Jonathan Terry, Al Berry, Wendy Wessberg, Essex Smith, Maidie Norman, John MacBride
(EE.UU, 1982)

Sinopsis:

La noche del sábado 23 de octubre el dueño de una tienda de disfraces consigue huir de unos tipos trajeados que intentan matarle. Llega exhausto a una gasolinera cuyo dueño le traslada al hospital, mientras por televisión se habla del robo de uno de los bloques de piedra de Stonehenge. Portando una máscara de calabaza fabricada por la compañía Silver Shamrock, el hombre, le comunica al Dr. Daniel Challis que les van a matar a todos. Poco tiempo después fallece en extrañas circunstancias. Ellie, la hija del difunto, convence al Dr. Challis para emprender una investigación que esclarezca las causas del fallecimiento. Viajan a Santa Mira, California, donde se encuentra la fábrica de Silver Shamrock, (uno de los últimos lugares donde estuvo el padre de Ellie), empresa irlandesa que se dedica a fabricar máscaras para Halloween y cuya pegadiza cuña publicitaria no deja de emitirse por televisión. Allí se suceden una serie de sospechosos acontecimientos cuyo origen parece esconderse tras la fábrica de máscaras y su misterioso dueño, Conal Cochran.

Tommy Lee Wallace se encargó de dirigir esta tercera entrega dedicada a la noche de Halloween. El cineasta debutaba en la realización tras sus trabajos en “Dark Star”, “Asalto al distrito de la comisaria 13”, “Halloween” y “La niebla”, donde desempeñó diferentes funciones relacionadas con la producción artística y musical. Su amistad con John Carpenter le llevó, como vemos, a estar siempre muy ligado a la carrera del creador de Michael Myers, llegando a dirigir en 2002 la película “Vampiros: Los muertos” secuela del filme de Carpenter “John Carpenter´s vampires”. Ligado al género fantástico desde sus inicios fue también el encargado de otra ilustre secuela del cine de vampiros en “Noche de miedo 2”.

“Halloween III” rompe completamente la tónica de la saga, erigiéndose en un oasis en mitad de las aventuras de un Michael Myers que parecía no tener nada que decir tras la segunda entrega de la franquicia. Siguiendo las intenciones de John Carpenter la tercera parte consiste en una historia independiente que nada tiene que ver con el precoz psicópata de Haddonfield. El denominador común es la fecha de su desarrollo, aunque en vez de ceñirse únicamente a la noche de Halloween, como en las dos entregas anteriores, en esta ocasión la trama se desarrolla en los siete días previos a la festividad. Stonehenge, máscaras de Halloween, brujería, alta tecnología, numerosos son los componentes que hacen atractiva esta película que bebe sin sonrojarse de clásicos de la ciencia-ficción como “Children of the Damned” o “La invasión de los ladrones de cuerpos” y sus secuelas.

Siguiendo esta línea, tan propia del fantástico desarrollado durante la Guerra Fría, la conspiración es la base de la trama. Salvando las distancias con películas tan serias como la escalofriante obra de Don Siegel, “Halloween III”, mantiene el suspense en no pocas escenas, explotando sabiamente sus limitados recursos artísticos. La minimalista banda sonora de Carpenter funciona con precisión en secuencias clave como la violenta apertura en la que un par de autómatas persiguen implacablemente a su presa humana. Por no mencionar el excelente partido que se saca de la pegadiza y terrorífica canción publicitaria.

La violencia, menor que en las entregas precedentes, impacta por su extraña naturaleza. A destacar la terrorífica escena en la que el Dr. Challis le pregunta por el paradero de Ellie a una anciana que se encuentra tejiendo. El macabro resultado recuerda la escena en la que mamá Bates es descubierta sentada en el sótano en “Psycho”. Lejos de cebarse en lo explícito, como sucedía en “Halloween II” (salvo alguna que otra puntual amputación y la truculenta escena de las serpientes saliendo de una máscara), las muertes se resuelven de un modo más imaginativo creando mayor tensión.

La incógnita sobre la naturaleza y las intenciones de los asesinos, que se mantiene durante más de media película, mantiene en vilo al espectador que descubre a la vez que los protagonistas el mal que encierra la opresiva comunidad de Santa Mira. Una de las habituales críticas que suele recibir el filme reside en la inverosimilitud de la trama, llegando incluso a tacharla de irrisoria. Al contrario de esta opinión, sin perder la consciencia de que no estamos ante una obra maestra del género, el carácter delirante de la historia la hace plenamente disfrutable sin perder por ello un ápice de la inquietud provocada por su asfixiante atmósfera.

Lo más flojo de la producción reside en su reparto y en sus personajes. El conocido rostro del veterano (ya por aquel entonces) Tom Atkins (“Creepshow”, “Maniac cop”) da vida al Dr. Daniel Challis, arquetípico héroe heterosexual sobrado de testosterona tan común en el universo carpenteriano, (como el inolvidable Roddy Piper de “Están vivos”). Sin llegar al cafre personaje compuesto por el wrestler en aquel curioso filme de ciencia-ficción, Tom Atkins, interpreta una creación hecha con cuatro trazos huesos que no escapan del tópico. Médico con éxito en su profesión pero fracasado en su vida familiar; la exigencia de su trabajo le impide pasar el tiempo que debería con sus dos hijos, que viven con su ex-mujer, pero no ahogar sus penas en alcohol.

Su partenaire, Stacey Nelkin, quien llegaría a trabajar una década más tarde a las órdenes de Woddy Allen en “Balas sobre Broadway” se limita a dar una sosa réplica a Tom Atkins. Su personaje, Ellie, intentará descubrir que se oculta en Santa Mira en la búsqueda de una explicación para la muerte de su padre. Aunque parece más interesada en acostarse con el Dr. Challis que en la investigación, en una escena que causa vergüenza ajena. El esquemático personaje existe únicamente como complemento del intrépido Dr., único protagonista del filme.

La presencia más gratificante es la de Dan O'Herlihy (“Robocop”, “Twin Peaks”) en el rol de villano. No estamos ante un antagonista cualquiera, el propio Michael Myers es un angelito comparado con este genio del mal que utiliza la tecnología de vanguardia para llevar a cabo un antiguo ritual celta...¡Toma ya!. Nunca se fíe de un irlandés que no beba, y a Conal Cochran no lo vemos ni con una triste copa de whiskey en toda la película.

Dejando a un lado la endeblez de su guión, sobre todo su atropellado final, y las discretas interpretaciones, la historia funciona apoyada en ese suspense que hace que el ritmo no decaiga y el espectador siga su desarrollo con atención. Moviéndose en un extraño equilibrio entre lo mediocre y lo delirante, el filme, parece hacer equilibrismo sobre esa delicada línea que separa la genialidad de la estupidez cayendo casi siempre en este último lado pero sin dejar de resultar una propuesta entretenida e interesante.

Lo más satisfactorio de “Halloween III”, por tanto, es su falta de prejuicios a la hora de introducir diferentes elementos del fantástico para crear una historia original partiendo de una serie de tópicos vistos en numerosas ocasiones en producciones anteriores. Dejando a un lado el cliché de slasher que se había ganado en la anterior entrega de la saga, “Halloween III”, se rebela como un tórrido culebrón entre un médico maduro y la joven hija de la víctima que da origen a una trama de ciencia-ficción tan alucinada como entretenida.

Una auténtica rareza en la saga Halloween no exenta de momentos sumamente estimulantes para el aficionado al cine de terror y de ciencia-ficción.

HALLOWEEN II

2009-10-07T04:35:00.001-07:00

“Halloween II”
Director: Rick Rosenthal
Guión: John Carpenter, Debra Hill
Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Charles Cyphers, Jeffrey Kramer, Lance Guest, Pamela Susan Shoop, Hunter von Leer, Dick Warlock, Leo Rossi, Gloria Gifford, Tawny Moyer, Ana Alicia, Ford Rainey, Cliff Emmich, Nancy Stephens

Sinopsis:

Es la noche de Halloween de 1978 en Haddonfield (Ilinois). El psicópata Michael Myers, con su inseparable máscara blanca, es abatido por los disparos del Dr. Loomis tras acabar con la vida de tres personas y herir en el pecho a Laurie Strode, la fuerza del plomo contra su cuerpo le hace caer al vacío desde el primer piso. Sorprendentemente Myers se levanta y escapa del lugar del crimen. El Dr. Loomis con la ayuda del Sheriff Bracket intentará dar caza al asesino antes de que se cobre nuevas víctimas. Laurie Strode, que se encuentra interna en el Haddonfield Memorial Hospital, es atendida por un médico borracho y un personal que deja bastante que desear mientras Myers se acerca al lugar para terminar lo que empezó. El Dr. Loomis patrulla las calles dando palos de ciego en una noche en la que la mayoría de la gente va disfrazada, incluso algún individuo porta la misma máscara blanca que el asesino, hasta que las pistas le hacen comprender que Myers sólo puede dirigirse hacia el hospital para acabar con la vida de Strode. ¿Conseguirán terminar con la orgía de sangre?.

Esta secuela se encuentra muy lejos de la calidad fílmica de su antecesora que se erigió en obra fundacional de todo un subgénero que hoy en día continúa teniendo legiones de fans y obteniendo pingües beneficios en taquilla a través de secuelas, remakes, (ya sean de la saga original de Halloween o de otros slashers de la época) y sucedáneos que intentan imitar o simplemente se inspiran en el original. A pesar del considerable bajón de calidad la obra es de obligado visionado para el aficionado. La mitología de Michael Myers comienza en esta entrega, (aunque muchos opinen, no sin razón, que queda absolutamente destrozada), al menos tal y como la conocemos hoy en día después de nueve películas sobre el personaje, en realidad ocho sin contar la última incursión de Rob Zombie en la nueva saga. Recordemos que “Halloween III: season of the witch” es una historia totalmente independiente que no guarda relación alguna con la saga, simplemente su desenlace se produce durante la noche de Halloween. Es en “Halloween II” dónde se explica el origen de la obsesión de Myers por Strode, de hecho la película es en realidad el final lógico de la saga que se retomaría de manera delirante en “Halloween 4”, ya sin la presencia de John Carpenter en el proyecto.

Tras el inesperado éxito de taquilla (50 millones de dólares) que supuso su predecesora “La noche de Halloween”, un filme de terror barato (sólo costó 300.000 dólares y se rodó en veinte días) sin ninguna pretensión, los productores quisieron sacar tajada y crear una saga completa de películas de Halloween. La intención del director, guionista y músico de la primera entrega, John Carpenter, era realizar una serie de historias independientes que tuvieran como denominador común su desarrollo durante la noche de Halloween. La popularidad de The Shape, (el psicópata con mono de mecánico y máscara de fantasma más conocido como Michael Myers), el Dr. Loomis y Jamie Lee Curtis, (icono sexual tras la primera entrega), entre la audiencia provocaría que los productores desecharan la idea de Carpenter para construir una secuela que concluyera el final abierto de la primera película.

Retomando la acción dónde lo dejaba el anterior filme, toda la historia se desarrolla durante la misma noche, prácticamente a tiempo real. Myers anda suelto y como es lógico sembrará de cadáveres la pantalla con su enorme cuchillo. Todo aquel que se interponga entre él y su objetivo final, Laurie Strode, será brutalmente asesinado. Respondiendo al clásico cliché de secuela de exitoso título de terror, en “Halloween II”, hay mucha más sangre que en la primera entrega, lo que no quiere decir que haya mayor tensión o que nos produzca mayor terror o desasosiego que la primera parte, más bien todo lo contrario. La larga serie de asesinatos pergeñados por Myers en esta secuela (algunos de ellos muy imaginativos, todo hay que decirlo. Genial la escena del jacuzzi o el uso que hace The Shape de las agujas hipodérmicas) no logran conseguir la atmósfera amenazante del original. Pasamos de temer la muerte de los protagonistas a esperar con tedio que acabe con todos para ver el desenlace.

La labor de Rick Rosenthal en la dirección tiene buena parte de culpa de esta falta de tensión. A pesar de que el guión sigue estando firmado por John Carpenter y de que se utiliza la misma banda sonora que tan buenos momentos nos hizo pasar en la primera aventura de Myers, el realizador se muestra inoperante en la creación de atmósferas que creen auténtico terror. Salvo un par de escenas (la aparición de Myers tras la enfermera Karen tras descubrir ésta el cadáver de su amante. La irrupción de The Shape en una casa mientras la anciana propietaria ve el resultado de su matanza por televisión) la sensación de terror que nos producía el misterioso personaje desaparece en esta continuación.

Sería injusto cargar al director con toda la culpa, el propio Carpenter, (ayudado por su mujer, Debra Hill), con un flojo guión, cuya esquelética base argumental y falta de ideas impide un desarrollo interesante de la trama más que esperar la siguiente víctima de Myers, condiciona en gran medida la labor del realizador. Los culpables, como casi siempre, son los productores, quienes sacrifican el interesante e hipnótico punto de partida del original en busca de una explicación lógica a las acciones de Myers, banalizando el diabólico personaje que personificaba el mal en estado puro hasta convertirlo en un vulgar psicópata. La búsqueda de dinero fácil en taquilla impidió al genial personaje de “La noche de Halloween” pasar a la historia como merecía.

El desarrollo de la cinta se torna previsible en cuanto descubrimos las motivaciones de Myers. El aumento del número de asesinatos o la truculencia de su ejecución no son sinónimos de un mayor impacto, lo único que se consigue es que la película pierda empaque, dejando a un lado la sobriedad y frescura del original para caer en el reclamo barato de las masas a través de mayores dosis de sangre y sexo. Se apela a las bajas pasiones del espectador ignorando su inteligencia. Sobre este particular destaca la presencia de Pamela Susan Shoop en el papel de enfermera fácil y sexy que hará las delicias del respetable mostrando la perfección de su torso. Como todo aficionado al subgénero sabe las consecuencias serán funestas.

A pesar del simplista argumento y del tedioso desarrollo de la trama la parte final de “Halloween II” resulta sumamente interesante. El inagotable y astuto Dr. Loomis no descansa en la persecución de Myers, convirtiéndose más en un pistolero loco que en un psiquiatra preocupado por lo que un demente pueda hacerle al pueblo de Haddonfield. Es de agradecer el macarrismo del que Carpenter dota a su personaje, comparable al James Woods de “Vampiros: Los muertos”, un maquiavélico Van Helsing al que no le importan las formas, ni la ley, y que vive tan sólo para detener al malvado. Donald Pleasence brilla con luz propia en el personaje más jugoso del guión. Jamie Lee Curtis con un papel secundario durante el desarrollo retoma el protagonismo en la parte final brindándonos los mejores momentos en su agónica huida del psicópata. La vibrante escena final en el interior del hospital enfrenta a ambos protagonistas con el asesino en lo que resulta con diferencia el mejor momento del filme.

Si no les gusta el subgénero de psicópatas huyan de esta película, si por el contrario disfrutan viendo correr la sangre de adolescentes con las hormonas alteradas, o han visto la película original y , aún a riesgo, de que les destrocen el personaje quieren ver la continuación de la sangría de Myers en Haddonfield no duden en ver el ensalzamiento (o caída) del mito.
Ideal para la noche de Halloween de nostálgicos ochenteros, completistas de sagas y fanáticos de los psicópatas enmascarados.

JENNIFER'S BODY

2009-10-02T05:17:00.000-07:00

“Jennifer's body”
Director: Karyn Kusama
Guión: Diablo Cody
Intérpretes: Megan Fox, Amanda Seyfried, Johnny Simmons, Adam Brody, Sal Cortez, Ryan Levine, Juan Riedinger, Colin Askey, Chris Pratt, Juno Ruddell, Amy Sedaris, Cynthia Stevenson
(EE.UU, 2009)

Sinopsis:

Needy, una joven y aplicada estudiante, lleva una vida tranquila en la pequeña localidad de Devil's kitlle junto a su novio Chip y su popular amiga Jennifer, la capitana de las animadoras. Amigas desde la infancia en la actualidad no tienen nada en común, la humildad de Needy contrasta con el carácter egocéntrico y caprichoso de Jennifer. Cuando “Lost Shoulders”, una banda de rock de ciudad, se desplazan hasta el garito del pueblo, el Melody Lane, para dar un concierto, Jennifer arrastra a su amiga al evento. Cuando la banda comienza el concierto el local se incendia reduciéndose a cenizas en cuestión de minutos y causando la muerte de la mayoría de los asistentes. Jennifer y Needy consiguen salir con vida, al igual que los integrantes de “Lost Sholuders”, quienes invitan a las jóvenes a la furgoneta, Needy rehúsa pero Jennifer no duda en acompañar a los rockeros. La preocupación de Needy por el estado de su amiga aumenta cuando recibe una inesperada visita en mitad de la noche, a partir de este momento ya nada volverá a ser como antes.

La productora Fox Atomic unida a los nombres de Jason Reitman y Dan Dubiecki, (responsables de Juno), el libreto de Diablo Cody y la presencia de la irresistible Megan Fox en el papel de una animadora poseída por Satán con insaciable sed de sangre, hacían que un aficionado heterosexual al las comedias negras y al cine de terror no pudiera dejar pasar la oportunidad de ver “Jennifer's body” en el cine. La producción tenía todos los ingredientes necesarios para hacer coincidir en una misma sala a los fanáticos del cine de terror adolescente, los amantes de la actual comedia indie norteamericana y los seguidores incondicionales de Megan Fox (varones heterosexuales entre 13 y 50 años). ¿Por qué entonces está película ha sido un fracaso en los U.S.A?.

Los pobres resultados obtenidos en taquilla, unidos a ciertas críticas al otro lado del Atlántico y el insustancial trailer oficial nos había quitado la ilusión a aquellos que estábamos entusiasmados hace meses con este proyecto que ponía al icono lúbrico por antonomasia del cine actual al servicio de una trama satánica absolutamente delirante sin escatimar en bidones de sangre. El despertar de las carteleras nos hacía escoger otros proyectos, a priori de apariencia más sólida, y no arriesgarnos a tragarnos un bodrio sobre una masacre de teens en la High School sólo por ver las virtudes anatómicas de la Fox. ¡Pero que desconfiados somos!. Desconozco a que se debe la mala acogida de esta gozada de espíritu gamberro que es “Jennifer's body”, quizá sea por el excesivo y forzado protagonismo, para bien o para mal, que desde todos los medios de comunicación se le da a su estrella principal, convertida en un atracción mediática desviando la atención del público de su carrera cinematográfica. Puede que entre la publicidad de los medios y el divismo de la joven hayan convertido su nombre en veneno para la taquilla, lo que es una pena porque impide que películas tan notables, sorprendentes y gratificantes como ésta pasen desapercibidas para la mayoría de la audiencia.

Los elementos sobre los que se construye el filme no son nuevos para el público, por muy pocos kilómetros de celuloide que lleve sobre sus retinas, tenemos la High School con su rompedora animadora, aquella de las que todas las chicas quieren ser amigas y con la que todos los chicos quieren acostarse, su mejor amiga sirve como perfecto contrapunto: el patito feo, la empoyona, etc... Por otro lado se sitúa la luciferina banda de Rock and Roll que viene de la ciudad a pervertir a los devotos provincianos con su música estridente, su ambiguo look y su perversa puesta en escena., ¿recuerdan aquellas películas ochenteras sobre rock satánico? Aquí se comentó una no hace mucho, “Black Roses”. Como los tiempos que corren son más blanditos se aparca el rock duro, las greñas, y las chupas de cuero, para abrazar el pop rompe-bragas, las corbatas y el cuidado toque de rímel. Otro elemento básico en el cocktail es el elemento fantástico, las ciencias ocultas siempre fascinan a la audiencia más joven y aseguran una buena recaudación en taquilla, cabría destacar la impresionante sección ocultista que existe en todas las bibliotecas de instituto de los EE.U.U, aquí en España como mucho tendríamos un par de libros de J.J. Benítez o, con peor suerte, algún panfleto del infame Iker Jiménez.

Partiendo de estos topicazos la película podría ser un bodrio insufrible si se tomara en serio así misma, pero el ingenio de Diablo Cody, (quien parece haber firmado un pacto con el maligno para esquivar el estereotipo), parodia con mala leche los códigos del género sin dejar de respetar su esencia. Los diálogos son descarados y escupen al espectador sin rodeos, destacando el personaje de Jennifer que no tiene pelos en la lengua. Contestaciones del tipo “Cómeme la almeja” que sonaría cutre y ordinario en cualquier teleserie española son palabras celestiales (o diabólicas) que te impiden parar de reír en boca de Megan Fox. Las conversaciones entre los personajes ridiculizan el petardeo de la MTV y el Disney Channel. WARNING!! SPOILER: Cuando Jennifer se encuentra amordazada a punto de ser cortada en pedazos por el cuchillo de Nikolai, el lider de “Lost shoulders” se arranca con un monólogo que justifica su adoración al diablo. “Tú sabes lo difícil que es para una banda de rock indie triunfar hoy en día. Somos muchos, y todos chicos monos. Satán es la solución”. El batería que no quiere participar en la matanza es reprendido por el líder: “Quieres ser camarero toda tu vida o un tío rico y guay como el de Maroon Five”.

Toda esta ironía no impide que el relato terrorífico pierda su fuerza y crudeza, al contrario, en la mejor tradición de las oscuras comedias de los ochenta (“Un hombre lobo americano en Londres”, “Noche de miedo”, “Jóvenes ocultos”, por citar las más conocidas) la orgía de sangre repele a la vez que fascina. La presencia amenazante, que recuerda a un súcubo, de Jennifer cubierta de sangre con esa sonrisa diabólica resulta excitante y haría caer encantado a cualquiera de nosotros sobre sus garras y colmillos. Con un puñado de efectos especiales de andar por casa se le da la credibilidad necesaria a las escenas más fantásticas y violentas, a pesar de que en ocasiones algún que otro efecto chirríe. Una excelente fotografía y una cuidada elección de las localizaciones nos brindan momentos de una belleza gótica inusual en las producciones actuales. Está claro que la película está cuidada al detalle por gente que ama el género y tiene muy en cuenta el gusto del aficionado.

Al contrario que otras actualizaciones genéricas tomando como base la autoparodia como en el caso de la saga “Scream”, “Jennifer's body”, con un sabio uso del in medias res, se erige en una película original que toma elementos de sobra conocidos pero mezclados con gusto por una diestra DJ. Homenajea el género pero sin caer en el plagio de títulos concretos, construye una historia fresca partiendo de bases clásicas sin caer en la nostalgia.

La inteligencia del espectador se respeta en todo momento. Un detalle que llama la atención es la ausencia del clásico personaje machito-matón en la High School que no se extraña en ningún momento en un ambiente estudiantil que tampoco necesita de bullying, ni de ningún otro supuesto mal que aqueje las aulas en la actualidad. La película lejos de explotar el drama hormonal se burla sátiramente de él. La tragedia que se produce en el “Melody Lane” y los posteriores salvajes asesinatos que van minando la comunidad van entristeciendo a la población, (¡que a pesar de ello no renuncia al baile del instituto!), mientras que Jennifer, y el espectador, se burla sin pudor de sus vecinos, realizando una hilarante crítica a la doble moral que impera en la moralista comunidad.

Existe un claro cambio de roles en el filme. Las mujeres son las que mueven única y exclusivamente el relato, la figura de Jennifer (antes de su diabólico encuentro), como animadora no se limita a intentar ligarse al capitán del equipo de football (convertido en un gordo bastante lerdo), sino que es plenamente consciente de su poder sobre los hombres a los que utiliza para su satisfacción física y aumentar su prestigio popular. El personaje de Needy es el más fuerte de la trama, una chica fuerte e íntegra cuyo novio está en clara desventaja intelectual. El magnetismo de Jennifer es tan fuerte que llega incluso a turbar a su mejor amiga, dejando para el recuerdo una de las escenas más húmedas que se recuerden entre las dos protagonistas, con el mérito de dejar prácticamente todo a la imaginación.

No sólo estamos ante una película de terror plenamente disfrutable, sino ante un sano ejercicio de crítica a la absurda sociedad que nos rodea. Una ocasión ideal para reírnos de nosotros mismos y disfrutar con una terrorífica historia que, a diferencia de la mayoría, hace uso de un guión y unos personajes inteligentes que superan con creces el mero estereotipo.

Una película ideal para la noche de Halloween.

30 DAYS TO HALLOWEEN’S NIGHT

2009-10-01T04:02:00.000-07:00

Welcome to Halloween! La última noche de este mes, los fanáticos de esta festividad, tendremos un año más nuestra ineludible cita con el terror en su más amplia (siempre desde un punto de vista fantástico) acepción. Desde este cinéfago rincón mi intención es reivindicar los clásicos modernos que en buena medida han ayudado a popularizar esta fiesta más allá de las fronteras de los U.S.A. Qué mejor manera de celebrar la mágica noche de cambio de mes que dándole un repaso a la saga original de “La noche de Halloween” con todas esas infames secuelas hasta llegar al remake de Rob Zombie.

La intención original era ir colgando las reseñas de la saga original para comentar “H2: Halloween 2” el 31 de octubre, día que en principio se iba a escoger para el estreno en España de la esperada secuela del remake de “Halloween, el origen”. La variada y puntual exhibición de películas de la que gozamos en nuestro país aún no ha fijado fecha de estreno para este filme (recordemos que el estreno en EE.UU fue el 28 de agosto), lo mismo que sucede, por ejemplo, con “Crank 2: High Voltaje”. Ante este panorama, tristemente, no podré colgar el post como colofón a este mes dedicado al cine de terror. Para compensar iré colando una serie de títulos que se encuentran entre mis favoritos y que considero idóneos para pasar la noche de Halloween. Paralelamente comentaré los estrenos de terror en salas que si nos van a dejar ver en octubre: “Rec 2”, “Infectados” (el cartel estaba empezando a amarillearse en el interior de los cines) y “Saw VI”.

Entre susto y susto también caerá algún que otro estreno de género bien distinto, como he ido haciendo recientemente, y espero poder acabar de una vez la intermitente crónica del último “Peor… ¡imposible!”. Tengan paciencia y el bueno de Myers sabrá recompensarles.

Les dejo con un par de trailers, el de “H2” con ese polémico Michael Myers a cara descubierta y el de otro remake, con estreno previsto para abril de 2010 en U.S.A, nada más y nada menos que “Nightmare on Elm Street”. Mucho se ha escrito sobre este proyecto, con la única certeza de que Michael Bay se encargaría de la producción. Por las imágenes que ofrece el trailer la película va a ser una mezcla de las tres primeras partes de la saga original, siguiendo el modelo que Marcus Nispel utilizó para la confección del último “Viernes 13”. Finalmente Jackie Earle Haley, actor cuya carrera a transcurrido por la serie b más subterránea y cuyo rostro recuerda más a Spider Jerusalem que a Krueger, toma el relevo de Robert Englund bajo la cara de cráter del bueno de Freddy, tras las cámaras estará Samuel Bayer, director de videoclips de, entre otros, Iron Maiden, Metallica, Green Day o Garbage.

EVIL NEVER DIES

TRICK OR TREAT?

INGLORIOUS BASTERDS

2009-09-30T04:28:00.000-07:00

“Inglorious Basterds”
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Intérpretes: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Jacky Ido, B.J. Novak, Omar Doom, August Diehl, Denis Menochet, Sylvester Groth
(EE.UU, 2009)

Sinopsis:

Hans Landa, un oficial de las SS cuya misión es acabar con todo aquel judío que aún permanezca en suelo francés deja escapar a una joven llamada Shosanna, en una de sus carnicerías en una pequeña aldea, tras acribillar al resto de su familia. Mientras tanto, un grupo de soldados judío-americanos son adiestrados por el teniente Aldo Raine para torturar y matar nazis, su sanguinaria reputación les precede llegando incluso a oídos del Führer, se les conoce con el sobrenombre de “Los Bastardos”.

Tres años después, Shosanna, bajo una nueva identidad regenta un cine en París. Frederick Zoller, un soldado alemán, admirado entre los suyos por haber matado a 300 soldados rusos, se enamora de ella y convence al ministro de propaganda nazi, Joseph Goebels, para estrenar la última película de Lenni Riefensthal, de la que él mismo es protagonista, en el modesto cine de Shosanna. La ocasión idónea de la joven para vengar a sus familiares y al resto del pueblo judío.

El estreno de la película en el cine reunirá a toda la cúpula nazi bajo un mismo techo, incluso se rumorea que Adolf Hitler podría asistir a la proyección. Aldo Raine organiza un equipo de topos para colarse en el estreno ayudados por Bridget Von Hammersmark, una actriz alemana que trabaja como espía para el enemigo. Todos están preparados para recibir a los altos mandos del Tercer Reich como se merecen.

La última obra de Tarantino nace, como todas sus obras anteriores, del eclecticismo, de la hibridación, del pastiche, de la tradición de la música popular, el cómic y el cine de derribo, estamos ante la obra más postmoderna del director más postmodernista de occidente. Que nadie que se asome al cine a ver “Inglorious Basterds” se espere una película de cine bélico, Tarantino no nos da su visión sobre la Segunda Guerra Mundial, ni realiza un remake sobre el exploit italiano “Aquel maldito tren blindado”, tampoco estamos ante un velado homenaje-plagio de su adorada “Doce del Patíbulo”. No, Tarantino, simplemente nos cuenta su película, la que nos lleva contando desde “Reservoir dogs” que tampoco era una película de cine negro, la que volvió a repetir en “Pulp Fiction”, dónde el cuarto de libra con queso o los masajes en los pies tenían más peso que la supuesta trama noir, o lo mismo que nos contaba en “kill Bill”, dónde la conversación sobre la mitología de Superman tenía tanto protagonismo como los ecos del Spaghetti Western, las katanas y los golpes de Kung-Fú.

Con una trama lineal, en disonancia con los ejemplos anteriores, inteligentemente llevada para hacer converger a los diferentes personajes en un único lugar en su memorable último capítulo, se describe coherentemente a través de cuatro fragmentos previos las circunstancias que llevan a la catarsis final. “Inglorious basterds” no tiene un protagonista claro, no obstante, la simpatía del espectador cae del lado de los Bastardos, debido a su excéntrico y carismático carácter, además de por los evidentes motivos históricos. El líder del escuadrón, el teniente de sangre apache llamado Aldo Raine, es un personaje construido a base de trazos gruesos a través de una expresión oral que firmaría el Guy Ritchie de “Snatch…”, e interpretado con sorna por Brad Pitt, emulando con su mueca de mandíbula al Brando de “El padrino”. Al igual que el resto de la banda de psicópatas tortura-nazis, no es el personaje más logrado de la peícula. Le secundan Hugo Stiglitz, (acongojante presencia la de Til Schweiger), un judío alemán que emigra a EE.UU y vuelve a Europa para masacrar nazis; y Donnie Donovitch, apodado el oso judío, un amante del baseball que disfruta destrozando nazis con su bate, interpretado con entusiasmo por Eli Roth quien parece disfrutar tanto machacando cráneos en escena como rodando una de sus gamberradas gore.

Los Bastardos aportan gran parte de la hilaridad que sobrevuela el filme; sin embargo, las actuaciones más notables se encuentran en el bando enemigo. La caricatura de Hitler es un icono cinematográfico desde el estreno de “El Gran Dictador”. Sin elevase en esta ocasión a un retrato tan certero como el conseguido por Chaplin el personaje funciona como bufón, en escasas pero celebradas apariciones, en medio de la gran farsa que Tarantino teje a su alrededor. De mayor presencia goza un rígido y patético Joseph Goebels, bordado por Sylvester Groth, empequeñecido ante la presencia de su estupenda amante, una Julie Dreyfus siempre perfecta como femme fatale (recuerden “Kill Bill, vol 1.”). Menos vistosa resulta la presencia de Daniel Brühl en la piel del soldado Frederick Zoller, que responde a un cliché, aunque es indudable su papel fundamental en la resolución de la trama.

A pesar del escueto pero efectivo retrato de las principales personalidades del Tercer Reich, el personaje más trabajado, el que tiene mayor carga dramática, y, casi sin ninguna duda, el mejor interpretado, recae en el Coronel Hans Landa, apodado “Caza judíos”. Christoph Waltz, recrea un cínico personaje cuya ambigüedad le hace destacar del resto; la magistral interpretación del actor austriaco hace que se nos hiele la sangre incluso cuando Hans come un bocado de tarta y es capaz de hacernos reír aún sabiendo que está a punto de exterminar a una familia. El dominio de varias lenguas (gran parte de la riqueza de la actuación de Waltz se pierde en la versión doblada) y la excelente gesticulación, (sus metódicos movimientos nos llevan de la mofa al pánico en décimas de segundo) hacen que las apariciones de Landa se erijan en los momentos de mayor altura cinematográfica, su mera presencia justifica por si sola el visionado del largometraje.

La Némesis perfecta de Landa, es la joven Shosanna, la escena en la que se reencuentran en un restaurante de París (lógicamente Hans no recuerda a la joven) es quizá la que mayor tensión acumula de todo el filme, la interpretación de esta secuencia de Mélanie Laurent, a través de primerísimos planos en los que tan sólo gesticula, es una lección de interpretación por parte de la actriz parisina y de dirección de actores del genio de Tenesse. El personaje de Shosanna está dotado del coraje y la valentía habituales en las heroínas tarantinianas, desde Jackie Brown hasta la Mamba Negra. El horror que la joven francesa sufre ante el asesinato de su familia la hace más fuerte, el odio la alimenta y la venganza es la evolución lógica de su personaje. Tampoco le faltan agallas al otro gran personaje femenino, Diane Kruger está arrebatadora bajo la sensual envoltura de Bridget Von Hammersmark, la particular Mata Hari de la historia, que intentará ayudar a los Bastardos en su complicada tarea de aniquilar al Tercer Reich de una sola tirada.

Quentin Tarantino, vuelve a realizar el ejercicio de intertextualidad tantas veces repetido, las referencias son inagotables, desde el Spaghetti Western hasta clásicos del cine bélico norteamericano y europeo, hasta la propia autorrefencia (los maleteros no son necesarios para mostrar su contrapicado preferido) dentro de esta mixtura el director norteamericano se siente como pez en el agua y elabora su discurso propio escogiendo siempre el producto popular antes que el elitista.

Como bien sabe cualquier aficionado las inquietudes de Tarantino, por supuesto, no se limitan exclusivamente al ámbito cinematográfico, la música sigue jugando un papel predominante en sus producciones. Ennio Morricone ocupa en esta ocasión el grueso de la B.S.O, el contrapunto perfecto lo pone la versión de “Putting out fire”, que David Bowie interpretó para la película “El beso de la pantera” de Paul Schraeder, en una preciosista escena en la que Shosanna se maquilla momentos antes de poner en marcha su plan para aniquilar a los nazis. El clasicismo lo pone el tema de fondo a los créditos de apertura, una versión instrumental del célebre “Green leaves of summer” de la película “El Álamo”.

Los detractores de Tarantino tienen el trabajo terminado de antemano, enarbolaran su oxidado discurso sobre la separación de ética y estética que presentan las obras del director, considerando por tanto su obra vacía, carente de contenido moral y, por ende, carente de valor artístico, ya que el arte ha de ser trascendente. Se acusará su obra por tanto de formalista e incluso de reaccionaria. Sin embargo, la ficción que Tarantino decide abrazar en pos de dar la mayor libertad argumental posible al relato, consigue, no sólo divertirnos con una particular (per)versión de cierto momento de la Segunda Guerra Mundial, sino imbuirnos de lleno en la dureza de la contienda, hacernos partícipes del horror de la guerra, del pánico que sufrían los judíos perseguidos, de la inocencia de muchos de los combatientes; en definitiva, nos hace reflexionar sobre nuestro terrible pasado y las consecuencias de la guerra a la vez que nos arranca una sonrisa a través de sus Bastardos, con esa curiosa habilidad para convertir el acto más grotesco y salvaje en motivo de carcajada.

Los incondicionales, por el contrario, ensalzarán esta nueva obra por su indudable belleza formal, su salvaje sentido del humor, su espíritu de ficción netamente pulp y sus brillantes diálogos, (como el monólogo de apertura en el que Landa establece la comparativa alemán-halcón y judío-rata). No les falta razón, pero no podemos olvidar que todo esto estaba presente en sus obras anteriores. Quizá su discurso postmoderno haya llegado a su fin por agotamiento de la fórmula.

Vista en perspectiva la carrera cinematográfica de Tarantino tocó techo con “Kill Bill, vol 1.”, para más tarde caer bruscamente de su pedestal con la anodina “Death Proof.”. Ahora el director norteamericano vuelve a la senda que le dio el éxito, lo que le asegura el beneficio en taquilla y el parabien de sus admiradores. Pero hay algo de estático en su cine que le impide avanzar, desligarse de ese deslumbrante realizador nobel que sorprendió a todo el mundo en el Festival de Cannes de 1992. En “Inglorious Basterds” hay momentos de gran cine, pero el espíritu que respira el filme continúa teniendo un leve aroma adolescente, una falta de madurez cinematográfica, que, aún siendo premeditada, y posiblemente consecuencia lógica de la naturaleza popular de su cine, impide a Tarantino erigirse en portavoz de una generación de cineastas realmente rompedora. No cabe duda que nos encontramos ante un talento muy por encima de la media actual de cineastas norteamericanos; sin embargo, si continúa mirando hacia atrás en vez de hacia delante quizá nunca consiga realizar esa obra maestra ante la que, según Aldo Raine (una pirueta ombliguista más), nos encontramos.

SURROGATES

2009-09-29T04:09:00.000-07:00

“Surrogates”
Director: Jonathan Mostow
Guión: Michael Ferris, John D. Brancato.
Intérpretes: Bruce Willis, Radha Mitchell, Rosamund Pike, Boris Kodjoe, James Francis Ginty, James Cromwell, Ving Rhames, Jack Noseworthy, Devin Ratray, Michael Cudlitz, Jeffrey De Serrano, Helena Mattsson, Michael Phillip, Danny F Smith, Brian A. Parrish
(EE.UU, 2009)

Sinopsis:

En una sociedad paralela los robots han sustituido a los seres humanos en la vida diaria. Los humanos renuncian a vivir sus emociones en primera persona a cambio de la seguridad que les proporciona su hogar y de tener un bonito continente acorde con las exigencias estéticas impuestas por la comunidad. Recluidos en su habitación y enchufados a una máquina manejan al sustituto que desempeña por ellos sus tareas. A priori todo son ventajas, la tasa de delincuencia cae en picado, así como la siniestralidad, la muerte de los sustitutos no supone daño alguno para el operador que lo maneja.

Sin embargo existe un pequeño grupo de personas en cada una de las grandes ciudades que se niega a tener un sustituto. Estos reductos viven en comunidades agrarias y tienen como líder a un hombre al que llaman el profeta. La coexistencia entre sustitutos y biológicos transcurre en armonía hasta que se produce un homicidio. Un humano mata a dos sustitutos con un arma que destroza a la vez la cabeza de los operadores, algo impensable hasta el momento, con lo que se produce el primer asesinato en años.

Tom Greer, acompañado por la agente Peters, es el encargado de la investigación a través de la cual irá descubriendo una serie de hechos que le enfrentarán con su propia vida, (la muerte de su hijo, la relación que mantiene con su mujer), todo le lleva hacia la misma pregunta ¿Merece la pena renunciar a las emociones en beneficio de la seguridad?

Jonatha Mostow, conocido fundamentalmente por sus anteriores largometrajes “U-571” y “Terminador 3”, estrena ahora en pantalla grande esta adaptación del cómic homónimo de Robert Venditti y Brett Veldele publicado en 2005. Obra que desconocía hasta la fecha y de la que, lógicamente, no puedo omitir opinión ni establecer comparativas con su recreación cinematográfica, tan sólo apuntar que en el cómic la acción se desarrolla en el 2054, mientras que en la película se toma un presente paralelo como escenario.

Lo que podía haber sido un pequeño clásico de la ciencia-ficción se queda en un blockbuster (habrá que esperar a los resultados de la taquilla) correcto para mayor gloria de Bruce Willis que sigue estando genial en la piel de cualquier héroe de acción y que tiene su clásica frase al estilo John McLane: “Cielo no se quienes sois, pero si sé que podrías ser un viejo sentado con la cola fuera”. La excesiva personalización del relato en el personaje de Tom es uno de los principales problemas que hace que la obra se enmarque más en el género de acción con drama familiar de trasfondo (insufribles las escenas en las que un apenado Greer visita la intacta habitación de su hijo para ver su fotografía) que en un ejemplo serio de ciencia-ficción. Un dilema moral como la utilización de máquinas para vivir nuestras vidas podría haber dado mucho juego, sin embargo la trama se centra excesivamente en dos personajes antagonistas y complementarios, por un lado está Older Canter como genio-magnate creador de los sustitutos, convertido en una especie de Dios intocable que mueve los hilos desde su mansión (hablar de la evolución del personaje sería desvelar por completo la historia), y por el otro el héroe, en clara desventaja, pero plagado de emociones humanas que le hacen superar los obstáculos que se interponen en su investigación. Ambos personajes están completamente solos, aislados, siendo sus particulares dramas personales los que les hacen tomar decisiones para cambiar el rumbo de su vida, y, por extensión, la del resto de la sociedad.

Con esta polarización del relato, los elementos que describen la extravagante sociedad habitada por los surrogates son pequeños detalles, fundamentalmente estéticos, repartidos a lo largo del metraje. Especialmente cuidada es la selección de extras que pueblan las localizaciones exteriores o los interiores más masificados (discoteca, centro comercial), así como su vestuario, jóvenes atractivos/as vestidos a la última moda caminan implacablemente con absoluta seguridad en si mismos. El maquillaje se erige en el mejor aliado para robotizar los rostros de los sustitutos. Mediante el uso de bases tipo paint stick (por citar algún tipo de maquillaje que produzca este efecto) desnaturalizan los músculos de la cara dando una apariencia hierática, tan bella formalmente como inquietante.

Los personajes que pueblan la película optan por lo fácil, personas mayores, víctimas de la alopecia, de eccemas consecuencia de su voluntaria reclusión, se camuflan en cuerpos perfectos con rostros parecidos a los suyos pero dotados de eterna juventud, o simplemente dejan volar su imaginación para convertirse en algo totalmente diferente (el genial chiste que convierte a un doctor blanco entrado en años en un doctor negro joven de metro noventa). El único personaje que consigue la difícil tarea de empeorar su presencia a través de su doble es, como es lógico, Tom Greer, ningún robot podría tener su incomparable presencia, además, el bronceado y el pelucón que luce su homólogo hacen dar las gracias por que el bueno de Bruce se haya quedado calvo hace años.

Tratándose de un thriller diseñado para el lucimiento de su estrella principal las escenas de acción deberían estar perfectamente medidas y hay que reconocer que en este apartado no se puede reprochar nada a Jonatha Mostow, o más bien a los directores de la primera y segunda unidad que son los que suelen llevar el mando en estas escenas. Lejos de un nuevo “Casino Royale”, las persecuciones, tanto en coche como a pie están rodadas con pulso firme, sin los habituales y molestos barridos; la planificación nos permite seguir sin problemas el desarrollo de la acción y además se dota a las escenas con un loable gusto preciosista sin caer en el manierismo, en este apartado se saca gran partido a las virtudes de los sustitutos, como en la estimulante escena del helicóptero.

En definitiva, Surrogates, tiene el mismo problema que otros títulos de ciencia-ficción recientes, como pasaba en “Gamer”, por citar un ejemplo. Tras un punto de partida interesante y un desarrollo de la trama sugerente, la película termina con un abrupto final que deja un sabor de boca agridulce, pues la película crea enormes expectativas y al final cristaliza simplemente en unas cuantas escenas de acción más o menos bien rodadas, un par de chistes de héroe machote, y algún momento ingenioso (la escena que abre la cinta en la discoteca con el salto del sustituto a la pista de baile y ese local plagado de gente guapa, vestida a la última y sin derramar una gota de sudor, o el genial cartel que anuncia un partido de fútbol extremo y en el que su puede ver una cabeza cercenada), el resto es lo de siempre, un protagonista bueno que lucha contra los malos y toma conciencia de su situación a medida que avanza la trama.

SAN VALENTÍN SANGRIENTO 3D

2009-09-17T09:56:00.000-07:00

“My Bloody Valentine 3D”
Director: Patrick Lussier
Guión: Todd Farmer, Zane Smith
Música: Michael Wandmacher
Fotografía: Brian Pearson
Intérpretes: Kerr Smith (Axel Palmer), Kevin Tighe (Ben Foley), Tom Atkins (Burke), Jaime King (Sarah Palmer), Jensen Ackles (Tom Hanniger), Edi Gathegi (Martin), Betsy Rue (Irene), Megan Boone (Megan)
(EE.UU, 2009)

Sinopsis:

Tom ha sido el involuntario causante de un accidente en la mina de la ciudad de Harmony que ha acabado con la vida de varios hombres. Cuando el joven, acompañado de su novia y otra pareja se adentra de noche en la mina para celebrar el día de San Valentín, Harry Warden, superviviente de la tragedia que se encontraba en coma, aparece ataviado con su casco de minero asesinando a varios jóvenes con su piqueta hasta que finalmente cae fulminado por un disparo del sheriff. Diez años después, Tom vuelve a Harmony en busca del amor de su vida y para exorcizar los demonios que le han acompañado durante todo este tiempo, pero coincidiendo con su llegada los asesinatos han vuelto a comenzar. El nuevo sheriff, Axel, es el marido de la ex novia de Tom, y verá en él una amenaza para su matrimonio y para el resto del pueblo, considerándolo como principal sospechoso de los asesinatos.

Podríamos decir que “San Valentín Sangriento” es un remake mediocre de un slasher flojo que surgió a la sombra de la “La noche de Halloween” a finales de los setenta. Podríamos afirmar, sin temor a equivocarnos, que el guión está lleno de trampas para llegar a un final pretendidamente sorprendente, que los personajes presentados tienen un perfil paupérrimo, carecen de interés y se mueven ante la cámara diciendo un montón de estupideces a través de unos diálogos a caballo entre el Cine X y el culebrón de sobremesa. No estaría de más reclamar a las productoras que estamos hartos de tanto slasher plomizo, qué estamos cansados de scream queens corriendo (encima vestidas) por en medio de los bosques huyendo del psicópata de turno, que ya estamos irritados de tantas localizaciones oscuras, ya sean minas, cavernas o líneas de metro, de actores que más bien parecen modelos de catálogo de centro comercial. Qué la violencia sanguinaria en el horror teen actual luce mucho más con batutas galas o niponas, que un desnudo, aunque sea integral, no basta para mantener el interés de la pajillera audiencia adolescente durante hora y media, que apesta que después de una década continuemos estancados en los esquemas de la trilogía de “Scream” o “Sé lo que hicisteis el último verano”, etc… Todo esto sería válido si la película se hubiera estrenado en 2D… Afortunadamente no ha sido así.

“San Valentín Sangriento 3D” es la película de terror que más me ha hecho saltar de mi butaca desde tiempos inmemoriales. El culpable no es su director, Patrick Lussier, un profano que se atrevió incluso a mancillar el nombre del más honorable de los condes en la insultante “Drácula 2001”, ni de las chillonas Jaime King (“The Spirit”) y Megan Boone, sin la suficiente delantera para enderezar el tedioso desarrollo de la historia; tampoco de los guaperas Kerr Smith(“Destino final”) y Jensen Ackles (“Sobrenatural”) con sus dos registros, niño bueno-chico malo, incapaces de acercarse al clásico héroe de acción. Tampoco me asombraron los meritorios pero superados efectos de maquillaje, ni por supuesto el matarife de turno, al que llevamos viendo treinta años en la pantalla. No, lo que hace de esta película algo diferente es totalmente ajeno al equipo artístico, la verdadera atracción son las gafas polarizadas que te dan en la sala de cine cuando enseñas tu entrada. Una ventana a un nuevo mundo.

Lejos de aquellas entrañables pero poco útiles gafas de cartón con un cristal (más bien plástico) de cada color, tan extendidas en nuestro país durante los años 80 y primeros noventa, (que lo único que conseguían era dar dolor de cabeza y ver a Freddy Krueger a través de un filtro blaugrana), estas nuevas gafas, a pesar de su aspecto ortopédico realmente funcionan.

La magia es posible gracias a que la película está grabada con cámaras estereoscópicas, las cuales graban con dos objetivos en vez de uno. Al reproducir lo grabado la imagen se ve borrosa, las imágenes están polarizadas en ángulos diferentes, cada cristal de las gafas 3D está polarizado para recibir una de las dos imágenes, de este modo cada ojo envía una imagen al cerebro, dando volumen a los objetos percibidos.

Gracias a este invento, por el que William Castle hubiera matado sin dudar, el cine vuelve a recuperar el espíritu de barraca de feria, una película tan previsible, repetitiva y mediocre como “San Valentín Sangriento” se convierte en el complemento ideal para una sesión retro freak inolvidable. La simpleza argumental de la propuesta hace que podamos desconectar el cerebro centrándonos sólo en las maravillas que nos ofrece la visión estereoscópica (prueben la experiencia epiléptica de pasar el dedo intermitentemente por el sensor situado en el medio de las gafas), cada aparición del psicópata en pantalla nos hace temblar de emoción, tan pronto nos lanza el pico a la cara como nos salpica con la sangre de sus víctimas, lo que en otras circunstancias sería un absoluto aburrimiento se convierte en una gratificante gamberrada intensamente vivida.

La plana propuesta es de lo más indicada para experimentar el invento por primera vez, sólo si te gusta ver litros de sangre bañando la pantalla, claro; ahora faltan por descubrir los talentos que nos vaya deparando el nuevo medio, el plano cobra ahora una nueva dimensión en el sentido literal. James Cameron parece tomar ventaja de momento, su tráiler de “Avatar” en este nuevo formato es superlativo, impresiona más que el metraje completo de la tontería filmada por Patrick Lussier.

¡En U.S.A ya está en DVD!

PEOR... ¡IMPOSIBLE! XI, TERCER ASALTO. DEL HUMOR AL HORROR.

2009-09-16T04:25:00.000-07:00

Continuando con el interrumpido repaso a lo que deparó este año el ciclo “Peor… ¡imposible!”, les dejo este post con lo proyectado el ya lejano miércoles 26 de agosto.

El día estuvo dedicado al cine de género europeo, incluyendo un coloquio con la presentación del estupendo libro “Hecho en Europa, cine de géneros europeo, 1960-1979” coordinado por Javier G. Romero y editado por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular. Un servidor, al igual que todos los asistentes al evento se lo llevó por la cara, otro lujazo más dentro de esta mágica iniciativa.

“Argoman”, la película de Sergio Grieco fue la encargada de abrir el día.

LA HISTORIA: Las joyas de la corona británica han sido robadas, a pesar de que la ladrona, Jenabelle, ha dejado firmado (literalmente) su crimen. Scotland Yard sospecha de Argoman, ambiguo héroe con gusto por lo ajeno. El inspector Lawrence, encargado de la investigación busca consejo en Sir Reginal Hoover, un aristócrata play-boy con información privilegiada sobre las actividades criminales. (hecho bastante lógico teniendo en cuenta que el personaje en cuestión es en realidad Argoman).

Por muchas películas de super-héroes que uno haya visto es imposible estar preparado para esta locura. En realidad, más que ante un super-héroe nos encontramos ante un super-espía mutante… ¡cómo suena!. Argoman tiene superpoderes, siendo el más destacado la telequinesis, pudiendo mover objetos (aunque hasta cierto tamaño). Su indumentaria con mayas amarillas, pasamontañas y capa negros unido a esas gafas futuristas en plástico rojo le confieren un look muy similar al de Cíclope, el mutante de los X-Men. Además sus ojos se iluminan de la misma manera cuando hace uso de sus poderes psíquicos.

Lo más hilarante de Argoman no son sus poderes sino una de sus debilidades. Todas sus extraordinarias habilidades quedan en suspenso las seis horas posteriores a la práctica sexual, lo que por supuesto no va a impedir que este Sir esté todo el día en celo. Este particular es de lo más ingenioso de la trama, acarreando memorables conversaciones entre Reginald y su preocupado mayordomo Chacra, siempre pendiente del reloj para ver cuando el señorito puede volver a entrar en acción.

No son pocas críticas las que apuntan a la serie televisiva de Batman de Adam West como fuente principal del personaje. Razón no les falta, sobre todo por la ridícula vestimenta de Argoman (aunque éste cambie el azul por el amarillo Diabolik) y las irrisorias escenas de acción (la manera afeminada en la que corre Roger Brown es de lo más delirante de la película). Sin embargo los personajes son totalmente contrarios.

Batman es un héroe enmascarado que se hace pasar por play-boy cuando ejerce de Bruce Wayne para distraer a los malhechores dada su faceta pública en Gotham mientras que Argoman es un auténtico vividor que disfruta en su mansión situada en una paradisíaca isla mediterránea y que usa su tecnología al servicio del placer antes que de la justicia. Para muestra esa chorva-agenda en pantalla de vídeo que va mostrando a las apetecibles señoritas que el galán suele frecuentar y que permite además acceder a video llamada, la escena en cuestión muestra a la damisela mientras se da un burbujeante baño.

Teniendo en cuenta que Sir Reginald, pues el canallesco personaje tiene tanto o más protagonismo que el propio Argoman, utiliza su personalidad super-heroica para espiar las actividades delictivas, pero al mismo tiempo su naturaleza es eminentemente epicúrea (estamos ante un mujeriego empedernido que además se divierte jugando con su gobierno ya que suele robar cosas él mismo para más tarde devolverlas), se podría concluir que la película debe tanto al género de super-héroes como al Spionistico, (corriente italiana de explotación surgida al rebufo del éxito del super-agente británico James Bond). Sin duda existen más paralelismos entre el personaje creado por Ian Fleming y Argoman que con el héroe enmascarado de los comics de la DC, aunque sea en su colorista versión televisiva.

LA ESCENA: Después de quedar con una de sus amigas a través de su espectacular chorva-agenda, Sir Reginald, aburrido, ve pasar a una atractiva chica en bikini a bordo de su hovercraft y haciendo gala de sus poderes arrastra a la joven hasta su casa para proponerle un estimulante juego. Como si se tratara del plató de “El precio justo”, el play-boy, mando a distancia en mano, abre una habitación ocupada por un Rols-Royce y unas joyas, a continuación abre otra en la que hay una cama… parece que la apuesta está clara. La hembra accede a jugarse sus encantos al lanzamiento con arco y, tras un fallo estrepitoso, el dandy consigue su objetivo. Tras la cópula la mujer vuelve a empuñar el arma haciendo un certero lanzamiento aunque, humildemente, accede sólo a quedarse con las joyas pero el generoso Sir le regala además un abrigo de piel, que Chacra le pone a la dama cual azafata televisiva.

Lo más gracioso del tema es que al final resulta que la atractiva joven que casualmente pasaba por allí resulta ser Jezabell, la supervillana de la función. Un personaje habitual en las producciones populares, la super mujer, inteligente, atractiva y decidida, al servicio del mal que finalmente cae rendida ante los encantos del héroe al servicio del bien (aunque en este caso sea el propio).

El divismo de Jezabell queda manifestado en la carta que deja cuando roba las joyas en la que firma como la reina del mundo. Pero nada más fidedigno que sus vestidos, diferentes en cada escena, siendo cada uno de ellos más estridente que el anterior, que van en consonancia con el resto de la producción.

El final de la película es para enmarcar, no quiero desvelarlo porque merece la pena verlo, tan sólo señalaré que entronca perfectamente con esa amoralidad tan característica de estos héroes.

“Los 3 superman en la selva” de Bitto Albertini. (Che fanno i nostri supermen tra le vergini della giungla? España-Italia, 1971)

El nombre de Bitto Albertini es indisociable del cine de género italiano, tanto en producciones únicamente del país trans-alpino como en coproducciones. Desde su juventud hasta pasados los sesenta años de edad, Bitto, quien firmara en ocasiones con pseudónimos como Adalberto Albertini, Stanley Mitchel o Ben Norman, dedicó toda su carrera a la realización de películas destinadas al entretenimiento. Combinando diferentes tareas dentro de la elaboración cinematográfica, desde operador de cámara hasta guionista, tocó todos los géneros posibles en el ya de por sí rico mundo del cine de género europeo. Colaboró en pseudo bonds como “Agente segreto 777” o “002 agenti segretissimi”, dirigió auténticos clásicos del exploit erótico, suyas son las dos primeras partes de “Enmanuelle negra”, y, por supuesto, contribuyó al cine de superhéroes en mallas con “Goldface, il fantastico superman” y un par de títulos de la saga de los supermen, además del que nos ocupa también fue el responsable de la segunda película de la saga “Los tres supermen en Tokio”.

Aunque a día de hoy nos pueda parecer increíble, las películas de los supermen eran tan populares en su época que llegó a filmarse una saga completa con las aventuras protagonizadas por estos tres personajes: “Tres superhombres” (I fantastici tre supermen), “Tres superhombres en Tokio” (Tre supermen a Tokio), “Los tres supermen en la selva (Che fanno i nostri supermen tra la vergini Della giungla?), “Así la armaron los 3 superhombres en el Oeste” (…E cosi divennero i tre supermen del West). Hasta aquí la saga italiana, que luego se vería completada en 1986 por la postrera “Tre supermen a Santo Domingo”, por el medio la cosa se desmadró todavía más y se pergeñaron productos de acongojante sonoridad como “Hong Kong 3 supermen desafío al Kung Fu”, “3 supermen contra el padrino” (en gloriosa coproducción con España y Turquía), “3 supermen at the Olympic Games” o “Super Wan Tu Tri” (no, el título no fue idea de las Azucar Moreno, la cosa se realizó en Filipinas), “Supermen and Mad Girl”, primer exploit turco, tiene un título incluso serio en comparación con el resto.

Nos encontramos pues en la tercera aventura de la saga. Dos de los integrantes del heroic trío están a punto de ser colgados por el pescuezo en una remota tribu. La CIA no duda en interrumpir la boda del tercero en discordia para que salve a sus compañeros y, junto a ellos, lleve a cabo una misión de vital importancia para el devenir de EE.UU. Han de comprar un territorio perdido en mitad de sabe dios que selva antes de que lo hagan los soviéticos, pues es de una importancia estratégica vital.

Como se podrán imaginar la trama no es más que una excusa para ver a los 3 supermen desvariando por en medio de la selva (en realidad Torrelodones, Madrid), ligando con una tribu gobernada por mujeres (todas ellas muy bien peinadas y maquilladas), y peleando con los soviéticos, encabezados por Frank Braña, que bailan al estilo Kasatchok cada vez que les sonríe la suerte.

Una de las cosas que más se agradecen es la extraña relación entre el trío protagonista. Lejos de llevarse bien, como buenos superhombres, están en constante lucha. La pareja formada por Martin y Dick intentan a la mínima ocasión traicionar al bueno de Steve, que no escarmienta de las jugarretas de sus compañeros.

Los personajes responden al típico patrón de comedia. Por un lado tenemos al buenazo, Steve, que además de ser el más valiente es el más apuesto (interpretado por el culturista-actor? Brad Harris), Martin es todo lo contrario, pensando sólo en su propio bienestar arrastrará a Dick en sus fechorías, el personaje más puramente cómico, capaz de comunicarse con los animales pero no con los seres humanos.

Una comedieta aderezada con tribus caníbales y bellas féminas ligeras de ropa que curiosamente hace más gracia cuando intenta funcionar como película de aventuras. Las partes cómicas fracasan por su excesiva ingenuidad que las hace demasiado previsibles, como la escena en la que Steve explica a Dick lo abiertos que hay que tener los ojos en la selva dada la peligrosidad del entorno mientras él mismo es acechado por serpientes y tarántulas sin percatarse.

“Las garras de Lorelei” (Amando de Ossorio, 1974)

El tristemente desaparecido director gallego Amando de Ossorio, conocido sobretodo por su tetralogía sobre los caballeros templarios-zombie, fue el encargado de cerrar la noche con esta curiosa versión hispánica de las leyendas del folklore germano.

LA HISTORIA: Una pequeña población a orillas del Rhin vive atemorizada tras la consecución de una serie de asesinatos especialmente sangrientos. La leyenda de Loreley, una sirena germana que necesita alimentarse del corazón de vírgenes para mantenerse con vida, parece estar detrás de los terribles sucesos.

El internado femenino del pueblo, objetivo lógico de la asesina, contrata a un joven cazador para que vigile las instalaciones. La llegada del forastero supone una auténtica revolución entre las jóvenes, que no están acostumbradas a la presencia de hombres en su residencia; sin embargo, el joven parece más interesado en una misteriosa mujer que surge inesperadamente de las aguas. Desoyendo las leyendas populares el joven continúa su relación con Loreley, mientras continúan los asesinatos, hasta que es seducido por una de las encargadas del internado siendo descubierto por su misteriosa amante.

Ante todo hay que dejar claro que estamos ante un auténtico bodrio, que nadie se deje embelesar por cantos de sirena, las leyendas germánicas de los nibelungos, el héroe Sigfrido y la propia Loreley, todos juntos y revueltos, lejos de dar interés a la delirante trama, le dan una pretensión vacía e innecesaria que consigue convertir en tedioso el desarrollo del metraje.

Si hay algo que invite a su visionado es el impresionante plantel de féminas que presenta la producción. Loreley está encarnada por Helga Liné, auténtico fetiche del cine fantaterrorífico y de destape, que un año antes había trabajado con Paul Naschy en “El espanto surge de la tumba” y con el mismísimo Santo en “Santo contra el Dr. Muerte”, las virtudes (anatómicas) de esta señora creo que han quedado bien claras a lo largo de su dilatada filmografía, al igual que la buena de la película, una impresionante Silvia Tortosa, años antes de ser portada de Interviú.

Las mujeres de la época quizá disfrutaran de un Tony Kendall recién salido de “La frusta e il corpo” de Mario Bava, que aquí anda totalmente perdido, aunque eso sí, marca paquete en sus embutidos pantalones de campana y exhibe torso durante la mayor parte del metraje, siempre con su rifle cerca. Sus andares chulescos son lo más reseñable de su interpretación, aunque es justo decir que hay que ser muy hombre para recitar esos diálogos que ponen en su boca, como cuando ya muy avanzada la trama, estando clara la causa de las muertes, ejerce como detective diciendo: “Aquí hay algo sobrenatural”. Quizá se le pegara la verborrea de su amante Loreley que al principio de su relación le espeta un: “Has pensado en nuestro futuro”, la muchacha se ve que tanto tragar corazones no pierde el optimismo.

A parte de hacernos reír involuntariamente y alegrarnos la vista con los jóvenes protagonistas, la película destaca por la resolución de cada uno de los asesinatos, especialmente virulentos, no se escatima en sangre ni en violencia. Dejando de lado el disfraz de monstruo que representa la transformación de Loreley la cámara se recrea en más de una ocasión en primeros planos de casquería que resultan efectivos a pesar de su tosquedad en lo que al apartado técnico se refiere.

GAMER

2009-09-08T08:56:00.000-07:00

“Gamer”
Director: Mark Neveldine, Brian Taylor.
Guión: Mark Neveldine, Brian Taylor
Intérpretes: Gerard Butler, Amber Valletta, Michael C. Hall, Kyra Sedgwick, Logan Lerman, Alison Lohman, Terry Crews, Ramsey Moore, John Legizamo, Milo Ventimiglia, Ludacris, Aaron Yoo, Jonatahn Chase, Dan Callahan, Brighid Fleming, Johnny Whitworth, Keith Jardine.
(EE.UU, 2009)

Sinopsis:

E.E.U.U en un futuro indefinido. Ken Castle, un excéntrico científico, ha creado un chip que mediante la transmisión de nanocélulas permite controlar la voluntad de la persona a la que le ha sido implantado. Gracias a ello, y aprovechándose de la popularidad de la que gozan los videojuegos y los reality televisivos, Castle desarrolla una serie de videojuegos online entre los que destacan “Society”, (la versión de “Sims” que permite controlar verdaderos seres humanos) y “Slayers” (juego de guerra al estilo “Call of Duty” donde los combatientes son en realidad reclusos controlados por gamers).

Kable, el personaje más admirado de “Slayer”, se encuentra a tan sólo cuatro partidas de obtener la libertad. Nadie hasta el momento ha vivido hasta superar las treinta batallas que permiten abandonar la prisión y él luchará hasta el final para recuperar su verdadera vida, aquella que está junto a su mujer y su hija. Por otro lado Simon, un adolescente rico, es el gamer que con destreza maneja a Kable en su cruzada, pero para él, como para el resto de la población (exceptuando el grupo de resistencia “Humanz”, que constantemente piratea la red de Castle) no es más que un personaje de un juego cuya vida tan sólo vale su prestigio como gamer.

Neveldine/Taylor son la frenética dupla de directores responsables de “Crank”, auténtico bombazo del cine de acción contemporáneo en su vertiente más salvaje y, eminentemente, heterosexual. Con el estreno en España de su secuela aún pendiente nos entretienen mientras tanto con altas dosis de violencia, cyber sexo bizarro y futurismo pop, con este juguete electrónico de última generación ideal para refrescar la última etapa del verano.

A pesar de la fuerte influencia estética de los videojuegos en primera persona o de los videoclips, la película deja un regusto ochentero tras su visionado. Las similitudes argumentales con ese gran clásico de la Sci-Fi hipermusculado titulado “Perseguido” (The running man), son más que evidentes. No sólo por el planteamiento, (presos que se juegan su libertad a costa de perder su propia vida en un hiper-violento concurso televisivo para el regocijo de millones de espectadores), sino por la figura del héroe que, encerrado injustamente, se encargará de demostrar su libertad ante el mundo y acabar con el poderoso que le puso contra las cuerdas.

Con esta máxima tan característica del Peplum más plano (el parecido de Kable con el Máximo de “Gladiator” es más que razonable) bajo la turmix más o menos postmoderna de Neveldine/Taylor el resultado es un auténtico festín para el amante del cine directo carente de pretensiones.

La acción del relato se desarrolla en tres escenarios bien diferenciados, por un lado están los dos reality games: Slayers y Society; por el otro la alucinada y perversa realidad.

SLAYERS:

La sangre riega las pantallas de los extasiados televidentes en “Slayers”. Paisajes urbanos, grisáceos y desolados, son el lugar ideal para que los “psicópatas del corredor de la muerte” obtengan su “merecido” a manos de sus propios compañeros en un baile de fuegos cruzados que, a través de rápidos barridos, apabullan nuestras retinas. En un país dónde el sistema penitenciario se encuentra saturado y la guerra por televisión es un gran negocio, ningún programa podría tener más éxito que este.
La gran atracción de esta salvaje realidad es el duro de Kable (Gerard Butler), identidad virtual de un hombre injustamente encarcelado al que han alejado de su familia, quien recupera la fiereza de Leónidas para convertirse en un gladiador que no dudará en despedazar a todos sus oponentes con tal de recuperar a su mujer y su hija.

SOCIETY:

Para los amantes del colorín,el ligoteo, y la fiesta, Castle también tiene su dosis. Idiotizados durante años ante reality shows, construyendo personajes que asuman los roles que a ellos les gustaría desempeñar en la vida real en un juego on-line sobre relaciones sociales, los clientes de “Society” pueden experimentar mediante realidad virtual todo aquello que les era negado en su triste existencia.

A través de una escena al acertado ritmo de “Discovery Chanel” de los Bloodhound Gang, se describe con excelente precisión visual todo lo que significa “Society”. Colores chillones, estilismo hortera, cuerpos duros con ropa ajustada que danzan como idiotas en medio de una plaza a la luz del sol. La lúbrica presencia de Amber Valetta, en la piel de Angie (esposa de Kable), se erige en diosa del ciber-universo pop con sus bragas ajustadas y su peluca blanca, cortesía del seboso pervertido que mueve sus hilos al otro lado de la red.

REALIDAD:

La brutalidad de Slayers y la frivolidad de Society se aúnan en una sociedad sin valores en la que la vida privada vale exactamente lo mismo que el PPV. Con las grandes corporaciones televisivas controlando a su antojo el gusto del público el megalómano Ken Castle se erije como dios absoluto. El pérfido multimillonario, interpretado por un sorprendente e histriónico Michael C. Hall en clara consonancia con su rol televisivo en “Dexter”, domina el mundo con sus ingenios mecánicos dignos del Mad Doctor más psicotrónico de la serie Z.

La escena final con el previsible duelo entre Máximo/Kable y el malvado Castle es tan artificial como refrescante, con claras resonancias al Bond más delirante (la mansión de Castle recuerda a la del personaje de Christopher Lee en “El hombre de la pistola de oro”) se introduce, además, el musical de Broadway entre el previsible reparto de hostias. Nuevamente el videoclip vuelve a ser un recurso, para algunos manido, que saca petróleo en manos de aquel que sabe manejarlo a su antojo.

En definitiva una película de acción cuya coartada de crítica social lejos de hacer reflexionar al espectador como lo hicieran ilustres predecesoras en el género como “Desafío Total” o “Terminator”, no impide el disfrute de un espectáculo pirotécnico mucho menos vacío y más divertido de lo que la mayoría comenta, con grandes momentos de comedia gamberra que son ya un sello característico de sus autores (no se pierdan el acalorado y alocado encuentro entre Amber Valletta y Milo Ventimiglia).

ANTICHRIST

2009-08-31T19:03:00.000-07:00

Aquí está el complemento a la crítica vertida en El Lamentoy de Portnoy sobre la película. Por supuesto no podía estar más en desacuerdo, lo de que fuera pactado o no carece totalmente de importancia. Teniendo en cuenta la especial naturaleza de esta reseña he rehusado de mi formato habitual con ficha técnica y sinopsis para adaptarme mejor a esta especie de diálogo on-line.

Un oscuro sonido, como salido de otro tiempo se antepone al primer rótulo que vemos en pantalla: “Lars Von Trier”. El escrito, en tiza roja y verde, permanece unos segundos sobre la pantalla, desafiante, parece que quiera decirnos algo, incluso en nuestro cuerpo llega a producirse un atisbo de inquietud... pero finalmente no sucede nada, simplemente otro rótulo, esta vez con el título de la película, le sucede.

Ese abismo será el terreno por el que el director danés intenta dirigirnos durante toda la película, un abismo vacío, tan vacío como las vidas de sus protagonistas, una pareja burguesa que ve como su burbuja de felicidad construida sobre los cimientos de la racionalidad de la cultura occidental se viene a bajo tras la pérdida de su hijo en un accidente doméstico.

El artificio con el que Lars Von Trier describe el accidente en ese prólogo utilizando el ralentí, insertando fotogramas de sexo explícito y utilizando música clásica para describirnos el fogoso coito de sus protagonistas nos acompañará durante toda la película. El resultado final es el mismo que el de los anuncios de una conocida marca de cava, visualmente brillante pero emocionalmente vacío, inútil.

Al igual que en esos anuncios pomposos, elitistas, burbujeantes, Von Trier sabe escoger a sus estrellas para interpretar lo mejor posible el papelón correspondiente. Charlotte Gainsbourg está correctísima en su interpretación reflejando su estado en cada uno de los episodios en los que se divide la película, aberrante final a parte, que son a su vez reflejo de los diferentes pesares que martirizan su mente, a saber: Tristeza, desesperanza y dolor, la tríada teológicamente denominada como los tres mendigos. Willen Dafoe da vida al marido terapeuta cuya arrogancia y condescendencia le llevan a ocuparse personalmente de su mujer, pues él es el más indicado para ayudarla, a pesar de que su relación se resume en conversaciones intranscendentes entre fornicación y fornicación.

Para superar el trauma emocional la pareja decide dejar la ciudad e irse a una apartada cabaña del bosque, llamado Edén (¡que simbolismo, maestro!), antítesis del paraíso. El sombrío y salvaje paisaje podrían ser un reflejo perfecto del infierno. Allí, entre brumas, animales salvajes (de nuevo simbolismo simplón, ciervo, zorro) y una casi constante y desesperante lluvia de bellotas la situación lejos de arreglarse se hace cada vez más insostenible. Mientras él le da a ella lecciones de como superar la muerte de su hijo mientras va experimentando extrañas visiones en el bosque, ella se balancea entre la repentina recuperación y la definitiva locura, siendo el sexo compulsivo lo único que parece calmar su ansiedad, como si en el pene de su pareja se escondiera su salvación y no en su fatua palabrería.

Cada vez está más claro, sino lo estaba ya al principio, que él es un pelele que no tiene consciencia alguna de la situación a la que se enfrenta. Lejos de la ciudad, sometidos a la crueldad de la naturaleza (“la naturaleza es la iglesia de Satanás” como se dice en la película) la racionalidad carece de sentido, siendo las fuerzas más oscuras y antiguas las que rigen el devenir de los acontecimientos.

Con esta máxima tan manida en el cine de terror y yendo aún más allá cuando pone en boca de la mujer la siguiente frase “si la naturaleza es inherentemente malvada, la naturaleza de la mujer, por lo tanto, es inherentemente malvada” Lars Von Trier nos presenta un personaje femenino totalmente desequilibrado que personifica la maldad ancestral de la hembra defendida por las principales religiones monoteístas (judaísmo, cristianismo e islamismo). Ese repentino cambio en la protagonista femenina es justificado mediante un flash-back que pretende ser la explicación final del sadismo perpetrado en la última parte de la película, que por otro lado, causa más gracia que desasosiego, con la famosa escena que tantas ampollas levantó en Cannes a la cabeza.

La última obra de Lars Von Trier, por tanto, ni siquiera consigue provocar o escandalizar, por lo menos a cualquiera que esté familiarizado o haya visto el cine de Nagisa Oshima, Kim-Ki Duk o Takashi Miike. (aunque teniendo en cuenta la gratuidad de la mayoría de barbaridades quizá estaría más próximo a Lucio Fulci, sin la sana morbosidad del italiano, por supuesto) Está muy lejos de sus pretendidos referentes, Dreyer, Bergman o Tarkovsky, las comparaciones nunca fueron tan odiosas (la dedicatoria final ofenderá a quien quiera entrar en el juego, a mí me hizo tanta gracia como el resto)

Dejando a un lado la bellísima fotografía de Anthony Dod Mantle, los impecables efectos de maquillaje (lo único que le haría pasar como ejemplo de cine de terror digno, eso y su naturaleza descaradamente comercial) y la descarnada interpretación de Charlotte Gainsbourg, el resto es simplemente un ejercicio de onanismo que supura mediocridad.

No nos dejemos engañar por cuatro puntuales escenas oníricas que a parte de ser visualmente atractivas poco o nada aportan a la historia, la película lo que vende es sexo, sangre y muerte valiéndose de dos actores de reconocido prestigio y apoyándose en un guión endeble por los cuatro costados que hace avanzar la historia caprichosamente. Todo lo citado anteriormente me parece totalmente respetable, pues es lo que hace cualquier producción de serie B o Z buscando vender el mayor número de entradas posibles. Películas con las cuales suelo disfrutar, la diferencia es que estas películas son honestas, no tienen ínfulas autorales ni pretenden ser más de lo que son, mero entretenimiento, teniendo en ocasiones mayor carga psicológica y haciendo reflexionar más al espectador que la pretenciosa obra de Von Trier.

¡PEOR...IMPOSIBLE! XI. SEGUNDO ASALTO. DE VIEJOS HÉROES OLVIDADOS EN SU CRUZADA CONTRA EL MAL.

2009-08-31T04:16:00.000-07:00

La segunda sesión del ciclo congregó aún a más gente que en el estreno, tanto es así que la sala principal, con capacidad para 120 espectadores se quedó pequeña y los más remolones, que siempre llegamos a en punto tuvimos que subir a una sala situada en el primer piso del Antiguo Instituto para poder disfrutar del espectáculo.

La película elegida para la primera sesión era la japonesa “Golden Bat”, dirigida por Hajime Sato en 1966. Esta modesta e imaginativa producción rinde homenaje al peculiar personaje que da nombre al título, un extraño superhéroe que recuerda iconográficamente al fantasma de la ópera y que se encuentra en su tumba de la Atlántida hasta que un grupo de científicos lo despierta casualmente. Sus primeras apariciones fueron en el manga allá por los años 30, la popularidad le llevó a la gran pantalla en este largometraje y finalmente tuvo una adaptación al anime en los años 80.

LA HISTORIA: Un chico descubre que un cuerpo celeste está próximo a la tierra y es reclutado por un grupo de científicos que trabajan en el más alto secreto al servicio de la ONU (tal cual). Según los cálculos a la tierra le quedan diez días de vida hasta la colisión. Tan sólo la puesta a punto de una super-arma, “el super cañón del rayo de destrucción”, aún sin terminar podría evitar la catástrofe. Un inesperado viaje a la Atlántida, que surge repentinamente de la profundidad del océano, permite descubrir a la expedición la piedra roseta que les faltaba para hacer funcionar el destructivo ingenio, un extraño mineral escondido en la tumba de Golden Bat. Un ejército de alienígenas a bordo de una nave-taladro que les permite introducirse por debajo de la corteza terrestre arrebatan el mineral a los terrícolas pues con el super-arma a punto serían invencibles, lo que haría imposible su pretendida colonización de la Tierra. Golden Bat es ahora la única esperanza de la raza humana para recuperar el arma que permita derrotar a los extraterrestres y destrozar el cuerpo celeste antes de que colisione con el planeta destruyéndolo para siempre.

La película cuenta con todos los elementos característicos de la gloriosa sci-fi pergeñada en los años 50 en U.S.A bajo el apretado presupuesto y la ilimitada imaginación que la serie b le permitía, a saber: Humanidad en peligro por ataque alienígena, científicos en busca del arma que repela al invasor, lenguaje pseudo-científico, decorados y vehículos espaciales a base de maquetas. Pero los japoneses no podían quedarse ahí, su turmix cultural plagada de referencias provenientes de latitudes dispares, (desde su tradicional y milenaria cultura clásica hasta la enorme influencia que ejerció el gigante estadounidense a partir del fin de la segunda guerra mundial) les hace introducir elementos como este superhéroe de saldo con capa, bastón y calavera dorada de goma que va repartiendo mamporros alegremente a la vez que se burla con su sardónica risa de los enemigos caídos. El tipo es tan fino que además de quitarse de en medio a golpe de bastón a todo un planeta con ganas de colonizar la tierra le da tiempo a soltar alguna frase fardona entre risotada y risotada para después largarse volando, literalmente.

La pinta de los alienígenas es uno de los puntos fuertes de la película (aquí los nipones siempre supieron enriquecer y/o enloquecer mejor sus producciones) sobre todo desde el punto de vista estético. El traje del líder extraterrestre es de lo más zetoso visto en una pantalla, algo así como un koala de peluche de metro ochenta, si esto es el archienemigo de la raza humana desde hoy miraré con otros ojos a Espinete, pues seguro que él también proviene del mismo beligerante planeta. Los esbirros de turno tampoco tienen desperdicio, sobre todo los dos integrantes de sexo masculino (al no haber traje de cremallera la apariencia es totalmente humana), uno de ellos parece tener un ligero problema de licantropía y se depila las cejas al estilo Spock, mientras que el otro debió tener algún accidente con algún ácido corrosivo pues tiene la mitad de la cara bastante estropeada.

El bando de los buenos está encabezado por un forzudo Sonny Chiba, secundado por un mozalbete con inquietudes estelares (no en vano es el primero que descubre el peligro que corre la tierra ante la inminente colisión de un meteorito) y un viejo científico occidental doblado al japonés.

La psicotronía de la trama depara al espectador momentos realmente divertidos como la aparición y posterior desaparición de la Atlántida en mitad del océano como si tal cosa o el agradecimiento y promesa de servicio y protección de calavera dorada justo después de que ¡¡profanen su tumba!!

El diseño de producción, semejante por otra parte al de las producciones kaiju de los sesenta, además de un vestuario de lo más pintoresco nos regala una nave estilo thunderbirds dónde viajan los protagonistas y una magnífica e increíblemente útil nave a los alienígenas: Un espectacular taladro del tamaño de un rascacielos que además dispara rayos por sus ojos.

Lo peor de la peli es que no se hayan currado nada las coreografías desaprovechando así la presencia del mamporrero Sonny Chiba. Por el contrario esa falta de planificación aumenta considerablemente la risotada viendo como el gran Murciélago Dorado se abre paso con su bastón cual Cyrano de Bergerac.

Cambiamos totalmente de latitudes para disfrutar de la siguiente película “Karla contra los jaguares” es una producción colombiana de 1974 dirigida por Juan Manuel Herrera.

El profano al leer el título seguramente pensará que se trata de una superheroína luchando contra unas bestias feroces pertenecientes al reino de la selva o la tribu urbana indistintamente. Pues no. Karla es una rubia hitchckoniana, interpretada por la atractiva Marcela López Rey, de tremenda y apretada delantera con un cerebro privilegiado al servicio del mal y su propio beneficio. Ayudada por su fiel y fornido compañero, al que trata como si fuera su mascota (es imposible no acordarse del personaje de Ilsa), tiene a su servicio toda una banda de superhombres musculados a los que ha convertido en autómatas que utiliza para realizar robos de gran envergadura.

Los jaguares son la versión colombiana de los luchadores enmascarados mexicanos. A bordo de sus motos, con capa y máscara de jaguar se encargan de ayudar a las fuerzas del orden en su cruzada contra la delincuencia. En esta ocasión deberán enfrentarse a los temibles autómatas y capturar a la maquiavélica Karla para frenar la oleada de robos.

LA ESCENA: Posiblemente de lo mejor de esta edición de “Peor… ¡imposible!” Karla sale al enorme jardín de su mansión para ver de cerca el entrenamiento de los autómatas: Un montón de tíos musculados que hacen pesas como posesos mientras otros son adiestrados en artes marciales o prueban su puntería con armas de fuego. En medio de esta fiesta filo-gay uno de los autómatas se descontrola pegando de ostias a quien se cruce en su camino, tras una serie de planos-contraplanos desternillantes en el que la troupe de Karla mira tranquilamente como el coloso se ceba con uno de los adiestradores, la malvada líder coge una ametralladora para coser a balazos al juguete roto. A eso se le llama golpe de autoridad.

Otro de los momentos álgidos de la función es cuando uno de los jaguares en plena persecución de los malhechores no duda en derribar una puerta con su cabeza lanzándose en plancha a modo de ariete. Por favor, niños, no intentéis hacer esto en casa ni en el colegio.

La sesión golfa nos deparaba uno de los puntos más altos del certamen “Aullidos 2”… pero esa ya es otra historia.

PEOR... ¡IMPOSIBLE! XI, PRIMER ASALTO. EL ORGULLO DE SER UN OUTSIDER: REFLEXIONES Y PRIMERAS PROYECCIONES.

2009-08-27T17:09:00.000-07:00

Un año después de la decena está claro que ¡Peor… imposible! es, además de un ciclo cinematográfico empeñado en rescatar del olvido ese cine de derribo que tantas satisfacciones dio en los cines de barrio a los niños convertidos hoy, como diría José Ángel Garrido, en puretas ochentenos para darlo a conocer a las nuevas generaciones, una auténtica fiesta. Una fiesta llena de risas, aplausos y onomatopeyas. El equipo de Peor… ¡imposible! Ha convertido la sala de actos de el antiguo instituto en uno de aquellos antiguos y fríos cines de barrio asturianos que se calentaban cuando el público, especialmente el del gallinero, animaba al protagonista al grito de ¡hala mocín!

Cuarenta años después, superada ya la triste dictadura, aquel público que se agolpaba en las salas para disfrutar con sus ingenuos héroes, sumergiéndose en emocionantes aventuras, es presa de la mediocridad y estupidez que desprenden sus televisores, ocupando su tiempo de ocio en otras ficciones igual de populares pero mucho menos originales.

Tan sólo un pequeño reducto de eso que ahora a las gentes normales les da por llamar frikis (que supongo vendrá del original inglés freak para designar las atracciones humanas de feria) acudimos con ojos nuevos (en mi caso he de reconocer que normalmente la mayoría de los títulos nunca los había visto) o reciclados, en el caso de los más veteranos.

Lo que está consiguiendo este ciclo, al margen de darnos una semana de alegría a los fanáticos del cine de género en su vertiente más popular y desprejuiciada, es enseñarnos una historia del cine que no está escrita, como bien apuntó el propio Jesús Parrado en el coloquio de hoy.

Ese cine de evasión siempre anteponiendo el entretenimiento a las formas pero no siempre carente de discurso ni de segundas lecturas, tomando la explotación de las grandes producciones como punto de partida para dar rienda suelta a la imaginación en busca de productos originales, delirantes en ocasiones, que a través de su locura buscan suplir la falta de medios económicos y humanos.

Cada una de estas películas tiene un valor incalculable, desde los chirriantes modismos de la época, (desde el vestuario hasta la banda sonora pasando por los mareantes zooms), la locura e ingenuidad de sus diálogos, la falta de raccord, los personajes psicotrónicos o estereotipados e incluso los propios actores que los encarnan… Espartado Santoni, Tony Kendall, Frank Braña. Todos estos detalles, además de ser un documento fidedigno de la época y el lugar donde fue realizada la película, hacen de cada una de estas cintas una obra de arte a su manera.

Dentro de este rico, mágico y vasto mundo la temática escogida este años fue “Eros, héroes y superhéroes” el título de la edición lo deja bien claro y hasta el momento no nos podemos quejar de su programación.

Antes de los largometrajes el programa avisaba de la proyección de un corto sorpresa. En realidad no se trataba de un cortometraje sino del primer capítulo de la serie japonesa sobre Spiderman. Así es, existe una serie sobre Spiderman, el de la Marvel, en Japón, se rodó en 1978 y como os podréis imaginar teniendo en cuenta como se las gastan los nipones lo único que guarda en común con su homólogo yankee son los colores del traje, aunque un poco deslucidos.

Takuya Yamashiro es el personaje que se transforma en hombre-araña pero no es un loser que cursa estudios en la High School, éste es un motorista que recibe su poder, justo después del asesinato de su padre a manos del Ejército de la Cruz de Hierro, de un superviviente del planeta Spider que había sido masacrado por el mismo ejército (pa pillar también la mitología de superman de refilón) como estamos en Japón Spiderman no podría ser un héroe respetable sin un robot gigante a sus órdenes (otro poquito de Mazinger Z). El amasijo de acero en cuestión se llama Marveller (¡que cachondos!) y cuando se transforma para combatir toma el nombre de Leopardon.

El tono de la serie es de cachondeo puro y duro, con spiderman dando saltitos, colgando de cuerdas y escalando con bastante dificultad los edificios, verlo ponerse el traje es todo un espectáculo. Las peleas con las posturitas karatekas de la araña son tan ridículas como los efectos especiales, de las coreografías y la indumentaria de los malos parece que tomaron buena nota los creadores de Power Rangers para sus inolvidables masillas.

En definitiva una auténtica gozada con la que no pudimos parar de reír… ¡Ya podía copiar un poco Sam Raimi para sus adaptaciones!.

“Serpiente Sam” (Italia-Filipinas, 1989), Born to fight en su título internacional, la producción italo-filipina fue la encargada de abrir esta edición. Tras las cámaras el inefable Bruno Mattei, ante ellas el jeta de Brent Huff. Aunque para jeta la de su personaje, un remedo bastante chusco del Rambo del sagrado Sly e incluso con toques, según dicen (aunque yo no se los vi por ningún lado), de Cocodrilo Dundee.

LA HISTORIA: Sam Wood es un veterano de Vietnam que se pasa el día en bares de mala muerte hasta que recibe una jugosa oferta de una atractiva joven para rescatar a unos militares americanos en Vietnam. Al igual que en las secuelas de “First Blood” el temerario protagonista se las arreglará él solito para acabar con todos los enemigos y finalizar su misión con éxito.

LO MEJOR: Las frases de machito que se suelta el cachondo de Sam, en especial su repetitivo “Se puede hacer” respuesta recurrente ante cualquier adversidad.

LO PEOR: Que va perdiendo fuelle poco a poco hasta perderse en un sinsentido de matanzas y explosiones sin lograr mantener la chispa de su original pseudo-antecesora “Strike Comando”.

En definitiva un divertimento sanote que no engaña a nadie. Argumento habitual, diálogos machistas y ultra-conservadores e ingentes dosis de tiroteos y explosiones. Cine primario para fanáticos del músculo y el belicismo muy poco exigentes.

UN PAR DE DETALLES: El principio de la película pone el listón muy alto. Sam, en el interior de un bar, ataviado con su sombrero vaquero que le tapa medio rostro y con una señorita entre sus labios (emulando grotescamente al Clint Eastwood de la trilogía del dólar) coge una serpiente con sus propias manos hasta que consigue que expulse su veneno dentro de un vaso para, acto seguido, beberse su contenido para regocijo de los clientes del local.

El guión tiene bastante de culebrón. Una de las personas a las que Sam tiene que salvar, el padre de la chica que le propone la misión, resulta ser un superior suyo que le impidió en su día rescatar al resto de sus compañeros cuando se encontraban a su suerte entre los arrozales vietnamitas. Sam recuerda en un flash-back sentimentaloide y cutrongo como el superior va a visitarlo a la enfermería para prohibirle realizar esa acción suicida. Hasta ahí todo correcto, sino fuera porque la escena vuelve a repetirse unos minutos después… ¡y encima ampliada!.

“Los campeones justicieros” (México, 1971) Dirigida por Federico Curiel. Primera cita con las entrañables aventuras de luchadores mexicanos enmascarados, en esta ocasión sin la presencia de Santo, pero no sufran que el enmascarado de plata tiene película propia en el ciclo, faltaría más.

El espectacular reparto ya merece al menos un visionado: Blue Demon, Mil Máscaras, Sombra Vengadora, El médico asesino, Black Shadow, Tinieblas (el gigante), todos ellos por supuesto luchadores enmascarados. Pero por si esto fuera poco tenemos a un puñado de misses mexicanas en apuros que interpretan además a las ahijadas de los aguerridos luchadores. Así Miss Jalisco, Miss Chihuahua y sus compañeras se pasarán la película luciendo palmito y soltando gritos de pánico en la guarida-laboratorio de los malhechores.

El bando maligno lo encabeza Mano negra, al parecer viejo conocido del escuadrón de luchadores mexicanos al que ya daban por muerto pero que en lugar de eso se ha rodeado de unos cuantos secuaces: tres mediocres luchadores, sin enmascarar, a los que Blue Demon and company pegan una soberana paliza sobre el ring al comienzo de la película; Black Shadow, luchador enmascarado que no se sabe muy bien que pinta ahí pero que tampoco hace mucho y un pérfido y bizarro ejército formado por nueve enanos.

LA HISTORIA: Mano negra, ayudado por sus secuaces y por un maléfico ingenio que permite dotar a su ejército de enanos de la fuerza de diez atletas planea secuestrar a los luchadores enmascarados para convertirlos en autómatas y utilizarlos para sus oscuros fines al servicio de una superpotencia extranjera. Para conseguirlo rapta a todas las misses que se presentan al certamen de Miss México, que resultan ser las ahijadas de los luchadores, para utilizarlas como cebo.

LO MEJOR: El laboratorio de Mano negra y sus inventos imposibles. El ingenio que permite aumentar la fuerza de los enanos es una especie de embudo gigante que suena como el ring de un teléfono antiguo cada vez que se utiliza. Por supuesto no esperen ver transformado al enano en gigante tras salir del aparatoso artilugio, sale tal y como entró. Además el efecto de la máquina no dura demasiado tiempo, (a pesar del esfuerzo de Mano Negra, quien llega a crear unas pulseras que permitan mantener la fuerza de sus esbirros) lo que proporciona no pocas risotadas a costa de los pobres enanos que son lanzados por los aires por los luchadores en cuanto se desvanece su poder.

LO PEOR: Algo bastante común en las películas del Santo y en otras casposas producciones con Mad doctor de por medio. El malvado de turno siempre dispone de una televisión dónde ve absolutamente todo lo que ocurre con una excepcional realización que le permite ver en cada momento lo que le interesa… ¿Pero quién coño graba esas imágenes?, ¿Dónde están las cámaras?, ni siquiera se molestan en dar una explicación graciosa pseudos-científica de esas que tanto se estilan en estas producciones.

LA ESCENA: Médico asesino y Tinieblas (corríjanme si me equivoco de luchadores) haciendo guardia discretamente delante del portal de sus ahijadas. El primero en un descapotable, el segundo en pie dando vueltas de un lado para otro, por supuesto los dos enmascarados. ¡Eso si que es ir de incógnito!

FRASES PARA EL RECUERDO: Cada vez que los enmascarados se ponen a cavilar siempre surge algún diálogo destacable pero en esta ocasión la palma se la lleva el portavoz de los enanos. Un tipo de pelo cano y bigote quien ante la orden de su jefe de secuestrar a los enmascarados expone su postura: “Si hay alguien que pueda con los enmascarados son estos tres (haciendo referencia al trío de luchadores que tiene a su espalda) o Black Shadow, nosotros sólo somos unos miserables enanos” Uno ya no sabe si reír o echarse a llorar.

La sesión golfa estuvo reservada para el loco cine hongkonés, en concreto para “Roboforce” (Hong-Kong, 1988) Producción de Tsui Hark dirigida por David Changi dedicada a las peleas de robots, al parecer con inspiración de Terminador, los transformers y Metrópolis, ahí es nada. Desgraciadamente no pude asistir a esta proyección. A ver si hay suerte y me hago con una copia para poder comentarla próximamente.

DEL CALOR, LA DESIDIA Y EL AMOR POR LO RANCIO

2009-08-26T08:35:00.000-07:00

Más de un mes sin escribir un artículo es demasiado tiempo, de nuevo el mal guadianesco aqueja este blog, pero agosto es para mí el mes más cargado del año. A la asfixiante actividad laboral se suman los compromisos etílico-sociales, la célebre SEMANONA (Semana Grande para el visitante o foriatu) de Gijón, las ganas de disfrutar al aire libre de los escasos rayos de sol que bañan la Playa de San Lorenzo, que como buen playu hay que bañarse unas cuantas veces para prevenir los posibles catarros. En definitiva que mi maltrecha C.P.U ha tenido un descanso bien merecido y mi presencia ha brillado por su ausencia tanto de esta bitácora como en otras páginas amigas aquí presentes en la columna derecha.

Pero no se preocupen que el verano toca a su fin (aseguro que aquí en el norte así es, vaya si sopla el viento en cuanto se oculta el sol) y acaba de comenzar otra nueva edición de ¡Peor…. Imposible! El incombustible Jesús Parrado vuelve a regalarnos otra ristra de películas infames para goce de la cuadrilla de freaks (o como quieran llamarlo) que poblamos estas sombrías tierras.

De momento me estoy limitando a tomar buena nota de todos los desvaríos que estas impagables sesiones nos están ofreciendo en espera de encontrar tiempo para poder transcribirlas aquí y que todos puedan disfrutarlas.

El show que se montó ayer de noche con la proyección de “Aullidos 2: tu hermana es una mujer lobo”, con Christopher Lee encarnado a un investigador de lo oculto cazando licántropos con armas de titanio, fue una de las experiencias más divertidas que recuerdo del certamen, y ya vamos por la edición número 11.

Aquí dejo el enlace del programa para que se hagan una idea del desaguisado http://www.gijon.es/documentos/Departamentos/FMC/DptoDIFU/PEOR%20IMPOSIBLE%202009.pdf

Si quieren seguir el día a día del festi pueden hacerlo aquí http://elterrariodedonovan.lacoctelera.net/. La genial bitácora de otro paisano con buen gusto por el cine.

Ahí les dejo con el casposo videoclip de Aullidos 2

LA TOMA FINAL

2009-07-23T02:00:00.000-07:00

“Final cut”
Directores: Dominic Anciano y Ray Burdis.
Guión: Dominic Anciano y Ray Burdis.
Intérpretes: Jude Law, Sadie Frost, Ray Winstone, John Beckett, William Scully, Mark Burdis, Perry Benson, Lisa Marsh, Ray Burdis, Dominic Anciano.
(Reino Unido, 1998)

Sinopsis:

Once amigos se reúnen en el funeral de su joven amigo Jude. Su viuda, Sadie, les pide que acepten ver la película que el difunto había estado grabando durante los dos últimos años. La cinta resulta tener como protagonistas a los propios asistentes que habían sido grabados en casa de Jude por cámaras ocultas. Poco a poco se irán revelando todos los secretos del grupo.

Primera película de la dupla (interpretación, producción, guión y dirección) formada por Dominic Anciano (que gran nombre para un gangster italo-americano) y Ray Burdis. Habituales de la televisión británica son los creadores de la serie “Operation good guys” (1997). Dirigirían otro largometraje titulado “Love, honor and obey” en 2001. Prácticamente con el mismo elenco actoral, en el que destacan la presencia de Jude Law y Sadie Frost, desarrollarían en esta ocasión una historia sobre la mafia del sur de Londres pero sin abandonar su habitual tono ácido tan característico del humor inglés.

Anticipándose, al menos en nuestro país, al infame fenómeno televisivo de Gran Hermano, Dominic y Ray elaboran una trama de lo más simple y efectiva que aprovecha al máximo sus escasos recursos técnicos. Estamos ante una producción eminentemente modesta en la que su descuidado look imprime realismo a la historia. Apúntese a modo de anécdota que los nombres de los personajes son los mismos que los de los actores.

Apoyándose en un casting brillante la película nos hace enfrentarnos cara a cara con uno de los enemigos más temidos por el ser humano… la verdad. ¿Seriamos capaces de soportar las opiniones que realmente tienen de nosotros nuestros seres queridos? ¿Aguantaríamos estoicamente sentados en un sillón mientras vemos un video en el que nuestra pareja nos es infiel con nuestro mejor amigo? ¿Qué opinión tendríamos de nosotros mismos al vernos borrachos y drogados burlándonos de las debilidades de los demás? Nadie, absolutamente nadie, saldría indemne del ojo inquisidor de una cámara oculta.

Jude Law, inmenso en su papel de sardónico demiurgo, desnuda a sus invitados de la peor manera posible, sometiéndolos al juicio de la comunidad. Su viuda, Sadie, se encargará de que ninguno de los involuntarios protagonistas se escape de un sólo minuto de la proyección. Un experimento macabro que desenmascarará por completo la verdadera personalidad de los asistentes.

Tomando como base un guión, quizá demasiado forzado o condicionado de cara a la sorpresa final y cayendo en más de un ocasión en el estereotipo al describir las supuestas conversaciones privadas que mantienen hombres y mujeres en sus respectivos grupos (destacar la esperpéntica, aunque hilarante, escena en la que una de las chicas muestra a sus amigas las bolas chinas que siempre lleva en su interior), la premisa no deja de ser interesante. ¿Qué pasaría si todos estuviéramos siendo observados? ¿Alguna pareja aguantaría la revelación de la verdad? Esa es la dura prueba a la que se someten los amigos de Jude.

Al final de la película ningún personaje resulta simpático al espectador, desde el propio Jude, con su maquiavélico juego en pos de poner boca arriba la personalidad de cada uno de sus amigos hasta Sadie, orgullosa cómplice, pasando por la troupe de maltratadores, adúlteros, violentos, traidores, gorrones y, en general, indeseables que conforman el resto de la pandilla. Un panorama tan desolador como, desgraciadamente, convencional.

Toda la película está rodada como si de un documental casero se tratase. El vídeo rodado por Jude se divide entre secuencias con cámara fija o en mano grabadas con el consentimiento de los protagonistas y las secuencias recogidas por las cámaras ocultas situadas en las diferentes habitaciones de la casa y en los pubs donde solía reunirse el grupo. La parte rodada en el entierro, donde se producen las reacciones de los asistentes, está rodada cámara en mano por un supuesto profesional al que Sadie encargó rodar la ceremonia.

Este aire desnudo, amateur, juega claramente a favor de la producción, pues parece que estemos asistiendo a algo real (en una parte de la grabación Jude muestra el tipo de cámaras que utiliza para la elaboración de su “proyecto”), como si alguien se hubiera encontrado la cinta en casa de un amigo y nos la hubiera pasado. Es indudable por tanto el morbo voyeurista que suscita la película. No en vano, la cinta grabada por Jude se inicia con la grabación de una de las asistentes orinando en el water, violando brutalmente su intimidad y dando comienzo al espectáculo voyeur sin ningún tipo de concesiones del que nos va a hacer partícipes. ¿Qué es más enfermizo la actitud de la gente a espaldas de sus parejas y amigos o el ojo que espía tras la cerradura?.

Un entretenimiento tiernamente patético y fascinantemente culpable.

LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA (2009)

2009-07-06T22:51:00.000-07:00

“The last house on the left”
Director: Dennis Iliadis
Guión: Adam Alleca, Carl Ellsworth
Intérpretes: Garret Dillahunt, Michael Bowen, Joshua Cox, Riki Lindhome, Aaron Paul, Sara Paxton, Monica Potter, Tony Goldwyn, Martha Maclsaac, Spencer Treat Clark, Usha Khan.
(U.S.A, 2009)

Sinopsis (contiene spoilers, aunque muchos menos que el trailer):

El matrimonio Collingwood se traslada a su apartada casa de campo a pasar las vacaciones junto con su hija Mari. La joven, aún conmocionada por la reciente muerte de su hermano, va a buscar a su amiga Paige al supermercado en el que trabaja. Allí conocen a un chico llamado Justin, quien les ofrece marihuana de primera calidad. Las ganas de evasión de las jóvenes les hacen acompañar al recién conocido, a pesar de su siniestro aspecto, hasta la habitación de un motel. La súbita llegada a la estancia de Krug, (padre del chico), Frank (hermano de éste) y Sadie (compinche de ambos), en búsqueda y captura por el asesinato de dos policías, tendrá como consecuencia el secuestro de las jóvenes. Marie, en su intento de huída provoca un accidente, quedando el vehículo en el que viajaban destrozado en mitad del bosque. Los tres verdugos someterán a todo tipo de vejaciones a las jóvenes amigas hasta darlas por muertas. Justo en ese momento comienza una fuerte tormenta que les obliga a buscar refugio, sin saberlo, en el domicilio de los Collingwood, quienes les acogen amablemente hasta que descubren quienes son en realidad.

Wes Craven, uno de los iconos más reconocibles del fantaterror usamericano, creador de sagas tan populares como “Pesadilla en Elm Street”, o “Scream”, o títulos de culto como “La serpiente y el arco iris”, debutó en pantalla grande en 1972 con la primera versión de esta película que era a su vez un re-make inconfeso de “El manantial de la doncella” de Ingmar Bergman. Si bien el salvaje relato del director sueco ponía los pelos de punta, Craven iría mucho más allá, (salvando las enormes diferencias en la calidad cinematográfica, por supuesto). Cambiando el sobrio blanco y negro del maestro nórdico por una granulada y sucia fotografía en color llevó esta historia de justicia poética a los terrenos más irritantes del mal gusto. Cruentas y sucias escenas que recreaban los instintos más bajos del ser humano hicieron retorcerse al espectador en su butaca en la época de su estreno y permanecen más de treinta años después en las retinas de los más olvidadizos.

La salvaje obra de Craven estaba llamada a crear escuela. A lo largo de la década de los setenta se realizaron infinidad de películas ultra-violentas en las que la violación y la posterior venganza eran los motores que movían la historia. Modificando levemente el esquema de la obra pionera la venganza sería infringida por la propia protagonista. Entre la infinidad de títulos que se enmarcaron en el violento subgénero destacan la norteamericana “La violencia del sexo” (“I spit on your grave”, Meir Zarchi, 1978) y la sueca “Thriller-en grym film” de Bo Arne Vibenius, (1974) quien curiosamente trabajó como ayudante de dirección en “Persona” a las órdenes de Ingmar Bergman. Película descarnada e irrepetible que incluye escenas de sexo explícito de la que Tarantino tomó buena nota para su “Kill bill” en la creación de los personajes de Manba Negra y Elle Driver, esta última toma prestado el parche pirata de la protagonista del film sueco.

Nadie a estas alturas pone en duda el olfato comercial de Wes Craven capaz de recuperar el slasher para las multisalas y estirar franquicias eternamente, llegó incluso a dirigir a Eddi Murphy en aquel extraño híbrido entre terror y comedia titulado “Un vampiro suelto en Brooklyn” que no dejó muy satisfechos ni a los seguidores del actor, ni mucho menos a los amantes del cine de vampiros. No estamos por tanto ante un autor que se preocupe en demasía de su status pero sí del rendimiento en taquilla de sus obras y de los gustos del espectador actual, (otra cosa es que acierte con el).

La nueva versión de “La última casa a la izquierda” copia religiosamente los elementos que han hecho rentables a los últimos éxitos del cine de terror norteamericano. Fundamentalmente la película recuerda constantemente, (hay escenas gore que son un auténtico calco), a “Las colinas tienen ojos” el re-make dirigido por Alexander Aja, producido por Wes Craven, que se basaba en la película original de… ¿adivinan? El mismo Craven.

Si bien técnicamente no se puede reprochar nada a la película, salvo los mareantes barridos de cámara tan habituales en las escenas de lucha, se echa en falta la ambigüedad moral, la sordidez, la suciedad que empapaba el original, las escenas más impactantes (en la que Krug ordena orinarse encima a Phyllis o el asesinato de Frank víctima de una agresiva felatio de la Sra. Collingwood) son mutiladas en la nueva versión, recibiendo a cambio una escena de sodomización que dista mucho de crear el malestar que lograra Sam Peckinpah en otra peli setentera "Perros de paja". Algo que lógicamente era de esperar pues el cine de terror actual está en pañales en comparación con su padrastro de los setenta.

Los detractores del film original siempre le han achacado lo mal que ha envejecido, la chabacanería de su producción, la pobreza de su guión y sus flojas interpretaciones, a excepción de David Hess, y, desde luego, no les falta razón. Sin embargo, es bajo ese aire amateur donde la película adquiere personalidad, se convierte en algo diferente. La impasividad de las protagonistas ante las barbaridades a las que son sometidas es lo que le confiere ese aire perturbador, viciado.

Con este re-make se tenía la oportunidad de pulir todos estos aspectos conservando la mirada perversa de su predecesora. En lugar de eso, Dennis Illiadis, director griego escogido para la realización del filme construye una obra brutal, en cuanto al muestrario de violencia y la cantidad de sangre derramada (con un guiño gore especial que agradecerán muchos espectadores de la película original que no soportaron a la pareja de policías), pero demasiado solemne en su tratamiento. La cámara se recrea en el sufrimiento de las víctimas, y, aunque hay escenas de gran belleza estética (la huida a través del lago de Mari con las balas rozando su cuerpo bajo el agua, el salvaje apuñalamiento de Page que es penetrada por delante y por detrás… de su torso, por sendos aceros ante la incrédula mirada de Mari), todo está medido, sincronizado, perfectamente orquestado, resultando previsible y perdiendo la gracia.

Un casting correcto, entre el que destacaría la amenazante presencia de Garret Dillahunt, (actor de físico corpulento que desarrolla a la perfección la figura de Krug, un auténtico depredador para el que el mundo es una jungla donde es necesario imponer la fuerza para sobrevivir), la delicada belleza de Sara Paxton, (enorme potencial para convertirse en una nueva scream queen) y la escultural Riki Lindhome en la piel de la provocativa Sadie; una fotografía que curiosamente, tratándose de un filme de terror, funciona mejor en las escenas luminosas y una parte final plagada de violencia narrada con pulso firme conforman un conjunto tan solvente como convencional.

Directores como Alexandre Aja, Rob Zombie, Martin Weisz o Pascal Laugier, sólo por citar algunos, ya han utilizado anteriormente la misma fórmula con mejores resultados. Como todo se pega, tanto lo bueno como lo malo, no falta la trampa en el guión para intentar sorprender al espectador, consiguiendo únicamente, al menos en mi caso, irritar al personal; por no hablar de la escena final, más propia de Eli Roth, que desentona totalmente con el resto de la película.

Después de todo no deja de ser gratificante poder ir al cine a disfrutar de títulos como éste, de violencia descarnada, pero, amén de la preocupante falta de originalidad, siempre hay una ventana abierta, una coartada moral que estropea el resto y que te deja con mal sabor de boca, como si alguien te hubiera cambiado el jugoso solomillo por una insípida raja de jamón york.

La autenticidad del cine de los setenta quizá nunca vuelva. En la actualidad ante la caída en picado de los viejos maestros, desde el propio Craven hasta Romero pasando por Argento, Hooper o Carpenter y la falta de ideas y contundencia entre los nuevos realizadores (con Zack Snyder por otros derroteros) sólo hay una esperanza para el cine de terror y tiene nombre y apellido, Rob Zombie.

LA LLAVE DE SHAOLIN

2009-06-23T04:31:00.000-07:00

“Shi zi mo hou shou” Título internacional: "Shaolin Hand Lock"
Director: Ho Meng-Hua
Guión: I Kuang
Fotografía: Tsao Hui-Chi
Música: Chen Yung-Yu
Intérpretes: David Chiang, Chen Hui-Min, Lo Lieh, Chen Ping, Yeh Ling-Tzu, Shen Li- Wei, Lu Chi, Tu Lung, Hui Ying-Hung, Chan Shen,
(Hong Kong, 1978)

Sinopsis:

Chengying y su hermana Mengping viven junto a su padre Bai Li quien les enseña a dominar su estilo de kung-fu característico por el uso de la técnica conocida como “la llave de shaolin” cuyo punto débil es dejar al descubierto la parte baja del estómago a quien la pone en práctica. En ausencia de sus jóvenes hijos Bai Li es visitado por Fang Yunbiao, un viejo amigo que acaba con su vida por encargo de Hao Lin. Cuando Chengying descubre el crimen decide infiltrarse como guarda a las órdenes de Hao Lin ganándose su confianza mientras espera el momento propicio para asesinarlo, lo que no le resultará nada fácil debido a la destreza de su enemigo y a la continua presencia de su mano derecha, el joven Kunshi. La invidente mujer de Hao Lin, quien es maltratada sin piedad por su propio marido revelará a Chengying Li secretos sobre su pasado que dejará al descubierto la verdadera identidad de los personajes cambiando por completo el rumbo de los acontecimientos.

El recientemente fallecido Ho-Meng Hua, realizador prolífico que cultivó todo tipo de géneros a lo largo de su dilatada carrera (casi cincuenta años), especializándose sobre todo en el cine de acción o artes marciales y el horror, dirigió para el estudio del ambicioso Run Run Shaw esta desenfadada película de kung-fu con trasfondo trágico para mayor lucimiento de su estrella principal, David Chiang. Para el espectador occidental quizá su título más reconocible sea la cinta de culto “Jiang tou” (más conocida por su título internacional “Black magic”).

Al nostálgico logotipo de la Shaw Brothers le suceden unos títulos de crédito de genuina estética pop acordes al resto de la producción. La música , más propia quizá de una trama policíaca, de Chen Yung-Yu acompaña un colorista collage donde las figuras de papel de los protagonistas bailan sobre los vistosos fondos coloreados.

El espectacular uso del Shaw Scope con su inseparable ojo de pez y sus repetitivos y apabullantes panorámicas, la estudiada saturación cromática de la fotografía, la recreación en estudio de inmensos decorados donde se cuida hasta el más mínimo detalle de atrezzo para que todo esté perfecto de cara a la recurrente coreografía de lucha. Todas estas características eran, entre otras, señas de identidad inconfundibles de la Shaw Brothers que se siguen al dedillo en éste emotivo drama-folletinesco plagado de ostias, faltaría más.

Como tantas otras producciones del estudio de Run Run Shaw la película comienza con una escena de entrenamiento dónde vemos al protagonista deleitándose/nos con el dominio de su técnica de kung-fu. Si el hombre tiene suerte y no estamos viendo uno de los espectaculares dramas épicos del Sr. Chang Che quizá sea uno de los pocos personajes que siga con vida cuando aparezca en pantalla el postrero “The end”. Con este planteamiento queda claro que en el estilo de la productora hongkonesa predomina la lucha sobre la palabra, lo que se agradece enormemente, sobre todo teniendo en cuenta que cuando a los personajes les da por pararse delante de la cámara a soltar discursitos se ponen un pelín melodramáticos llegando a rozar o a zambullirse directamente en el ridículo con bastante facilidad.

Así pues, Ho Meng-Hua, que sabía de que iba esto, no se anda por las ramas y a pesar de que concede unos minutos al drama lacrimógeno más sonrojante en aras de explicar el complicado y desdichado pasado de sus protagonistas deja recaer el peso de la película en su coreógrafo Tang Chia y en el estupendo elenco de actores/luchadores encabezado por el genial David Chiang, que lo mismo le parte la cara al malo que le echa una sonrisa angelical a la chinita de turno.

La grácil y carismática estrella de la productora no sería la única que tendría el placer de pasearse por el set repartiendo mamporros, ahí estaban actores de la talla de Lo Lieh, interpretando al pérfido señor feudal Hao Lin o Chan Wai-Man encarnando al bravo y servicial Kunshi.

Como ya quedó claro más arriba, los decorados y las coreografías son dos de los puntos fuertes de las producciones Shaw Brothers. Este filme no es una excepción y cuenta con dos decorados extraordinarios, idóneos para el desarrollo de los combates.

El primero es el gimnasio de Hao Lin. Guardada la misteriosa estancia bajo llave, (parece que estemos en mitad de una película de terror gótico), custodiada celosamente por sus esbirros esconde en su interior el secreto de su kung-fu cuya revelación a sus enemigos podría tener funestas consecuencias. La sala es amplia, de altos techos acristalados, ideales para que se cuele algún luchador en busca de venganza y pueda escapar atravesándolo, como así sucede. La cámara aprovecha el espacio para deleitarnos mediante travellings que atraviesan sus columnas. Un saco de entrenamiento y una armadura con la que Hao Lin ensaya sus golpes para burlar la técnica de “La llave de Shaolín” son los únicos huéspedes autorizados a visionar sus entrenos.

El segundo decorado es un improvisado (para los protagonistas, los decoradores desde luego lo tenían bien estudiado) almacén repleto de neumáticos colgados del techo y bidones cuidadosamente apilados para que vayan cayendo uno a uno a medida que se vaya repartiendo estopa. El emplazamiento perfecto para la esperada lucha final entre el pérfido señor feudal y el hijo cuya única misión es vengar la muerte de su padre, quien contará con un inesperado aliado.

SPOILER

La violencia es retratada con suma crudeza, los personajes del denominado soja western son, al igual que sus primos lejanos del Far West, fríos y despiadados, de duro carácter forjado por las circunstancias que les han tocado vivir en un mundo hiperviolento dónde matar muchas veces no es más que el único recurso para la supervivencia. Sin caer en el derroche sanguinolento la muerte es vista como extensión natural de la lucha y escenas como la prematura muerte de Bai Li, el asesinato de Fang Yumbiao a manos de Chengying Li en el prostíbulo con una concubina como aterrada testigo o la macabra provocación de éste último al lanzar en un saco ante la mansión de Hao Lin el cadáver de uno de los esbirros que habían puesto en su busca dejan helado al espectador por su tremenda contundencia.

Los gadgets juegan un papel fundamental en la trama, desde los cuchillos a modo de brazalete que salen en el momento indicado de los codos de Fang Yumbiao para asesinar a Bai Li hasta el chaleco de acero para cubrir el indefenso bajo vientre al utilizar la mortífera llave de shaolin. Abundando en el repertorio armamentístico cabría destacar, amén de las habituales dagas y espadas, el enorme látigo que utiliza la hija de Hao Lin en su primera aparición.

FIN DEL SPOILER

A pesar de cierta gravedad en momentos puntuales, innecesario flash-back explicativo incluido, Ho Meng-Hua construye un relato de aventuras despreocupado y disfrutable en líneas generales (tan injustificada como genial la secuencia puramente exploit en la que Chenying roba una caravana de oro ayudado únicamente por una motocicleta y el uso de su kung-fu), primando las alegres coreografías (con algún que otro descuido en el tosco uso del cableado en las acrobacias) y alguna que otra involuntariamente hilarante persecución en lancha (de chabacana aceleración de fotogramas) sobre la farragosa trama de intrigas familiares, tan propia de la historia popular china y hongkonesa. A través de puntuales toques de humor, de su precisa dosificación de la violencia y de el ineludible drama que supone la muerte de Bai-Li, Ho Meng-Hua construye una intensa historia de venganza en la que el ritmo no decae gracias a sus continuos e imaginativos combates, así como a la interacción de unos personajes vistosos a pesar de su estereotipado carácter.

CARNIVAL OF SOULS

2009-06-21T18:00:00.000-07:00

“Carnival of souls”
Director: Herk Harvey
Guión: John Clifford
Intérpretes: Candance Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger, Art Ellison, Stan Levitt, Tom Mc Ginnis, Forbes Caldwell, Dan Palmquist, Bill de Jarnette, Steve Boozer, Pamela Ballard, Larry Sneegas, Cari Conboy, Karen Pyles, T.C. Adams.
(EE.UU, 1962)

Sinopsis:

Una carrera en coche entre dos pandillas de jóvenes tiene como consecuencia un trágico accidente. Uno de los automóviles se precipita al mar desde un puente. Cuando las tres chicas integrantes del auto siniestrado se daban por muertas sale a la superficie, totalmente indemne, Mary Henry, que no recuerda lo que había pasado. Mary continúa su vida con normalidad mudándose a Utah dónde le ofrecen un trabajo como organista de iglesia. El viaje de ida deja claro que ya nada volverá a ser como antes del accidente, un siniestro individuo de pálido rostro se le aparece en mitad de la desierta carretera en dos ocasiones para desaparecer al instante. Una vez hospedada, Mary se obsesiona con un viejo pabellón abandonado que considera el origen de las extrañas apariciones de las que es víctima. La soledad en la que vive (únicamente tiene relación con la casera, el sacerdote de la iglesia y un paleto que la ronda sin descanso) junto con las continuas presencias que le acechan la sumergen en un estado de nerviosismo que le lleva a tomar la decisión de escapar cuanto antes de allí. ¿Lo conseguirá?.

La magnífica visión de su director, Herk Harvey, junto con la creatividad de su guionista John Clifford son la razón de la existencia de esta imaginativa obra de terror. De vuelta de sus vacaciones, Harvey, pasó casualmente con su coche por Saltair, a orillas del Salt Lake (Utah) dónde descubrió el carnival abandonado (en España utilizamos la palabra carrusel o simplemente feria) que daría título al film. Maravillado por el singular aspecto que presentaba el edificio y su entorno tomó unas fotografías que enseñaría posteriormente a Clifford para que escribiera una historia que se desarrollase en ese lugar.

Curiosamente ambos profesionales se conocían por su trabajo común en “Centron Films” donde realizaban películas industriales y educativas, siendo “Carnival of souls” su primer y único largometraje.

Estamos ante uno de esos casos en los que una película resucita de su injusto y prematuro entierro gracias a los pases televisivos de madrugada y a las nuevas generaciones de críticos y aficionados ávidos de joyas cinéfagas que les sorprendan reescribiendo la historia, sino del cine, si de los gindhouse y de la cultura popular.

La película de Herk Harvey proyectada en su día como sesión doble junto con “The devil´s messenger” fue un auténtico fracaso en el momento de su estreno en 1962. No tuvo apenas distribución y críticos como Robert Ebert machacaron sin pudor su realización. Afortunadamente, como el tiempo pone cada cosa en su lugar, la productora Panorama Entertainment relanzó la película en 1989 en cines y festivales convirtiéndose poco a poco, con cada nueva emisión, en una obra de culto que cuenta a día de hoy con reconocimiento internacional de aficionados y profesionales. Directores de la talla de David Lynch reconocen abiertamente su influencia y vista la película no es difícil señalar más de un punto en común con su particular universo.

Estamos ante una historia de fantasmas que huye del viejo caserón victoriano para sumergirnos en la norteamérica de provincias anticipándose unos añitos al American Gothic. La película goza de una enfermiza atmósfera desde el comienzo, que no se pierde en absoluto a lo largo del metraje. Con escasas localizaciones, un reparto de actores reducido y limitado artísticamente y apenas 30.000 $ de presupuesto. Harvey consigue rodar un intrigante clásico de la serie b anticipándose seis años a George A. Romero y sus zombies. La sobresaliente fotografía en blanco y negro aprovecha con maestría la luz natural en las escenas diurnas dónde se recrea la normalidad del mundo real contrastando enormemente con las subyugantes escenas nocturnas, tenebrosas, espectrales, casi surreales, que describen con terrorífica precisión el mundo interior de la protagonista.

Dejando a parte algunas incongruencias del guión, como el forzado personaje del doctor que casualmente Mary se encuentra por la calle y algunas faltas de raccord estamos ante una producción de compacta naturaleza, el libreto no hace aguas en ningún momento, sus diálogos son simples pero hacen avanzar la historia de forma dinámica, permitiéndose el lujo de regalarnos puntuales momentos de humor, centrados fundamentalmente en la figura de John Linden, un paleto borrachín que es el único huésped del motel en el que Mary se aloja. Jonh intenta por todos los medios acostarse con Mary, pero ésta que no tiene el mayor interés por el tarugo vecino esquiva con sorna e ironía la mayoría de sus agobiantes insinuaciones.

La composición de los planos parece estudiada al milímetro, nada sobra en el encuadre, la economía de la producciòn hace perfecto matrimonio con el medido lenguaje cinematográfico utilizado, los rollos de película están más que aprovechados y las escenas se enlazan con originales transiciones (se pasa de un botón de la radio del coche a los botones de un órgano o un hombre señala una dirección y acto seguido tras un giro de cámara nos encontramos en ese lugar). En más de una ocasión (excelente plano frontal de Mary al volante de su coche en mitad de la noche) se percibe la presencia del maestro Hitchcock, no sólo por la rubia cabellera de Mary Henry, sino por el exquisito gusto en la elección de las tomas.

A estas alturas se habrán dado cuenta que no estoy describiendo la típica película de serie b que oculta su falta de calidad fílmica bajo un argumento delirante o un elenco de personajes bizarros, nada más lejos. Nos encontramos ante un producto que se toma en serio a si mismo y que sale más que airoso de la dificultad que ello conlleva. Una película de terror que utiliza el suspense y la contención como principales armas, confiando en su actriz protagonista para que cargue con el peso dramático prácticamente en su totalidad.

La excelente fotografía, la deliciosamente oscura música de órgano que acompaña desde los títulos de crédito el desarrollo del relato (genial escena en la que Mary, poseída por una maligna y desconocida fuerza comienza a tocar una siniestra melodía dentro de la iglesia haciendo rasgarse las vestiduras al desbordado sacerdote) y la simple e imaginativa creación de los aparecidos, cuyo abanderado es el propio Harvey, (rostro pintado de blanco con ojeras negras) con su pausado e inquietante caminar logran crear ese ambiente tenebroso indispensable para mantenernos pegados al asiento.

El correcto aprovechamiento de localizaciones tanto interiores (el muy pillo llega a rodar en un centro comercial sin permiso) como exteriores por parte de Herk Harvey se convierte en genio visionario en la recreación del carrusel fantasma. La idea madre del proyecto es una de las señas que le dan al largometraje identidad propia enriqueciéndola con un fantasmagórico final.

La película ha sido editada reciéntemente en España por Versus acompañada de un librillo redactado por Jesús Palacios y varios extras entre los que destaca "Historia de Carnival of souls", documental en el que se reapasa la extraña vida que ha tenido la película desde el momento de su rodaje. Una joya sin la que ningún cinéfago se puede quedar.

VIII CERTAMEN NACIONAL DE CORTOS VILLA DE AVILES (despedida y cierre, o no)

2009-06-16T06:18:00.000-07:00

La última edición del Certamen finalizó el pasado sábado 23 de mayo. Aquí les dejo el enlace con los ganadores de este año.

http://www.elcomerciodigital.com/aviles/20090524/aviles/julio-fuente-arrasa-certamen-20090524.html

Lamentablemente no pude asistir a este cuarto y último día de proyecciones pero gracias a Youtube he podido ver alguno de los cortos finalistas que a continuación subo y comento brevemente. Internet ayuda pero dista mucho de ser perfecto. Debido a ello, y a mi ausencia en los últimos pases, así como en la sección "Desde Asturias con amor" me es imposible hablar de algunos trabajos galardonados.

Disculpen el desaguisado y disfruten de estos tres estupendos trabajos.

“El encargado” de Sergio Barrejón (8’)

Cortometraje premiado con el máximo galardón de la X Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid y nominado a los Premios Goya 2009. Primera producción en solitario de Arsénico Producciones, cuenta en la dirección con Sergio Barrejón (co-guionista del espléndido cortometraje “Éramos pocos”) quien también escribió el guión junto a Nacho Vigalondo.

Un acertado blanco y negro sirve para narrar una historia más propia de hace un par de décadas. A pesar del excelente tono dramático, con tintes de Western, que Sergio Barrejón imprime al relato, la realidad en la sociedad actual es mucho más dura que la representada en el cortometraje.

Martín es un niño tímido y soñador que mira embelesado desde su pupitre a su compañera Ana. Al final del aula se sienta Luis, el matón de turno, con aspecto de repetidor y armado con su boli bic a modo de cerbatana. Cuando el profesor sale del aula en busca de unas diapositivas dejará a Martín como encargado de mantener el orden en la clase. Aquí comienza la batalla por salvar su dignidad ante la chica de sus sueños.

Una pequeña historia para la pantalla pero todo un desafío para nuestro protagonista que se enfrenta “sólo ante el peligro” a la dura etapa de la pre-adolescencia.

“Reacción” de David Victori (12’)

Un impersonal paisaje urbano nocturno sirve como inquietante localización para esta frenética road movie de impecable factura en la que Santi Millán presta su físico para interpretar un personaje con el que cualquiera de nosotros puede sentirse identificado.

Una thriller de ficción de asfixiante atmósfera rodado con pulso firme por David Victori. Basado en la tristemente cotidiana realidad de la violencia de género que cada día se cobra más víctimas en nuestro país y que tan impunemente explotan los medios de comunicación.

“Pim, pam, pum” de Asier Urbieta y Andoni de Carlos (3’)

Cortometraje premiado con el máximo galardón en el XIV Certamen de Cortos Villa de Errentería.

Mikel se separa de sus amigos para buscar a su hermano Xavi en mitad de una manifestación porque sino... ¿a ver que le dice a su madre?

Con una precisa puesta en escena y una milimétrica planificación (espléndido el plano secuencia que sigue a Mikel a lo largo del metraje) los donostiarras Asier Urbieta y Andoni de Carlos nos hacen sentir de cerca la violencia y el riesgo de una manifestación en el casco viejo de Donosti, transmitiéndonos angustia ante la incertidumbre de la suerte de sus jóvenes protagonistas.

Un excelente relato sobre la inocencia y la ingenuidad en la infancia, durante la que, normalmente, somos ajenos a los problemas del mundo de los adultos.

BLOOMSDAY

2009-06-16T04:25:00.000-07:00

Gijón (Asturias), 16 de junio.

Como cada mañana, a las 6:50, el móvil suena incesantemente despertando a todo el vecindario. ¿A todo?, bueno, a mí también me despierta, pero un poco más tarde, a eso de las 7:10 suelo levantarme a apagarlo. Hoy no es una excepción. Son esos minutos de incapacidad física transitoria, por lo menos yo así los denomino, que tanto cuesta vencer.

Mi burlón reflejo me recuerda que soy un día más viejo antes de afeitarme. Una vez ocultada, o más bien anulada, mi identidad bajo traje y corbata me dispongo a unirme al resto del rebaño que transita manso por las calles bajo el peso de su fatídica rutina.

Mi mente se transforma, lo que anoche era libertad, en mi mundo de sueños de veinte metros cuadradados se convierte ahora en frustración en el enorme espacio abierto de una fría e impersonal avenida. Hace pocas horas contemplaba a Marcelo Mastroianni, con su inigualable porte y me deleitaba con Anita Ekberg mientras se bañaba en la Fontana di Trevi. Ahora, el yonki de la esquina me pide un cigarrillo como cada día y el conductor del autobús vuelve a pegar el acelerón cuando acabo de pagar el billete.

Contrasta enormemente, no cabe duda, la decadente belleza de esa Roma que Fellini supo captar con su cámara con el aspecto gris y anodino del polígono industrial dónde el autobús me ha dejado.

Me esfuerzo en recordar la belleza de las chicas con las que alternaba el licencioso Marcelo en la noche romana pues hoy tengo unos cuantos clientes que atender y he de recibirlos con una amplia y deslumbrante sonrisa. También pienso en Gene Kelly y Donald O' Connor en "Cantando bajo la lluvia" poniéndole siempre alegría y ritmo a la vida.

En este sentido, siguiendo con la película de Stanley Donen, la paleta de colores que Harold Rosson y John Alton utilizaron en glorioso technicolor parece animarme y la cosa no se me da mal. Esquivo con buena cintura el sarcasmo de mi jefe e imprimo la misma hipocresía que él me inculca en el trato con los clientes, no en vano la aristocracia italiana era especialista en estos menesteres, anoche tomé buena nota. Las ventas van bien y todos contentos.

Hora de comer. Con el estómago vacío pero la cabeza aún llena de sueños de celuloide no puedo dejar de pensar que quizá me aqueje el mal que sufría Mia Farrow en "La rosa púrpura de El Cairo". Atemorizado ante la idea de que algún galán se escape de una pantalla de los "Cines Centro" con el propósito de seducirme borro de mi cabeza todo pensamiento relacionado con el cine e intento integrarme en la conversación de mis compañeros. Las discusiones sobre el actual mercado de fichajes y la última gala de O.T. me hacen pensar que Hugh Jackman en "X-men" no está nada mal, lo único que temo es el que dirán y si los dueños del cine presentarán cargos por robarles a Lobezno.

Transformado nuevamente en un terminator programado exclusivamente para vender todo sigue como la seda. De vez en cuando me escapo al baño para ajustarme la máscara de Guy Fawkes, no vaya ser que descubran mi verdadera identidad.

Última hora de la tarde y las comisuras comienzan a dolerme de aguantar durante tanto tiempo la sonrisa publicitaria. Un poco más, sólo un poco más y todo habrá acabado, no vaya a ser que ahora se me agrie el carácter y me salga el Dr. House que llevo dentro, o peor aún, que me pase como a Jim Carrey en "Mentiroso compulsivo" y me vuelva sincero de buenas a primeras. No duraría ni cinco minutos en el puesto.

Afortunadamente la jornada ha terminado con el previsible happy end habitual. Aunque tengo los pies destrozados y la espalda me duele bastante la guerra ha terminado por hoy, puedo regresar al hogar con la cabeza alta como hacía Sly en la última entrega de Rambo.

Silbo la deliciosa melodía de "Otto e Mezzo" antes de llegar al portal pero al perro de mi vecina parece molestarle y taladra mi cabeza con sus insoportables ladridos. No pasa nada, es sólo el último contacto con el mundo exterior antes de refugiarme en mi particular paraíso.

La cena es congelada, pero no importa, mi mente está en otra parte. Corro hacia el salón y saludo a Cristopher Lee, bajo su majestuosa figura se amontonan infinidad de tesoros, de valor económico prácticamente nulo pero de incalculable valor cultural, y, sobretodo, sentimental. Paseo con calma mi vista por la historia del cine: Recorro el Expresionismo Alemán, hago una parada en los británicos estudios Hammer para saltar a continuación a la obra de Ingmar Bergman, después de un rato por fin me decido, mi idolatrado Malcolm McDowell me pone cara de vicio (esa que él siempre ha puesto tan bien) mientras mira sin pudor a su hermana (en la ficción) Natassja Kinski (verás como se entere el padre y se escape del making-of de "Fitzcarraldo").

Espero que Paul Schrader con su beso de pantera apacigüe la rabia que llevo dentro tras otro día gastado y mal pagado. A punto de dar la media noche me despido del día con una sonrisa, después de todo.

FORBIDDEN ZONE

2009-06-11T18:34:00.001-07:00

“Forbidden Zone”
Director: Richard Elfman
Guión: Mathew Bright, Richard Elfman
Intérpretes: Hervé Villechaize, Susan Tyrell, Gisele Lindley, Jan Stuart Schwartz, Marie-Pascale Elfman, Virgine Rose, Gene Cunningham, Phil Gordon, Hyman Diamond, Matthew Bright, Danny Elfman, Viva, Joe Spinell, Brian Routh, Martin von Haselberg.
(EE.UU, 1982)

Sinopsis:

La familia Hércules se muda a su nueva casa situada en la Baja California. Frenchy, la hija de la familia baja al sótano topándose accidentalmente con un portal que le lleva directamente a la sexta dimensión. Allí descubre el anárquico y loco mundo regido por el Rey Fausto y su esposa, la Reina Doris. Fausto se enamora locamente de Frenchy, la cual le corresponde. Cuando la noticia llega a oídos de la Reina, ésta buscará a los enamorados para tomarse venganza. Su abuelo y su hermano Flash que han descendido en busca de Frenchy intentarán librarla de las garras de la soberana.

Ópera prima de Richard Elfman en la que se rodea de toda su troupe para materializar un alucinógeno viaje bajo la forma de un exquisito e irreverente musical.

El largometraje surge al adaptar a la pantalla grande el trabajo en los escenarios del grupo musical “The Mystic Knights of the Oingo Boingo”. Banda californiana de New Wave fundada por Ugh-Fudge Bwana que contaba entre sus filas con la presencia de los hermanos Elfman. Richard, director del proyecto, y Danny, más tarde célebre compositor a mayor gloria del universo fílmico de Tim Burton.

La Alicia de Lewis Carroll le da la mano al musical de Broadway y a la música jazz bajo una producción underground realizada por auténticos lunáticos de la escena. Pura delicia del exceso y el mal gusto bien entendido.

Como en la mayoría de las películas de culto, algunas de las cuales se encuentran entre los mejores títulos de todos los tiempos, como es el caso de “La noche de los muertos vivientes”, “La matanza de Texas” o incluso “Psicosis”, la precariedad económica lejos de suponer una traba se reveló como el estímulo necesario para convertir a través del ingenio una modesta producción en una obra atemporal de indudable calidad.

Ver “Forbidden Zone” es una experiencia cinematográfica única, estamos ante un desborde imaginativo difícilmente equiparable. La película es una fantasiosa caja de sorpresas llena de rincones tras los que se esconden personajes a cual más pintoresco.

La sexta dimensión tiene un envidiable plantel en cuanto a extravagancia se refiere. Desde un hombre rana con frac, unos gemelos boxeadores y bailarines, hasta su princesa (Gisele Lindley), una libidinosa joven que deambula con elegancia por la pantalla sin más atuendo que unos provocativos guantes negros, un collar de perlas, una braguita de blanco algodón y su corona. Mención aparte merecen, por supuesto, los monarcas. El pequeño gran Fausto, de porte napoleónico, siempre con su inseparable corona, está genialmente interpretado por Hervé Villechaize y su neumática consorte (Susan Tyrrell) parece una reinona siliconada sacada de un espectáculo de Las Vegas. Danny Elfman se reserva el rol del mismísimo Satán. Un Belcebú con un exquisito gusto para la música y la ropa.

En la superficie tampoco es que abunde la cordura precisamente. La familia Hércules tiene un serio problema de incontinencia sexual (sobre todo flash y el abuelo, más joven que este último) y de violencia (el pater familias no duda en noquear a su esposa cuando ésta amenaza con ponerse demasiado cariñosa). Frenchy, la bonita hija que viene de estudiar de Francia, es todo candor y vive en un mundo aparte, lo que no implica que siga estando como una regadera.

Cuando salimos del techo de los Hércules la cosa se pone aún peor. Toshiro Bononey interpreta a los gemelos Henderson. Squeezit, siempre en pañales y con tendencia a temblar como una gallina y René, ¿una chica, o un chico vestido de mujer?, hay opiniones. La profesora del colegio no duda en sacar la ametralladora cuando se siente amenazada, aunque es bastante lógico en una clase plagada de gangsters. Ya ven, nada que envidiar al pabellón de locos de la sexta dimensión.

El ingenio, por tanto, está presente en todas y cada una de las partes de la producción de esta película. Empezando por un guión que rezuma espontaneidad por todos los costados y que parece improvisar, con éxito, cada nueva situación.

Tanto los diálogos como los números musicales están plagados de chistes, ya sean mediante la elaboración de diálogos o recurriendo al gag visual característico del slapstick. El humor absurdo, cercano al universo de los Hermanos Marx o de los Monthy Python (un tiroteo derivado de una partida de cartas en mitad de una clase de colegio) convive con la broma gruesa, escatológica (desde escupir a una persona que se encontraba en el cubo de la basura hasta sodomizar a todo aquel que se ponga a tiro).

Los números musicales gozan de un estupendo mestizaje cortesía de Danny Elfman, quien tomando como referentes artistas de jazz afro-americano de la talla de Cab Calloway escribió una serie de canciones donde se mezclan letras provocativas cargadas de sexualidad con otras absolutamente naif. El eclecticismo también está presente en la mezcla de ritmos, desde números latinos a melodías francesas pasando por la técnica vocal del scat.

La personal e intransferible estética de la que goza la película es el resultado del agudizado sentido visual del director y sus ayudantes.

La sucia fotografía en blanco y negro, resultado de la filmación en 16mm (¿cuantas grandes películas están filmadas en este glorioso formato?) de la mayor parte del metraje le confiere un aire turbio, pesadillesco, que le va como anillo al dedo a una película que goza de absoluta amoralidad. John Muto complementa el trabajo aplicado a la imagen real a través de la animación. Mediante el artesanal uso de diversas técnicas, como el cartoon o la utilización de fotografías como plantillas, le da ese acabado tan personal que recuerda a la obra de Terry Gilliam.

Los decorados constituyen otro de esos elementos que hacen de “Forbidden Zone” una película diferente. La falta de recursos técnicos es nuevamente la responsable del despliegue imaginativo, en este caso la labor ni siquiera fue encargada a profesionales. Los propios actores eran los encargados de construir los decorados. Aprovechaban la noche para construirlos, debido a que por el día les tocaba actuar. Marie-Pascale Elfman y Hervé Villechaize se pasaron noches en vela pintando fondos o rebuscando material válido entre la basura. (¡esto si que es llevar el make yourself por bandera!)

Una AUTÉNTICA obra de culto para quitarse el sombrero, un trabajo realizado sin ninguna pretensión comercial, lo que se percibe sin dificultad en el espíritu libre que rezuma la producción. Un desborde creativo sin ninguna restricción.

Les dejo con la genial intervención de Danny Elfman.

BLACK ROSES

2009-06-09T18:14:00.000-07:00

“ Black Roses”
Director: John Fasano
Guión: Cindy Sorrel
Intérpretes: John Martin, Julia Adams, Carmine Appice, Ken Swofford, Carla Ferrigno, Frank Dietz, Anthony C. Bua, Karen Planden, Sal Viviano, David Crichton.
(Canadá, 1989)

John Fasano, auspiciado en la producción por la compañía independiente Shapiro-Glickenhaus volvía a elaborar una historia sobre la diabólica esencia del rock´n roll tras su también nefasta ópera prima “Rock´n roll nigthmare”(1988). Aún le quedaría cerrar la década con otro engendro titulado “The jitters” (1989) en el que intentó aproximarse al mito oriental de los vampiros jiangshi. Genio y figura.

Sinopsis:

El famoso grupo “Black Roses” llega a la pequeña localidad norteamericana de Mill Basin para dar un concierto dentro de su gira. Los miembros más conservadores del pueblo están temerosos de que la banda contagie a sus jóvenes del germen libertino del rock. De nada servirán las charlas del profesor de literatura del pueblo y la protección ultra-paternalista de la familia. Los jóvenes acudirán al concierto siendo poseídos por los músicos, liderados por su vocalista Damien, que se revelan como auténticos monstruos salidos del averno. Tras este peculiar bautismo demoníaco las muertes comenzaran a sucederse en el pueblo y sólo el modélico profesor podrá devolver a las bestias macarras al agujero del que salieron.

Al margen de que la película sea una pieza de culto para algunos acérrimos seguidores del Heavy Metal por su banda sonora compuesta por temas como “I´m not stranger” de Bad Tango, “Take it off” de King Kobra, “D.I.E” de Hallow´s Eye o “King of Kool” de David Michael-Phillips, así como la presencia del batería de King Kobra, Carmine Appice, las virtudes cinematográficas del producto brillan por su ausencia.

El despropósito es tal que los ridículos diálogos, el descuidado e impersonal vestuario (lo mejor el estrafalario aspecto, pelucón cardado incluido, del solista de la banda. Interpretado por Sal Viviano, quien guarda más de un parecido con el Mel Gibson de “Mad Max”) los risibles efectos especiales y la pobre labor del maquillaje se convierten en las mejores bazas de la película, ya que, involuntariamente, la hacen divertida gracias a su incoherencia argumental y pésima calidad técnica que permiten seguir la proyección con una amplia sonrisa que se convierte, bastante a menudo, en una carcajada debido a puntuales y delirantes escenas (inolvidable la muerte de un personaje, interpretado por Vincent Pastore, tras ser atacado por una especie de caimán de goma que emerge repentinamente... ¡del interior de un bafle!).

Lo peor es la incomprensible moralina que impregna buena parte de la película y que, sin ninguna ironía, señala el rock como propagador, literalmente, del mal a través de los jóvenes, que poseídos por la música del “maligno” acuden en masa, cual fieles feligreses a la iglesia, a ver las actuaciones del pérfido grupo “Black Roses” (por cierto, ¿de dónde sacaba el dinero esta pequeña comunidad para pagar a un grupo de rock con fama internacional que además actuaba a diario en la sala de actos del pueblo?) Suerte que Fasano entre diálogos cargados de virtuosismo y de rectitud moral le da emoción al conjunto insertando desnudos de estupendas señoras sin venir a cuento (destacar la escena en la que una mujer de la que ni siquiera vemos la cara y que no representa ningún personaje de la trama se acaricia los senos lujuriosamente frente a un espejo).

Al hilo de estos inesperados y gratificantes insertos, que parecen sacados de la clásica película erótica que enseña mucho al principio pero luego se desinfla en un aburrido argumento en el que la exhibición cárnica desaparece por completo, me gustaría saber que clase de droga consumieron los responsables del montaje. Además de los inoportunos cortes que rompen la continuidad narrativa intentando contar la historia en paralelo y haciendo aún más farragoso el desarrollo de la historia, no paran de aparecer nuevos personajes que lejos de tener un peso en la trama desaparecen sin más, siendo incluso algunos víctimas repentinas sin tener ningún sentido ni motivo.

La recompensa del visionado de tanta torpeza junta se encuentra en la propia naturaleza extraterrestre de la propuesta, una película sobre un grupo de Heavy Metal liderado por demonios. Quizá, como bien apuntaba Jesús Palacios antes del pase del film, los años ochenta estén idealizados por muchos de nosotros, pero ¿en que otra época podría haberse producido esta infumable y a la vez entrañable película? Después del despelleje al que he sometido a la producción muchos os preguntaréis que tiene de entrañable. Seguramente de cada cien personas (es más que probable que de esas cien a lo sumo diez aguantaran el visionado completo) que vieran este título sólo unos pocos, muy pocos cinéfagos curtidos en la caspa más rancia y acartonada o aficionados a las pelís de monstruos más cutres estarían de acuerdo con el calificativo.

A pesar de ello, como aficionado al cine de terror en general, a la música rock, a los monstruos de goma, a la estética hortera de los años ochenta y a las películas sin vergüenza no puedo dejar de recomendar el visionado de esta fascinantemente horrible película. Quizá, como pasa en el mundo del deporte, el esfuerzo sea necesario para obtener resultados. En ese caso pocas son las películas que requieren tanto sacrificio para ser vistas. Para mí el esfuerzo a merecido la pena y mis recuerdos ya me lo están agradeciendo.

Esperando que no sucumban al vicio y la perdición les dejo en compañía de Damien y su banda de encuerados malignos.

VIII CERTAMEN NACIONAL DE CORTOS VILLA DE AVILES (Cuaderno de bitácora. Día 3.2)

2009-06-09T06:43:00.000-07:00

VII NOCHE DE CULTO DE JESÚS PALACIOS

Las 23:30 del pasado viernes 22 de mayo era la hora indicada en que daría comienzo tan esperada función. Como buena estrella del rock, (y teniendo en cuenta el programa de este año, bajo el título de Jess Palacios & THE GREAT ROCK ´N HORROR PICTURE SHOW Presentan), la aparición del cinéfago maestro de ceremonias se hizo esperar hasta eso de la media noche. No podía ser otra hora que la de las brujas cuando diera comienzo un año más este ritual pagano de vicio audio-visual.

Como primera sorpresa y sirviendo de preparativo al loco mundo cinéfilo-musical que nos aguardaba Jesús Palacios tuvo el detalle de regalarnos los primeros minutos de una joya del celuloide hoy olvidada. Se trata de “Hellzapoppin” de H.C. Potter, con la actuación del dúo cómico formado por Ole Olsen & Chic Jonson, quienes en su día compitieran en fama con los mismísimos Hermanos Marx, pero hoy relegados al cajón del olvido.

Tras este estupendo aperitivo y dejarnos con los dientes largos se proyectaría el primer largometraje de la noche: “El fantasma del Paraíso” (film del que he subido un comentario dos post más abajo). La cinta de indudable calidad de Brian de Palma sería seguida de un cortometraje español con mucha mala leche “Satánico Pandemonium”

Falso documental en el que un tal Profesor Pendelton Torralba, que parece el primo perdido de Claudio y Marlo, denuncia y pone al descubierto las maniobras de Satán para apoderarse de la juventud a través del rock´n roll. Alcohol, escatología, sexo bizarro, caspa y mucho sentido del humor en esta producción producida por la A.M.A.R. ¡Asociación de Madres Contra el Rock! Colectivo que comparte protagonismo junto al Profesor Pendelton en el vídeo. (Escrita por Piñata, veterano del TMEO, y con actuaciones de The Soulbreaker Company y Rockaina, una advertencia que no puedes ignorar. Primero fue “JFK”, después “El Código Da Vinci”, y ahora, ¡“Satánico Pandemonium”!) Así concluía su presentación en el programa del Certamen.

Como no sólo de cine vive el hombre nuestro ávido anfitrión tuvo el acierto de descubrirnos la última serie de Joss Whedon, creador de las series Buffy Cazavampiros, Firefly y director de la película Serenity. “Dr. Horrible´s along sing blog” es un original musical en el que su protagonista, un perdedor nato, nos enseña la difícil tarea de ser un super-villano y la imposibilidad de conseguir a la chica de tus sueños mientras intentas dominar el mundo.

El segundo largometraje de la noche, “Black Roses” (al que dedicaré una ficha completa en breve) nos sumergía en los más horteras ochenta de la mano del rey de la caspa, John Fasano. Pelucones cardados, chupas de cuero, vaqueros ajustados, coches deportivos, demonios de goma, pueblecito moralista y rock´n roll en una de las películas que más significado le da a la expresión vergüenza ajena.

Tras este trance de noventa minutos llegaba el turno al visionario que vino de oriente. Un auténtico líder de masas en la India. Actor, bailarín y playboy en los ochenta. Político e incluso con una cadena de televisión dedicada a su persona en la actualidad. Megastar Chiranjeevi ha hecho todo tipo de papeles en su carrera. Su carisma ante las cámaras, el dominio del baile más sabrosón, la práctica de artes marciales y su aspecto de latin lover paródico (siempre con ese inseparable mostacho) le han permitido ser protagonista de innumerables películas en Tollywood (la industria del cine situada en la región de Andra Pradesh, al sur de la India, donde se encuentran los estudios más grandes del mundo)

Konidela Siva Shankara Vara Prasad, su nombre completo, o Chiru, apodo más fácil de recordar, lleva más de treinta años rodando películas en la próspera industria hindú, (menos conocida internacionalmente que Bollywood debido al uso del idioma telugu en sus producciones en lugar del hindi, mucho más extendido). Su primer gran éxito lo cosechó con “Khaidi” un re-make musical de “Acorralado” dirigido por Kodanda Rami Reddy. No es la única versión de un gran éxito norteamericano que encarnaría Chiru. En España podemos encontrar en DVD en la colección Asian Trash Cinema la película “Indiano Jones y el agua de la eternidad” donde el gran Chiranjeevi emula al sosias de Harrison Ford en una aventura mucho más delirante, imaginativa y, por supuesto, disfrutable.

La bizarra pieza que pudimos ver en el Certamen pertenece a la película “Donga”, en ella Chiru emula el Thriller de Michael Jackson sin ningún pudor.

El último largometraje de la noche ponía fin a más de seis horas de festín cinéfago, el encargado de hacerlo no podía ser más indicado. Richard Elfman nos llevaba al lado más oscuro de la mente con su “Forbidden Zone” (de la que hablaré ampliamente en un próximo post) un viaje a Oz cargado de alucinógenos en sucio blanco y negro.

DAVID CARRADINE. EL ADIÓS DE UN KUNG-FU STAR.

2009-06-08T04:21:00.000-07:00

El pasado jueves perdía la vida David Carradine, uno de los nuestros. Hijo del mismísimo Conde Drácula, camuflado bajo el anglosajón y mortal nombre de John Carradine, este carismático intérprete demostró a lo largo de su dilatada carrera su pasión por el séptimo arte.

Su heterogénea filmografía no se limita sólo a producciones exploitation a raíz del éxito de su personaje del monje shaolin Kwai Chang Caine en la celebérrima serie televisa “Kung-fu”, tales como “El círculo de hierro”, (R. Moore 1978) o “McQuade Lobo solitario”, 1983. Además de participar en títulos de culto de la serie b usamericana como “La carrera de la muerte del año 2000” de Paul Bartel, trabajó con directores nobeles que ya apuntaban maneras en la década de los setenta, Martin Scorsese en “Boxcar Bertha” (1972), Walter Hill en “Forajidos de leyenda” (1980), llegando incluso a trabajar a los órdenes del maestro sueco Ingmar Bergman en “El huevo de la serpiente” (1977), junto a la actriz fetiche del director, Liv Ullman.

Quentin Tarantino, siempre atento a las leyendas olvidadas del firmamento hollywoodiense, supo aprovechar la indudable experiencia y la mística presencia del veterano actor para interpretar el personaje de Bill a lo largo de los dos volúmenes de la película “Kill Bill”. Todo un acierto por parte del director de Knoxville que el actor californiano supo aprovechar, añadiendo otro personaje inolvidable a su larga lista.

Una habitación de un hotel de Bangkok ha sido el mudo testigo de su despedida. David se encontraba en la capital tailandesa rodando su última película “Strech” a las órdenes de Charles de Meaux.

Su cadáver fue encontrado colgando de la barra de un armario horas después de su muerte. Según medios tailandeses un cordón de nailon rodeaba su cuello y otro sus genitales. Los últimos análisis forenses en Tailandia y las declaraciones de su ex-mujer, acerca de sus extremas prácticas sexuales, apuntan la auto-asfixia erótica y no el suicidio como posible causa de la muerte.

No sería la primera celebridad que termina sus días tras intentar obtener un orgasmo mediante esta técnica masturbatoria. El 22 de noviembre de 1997 Michael Hutchence, el cantante del grupo INXS aparecía ahorcado y desnudo en un hotel de Sydney. Los medios de comunicación del momento señalaron que Michael se había suicidado, sería su mujer Paula Yates quien hiciera referencia a una práctica sexual extrema en busca del máximo placer, pues en palabras de la viuda: “Era un chico peligroso al que le gustaba experimentar, pero nunca se suicidaría”.

Lo mismo opina Quentin Tarantino con respecto a su amigo David Carradine. El director de Pulp Fiction declaró en el programa de Larry King: “No había ningún camino que indique que él se habría matado, porque tenía una bonita familia. Él era una leyenda viva y realmente la gente lo apreciaba”. No faltan tampoco las especulaciones conspiranoicas que apuntan al asesinato del actor por parte de una banda clandestina de asiduos a las artes marciales que temían que David, interesado en investigar y desenmascarar sociedades secretas, les delatara.

Esta nueva especulación nos remite a las páginas más negras de la historia del celuloide y nos hace pensar en la misteriosa muerte de Bruce Lee, actor que, curiosamente, hubiera encarnado a Kwai Chang Caine en “Kung Fu” de no ser porque sus rasgos eran demasiado asiáticos.

La muerte de David Carradine y las nuevas hipótesis sobre su causa que surgen minuto a minuto servirán probablemente para llenar páginas de libros y revistas, realizar documentales e incluso como base a películas de ficción.

Sea como fuere, para todos los aficionados al cine que no entendemos de etiquetas y que apreciamos el espíritu libre en una industria cada vez más cerrada y menos fresca, David Carradine es una baja insustituible, pero estará siempre con nosotros. A través de Frankenstein, Kwai Chang Caine o Bill podremos seguir disfrutando de su legado.

Hasta siempre, David.

EL FANTASMA DEL PARAÍSO

2009-06-03T18:20:00.000-07:00

“Phamtom of the paradise”
Director: Brian de Palma
Guión: Brian de Palma
Intérpretes: William Finley, Paul Williams, Jessica Harper, Gerrit Graham, George Memmoli, Archie Hahn, Jeffrey Comanor, Peter Elbling, Colin Cameron, David Garland, Gary Mallaber, Art Munson, Mary Margaret Amato, Rand Bridges, James Bohan
(EE.UU, 1974)

Sinopsis:

William Finley es un brillante e ingenuo compositor que sueña con poder interpretar sus obras ante el gran público. Swan, dirigente de un importante sello discográfico, le ofrece comprar su obra maestra para la apertura de una lujosa sala de New York, “El paraíso”. Una vez se hace con la partitura, el avaricioso productor no tiene ninguna intención de reconocer la autoría original del libreto, anunciando su estreno a los medios como si se tratara de una obra suya. William se presenta en los ensayos reclamando su reconocimiento pero es expulsado del estudio. Lo único positivo de la experiencia es que conoce a Phoenix, una cándida joven que aspira interpretar el papel protagonista. William se enamora inmediatamente. Swan consigue meter al músico en la cárcel para que no siga reclamando los derechos de su obra. William consigue escapar de prisión pero tras un desgraciado accidente su rostro queda desfigurado y pierde la voz. Oculto tras una máscara vive en las sombras del “Paraíso”. Comienza un maquiavélico plan para hacer de Phoenix su voz en la representación. Swan le descubre y vuelve a engañar al músico, ofreciéndole un contrato para trabajar en la composición del musical si quiere que Phoenix sea su intérprete principal. La segunda traición del magnate hará que William busque su venganza definitiva.

Estamos ante la primera opera rock de la historia del cine pues “Phantom of the paradise” se anticipa en un año al estreno de “Rocky Horror Picture Show”, la película convencionalmente considerada como pionera del particular género.

Nadie duda a estas alturas, de hecho pocos lo hacían ya por aquel año 74, de la pericia tras las cámaras de Brian de Palma. El director norteamericano cuenta en su haber con un puñado de obras que se encuentran entre lo más destacado en la historia del Hollywood moderno. Comenzó fuerte como sus bárbaros compañeros de generación. Al igual que pasara con Coppola, Lucas, Spielberg o Arthur Penn, las películas de Brian de Palma contribuyeron a modificar radicalmente la manera de hacer y entender el cine en EE.UU. Se hizo un hueco en la industria con sus impactantes thrillers, en los que combinaba la tradición del suspense del maestro Hitchcock con el impúdico vouyerismo del giallo italiano. La clara influencia del cine de género europeo, el clasicismo heredado-plagiado del maestro del suspense, la reformulación genérica tanto en el terreno del thriller (“Sisters”. Hermanas, 1973), (“Obsesión”. Fascinación, 1976), (“Dressed to killer”. Vestida para matar, 1980), (“Body double”. Doble cuerpo, 1984), como en el cine de terror (“Carrie”, 1976) e incluso en la comedia, no exenta de crítica social (“Greetings”, 1968), (“Hi, mom!, 1970) o el musical (caso que nos ocupa con la revisión de este título), unido a su personal manera de entender la narrativa del cinematógrafo hacen de Brian de Palma un director post-moderno años antes de que surgiera el término para definir el cine de directores como Quentin Tarantino o Takashi Miike, por citar dos de los casos más conocidos y referenciados.

El “Fantasma del paraíso” es una ópera rock, sí, pero también es una tragedia, un folletín, un cuento de terror, una ácida sátira del poder de la industria discográfica. Las referencias del guión parten de la mejor literatura clásica. No estamos únicamente ante una (per)versión del “Fantasma de la Ópera” bajo el lisérgico prisma de los setenta. Desde el Fausto de Goethe hasta el Retrato de Dorian Gray están presentes en el libreto elaborado por De Palma. Sin olvidar, evidentemente, la obra de Gaston Leroux, sobretodo, la versión cinematográfica dirigida por Rupert Julian, en la que el icónico Lon Chaney encarnaba al desfigurado “fantasma”.

La idea desarrollada en el film del abuso de las discográficas y la utilización de los artistas como meras marionetas, no puede estar más de actualidad en un momento en el que el bombardeo de productos “musicales” de ínfima calidad, a través del (ab)uso del marketing (vía radio, prensa o televisión) taladra nuestros oídos e intenta lavar nuestros cerebros de todo atisbo de frescura u originalidad. Por no hablar de los pingües beneficios que obtienen las sociedades de autores a través de impuestos indirectos. Es lógico que a estos “señores” les interese prohibir las descargas gratuitas de música, pues Internet es la única ventana abierta en la que podemos escoger libremente que queremos escuchar. Si acudimos en masa a comprar los discos distribuidos en las grandes superficies serán ellos los que se lleven todos los beneficios. Swan es un mero aprendiz mucho más romántico y menos sibilino que las carroñeras discográficas actuales.

La historia de amor entre el protagonista, Phoenix y sobretodo, su propia música, huye de los convencionalismos hollywoodienses como el “happy end” utilizando un tono cínico e incluso sórdido (la escena en la que William espía desde el acristalado tejado a Swan y Phoenix en la cama) Sátiramente se retrata en la película la erótica del poder encarnada en el repulsivo pero influyente Swan (las multitudinarias orgías que el hedonista productor se daba con sus coristas tras cada prueba) y las primeras tomas de contacto de algunas jóvenes con el mundo del espectáculo (las curiosas audiciones en las que Swan somete sexualmente a cada aspirante sin ni siquiera escuchar su voz) Sorprendente es también la original utilización de la idea del doppelgänger en una antológica escena (de capital importancia en el desarrollo de la trama) en la que al malvado productor se le aparece su doble, aún más malvado, si cabe.

El trío protagonista está compuesto por Paul Williams quien gracias a su aniñado cuerpo y a través de su hieratismo realiza una magistral interpretación encarnando al prototípico villano. Una Jessica Harper pre-Suspiria está convincentemente cándida en la piel de la inocente y soñadora Phoenix. William Finley despliega el histrionismo necesario para desarrollar el papel del brillante anti-héroe, logrando transmitir su tristeza al espectador a pesar de la máscara y el maquillaje. Secundando a este gran elenco Gerrit Graham, desternillante en el papel de Beef. Provocativo y ambiguo solista de un grupo de hard-rock (primera opción para interpretar la ópera-pop de William). Su vestuario ajustado y sus provocativos movimientos en el escenario parodian la actitud del Glam rock.

Además de apuntar ideas interesantes en el contenido de la historia, lo hace a través de una forma impecable. Técnicamente el trabajo de producción es brillante, la fotografía luce especialmente en los lujosos decorados interiores (las monumentales oficinas de “Death records”, el dormitorio de Swan, o las diferentes estancias de “El paraíso”) El trabajo en la sala de montaje es preciso como en la práctica totalidad de los trabajos de De Palma, desarrollándose la acción de manera dinámica pero sin atropellos. Los encuadres gozan siempre de una amplitud que enriquece cada fotograma. Mención aparte merece la exquisita banda sonora compuesta por Paul Williams (sí, el mismísimo Swan), quien no conforme con realizar su inquietante interpretación del pérfido magnate ameniza la función con temas tan deliciosos como “Old souls” interpretado por la propia Jessica Harper.

La original estética responde a la época de su producción y a la naturaleza excesiva del film. El Glam rock se encontraba en pleno apogeo. Marc Bolan había dado el pistoletazo de salida a la estética del tacón, la boa de plumas y el maquillaje. David Bowie era una divinidad tanto por su música como por su vestuario, inspirado en las travestis de la troupe de Andy Warhol. El hedonismo y el exceso estaban a la orden del día. En este aspecto el genial resultado de la película de Brian de Palma se podría ajustar a la célebre cita del poeta William Blake “El camino el exceso conduce al palacio de la sabiduría”. Psicodelia, colorido pop y rock and roll al servicio de una delirante trama que encuentra en su genial extravagancia su mejor arma para convertir un clásico de la literatura universal en una cult movie instantánea.

VIII CERTAMEN NACIONAL DE CORTOS VILLA DE AVILES (Cuaderno de bitácora. Día 3.1)

2009-05-27T18:30:00.000-07:00

Tras la resaca producida por la ingesta indiscriminada de gore la noche anterior y aún con agujetas en el abdomen de tanto reír, partí rumbo al Auditorio de la Casa de Cultura una vez más.

Dos largometrajes, por el razonable precio de un euro la sesión, me esperaban.

A las 19:00h. dio comienzo la función.

“Chining me”
Director: Enrich Folch
Guión: Enrich Folch, Sergi Vicente, Stephanie Von
Intérpretes: Roger Vicente y unos cuantos millones de chinos
(España, 2008)

La proyección correspondía al mediometraje del director catalán Enrich Folch, “Chining me” ("Tempus Fugit" y "Presumptes implicats", el resto de su filmografía fueron proyectados en años anteriores). T.V. movie producida por Factotum Barcelona, Televisió de Catalunya, Television Network International y Luki Media. Un docu-ficción que narra las peripecias de Roger, un joven que viaja a China enviado por su empresa para crear un nuevo centro de producción. Tras descubrir el engaño de la compañía china su jefe lo despide. Pero a Roger aún le quedan dos semanas de vacaciones pagadas y decide aprovecharlas conociendo el país. Este punto de partida, inesperado, cómico y absurdo a un tiempo, así como el carácter tranquilo a la vez que aventurero de su protagonista es una constante en los trabajos de Enrich Folch. Personajes soñadores, románticos, que a menudo se dejan arrastrar por sus emociones dejando de lado la razón. A través de Roger, nuestro singular anti-héroe, descubriremos diferentes puntos del gran continente asiático. Los enormes contrastes existentes entre las grandes ciudades (Pekín y Shangai) y el mundo rural con sus incomparables paisajes que parecen sacados de una postal.

Sin caer en los tópicos habituales conoceremos las peculiaridades de sus tradiciones, tan diferentes a las nuestras. Como el entierro al que asiste en una aldea del Sur, (que se prolonga durante tres días y en el que la gente no para de beber y cantar junto al difunto) o la ceremonia nupcial, en la que los trajes de boda nada tienen que ver con los que utilizamos en occidente. No faltará el ineludible paso por el mercado (indispensable en cualquier viaje exótico que se precie) con su consabida cata de productos autóctonos. Sobre este particular, Roger, pasará uno de sus peores momentos cuando el grupo de chinos con el que se encuentra decide realizar una cena de celebración con carne de perro como único plato.

Uno de los aciertos de la propuesta reside en su mezcla de tono documental con ficción claramente planificada. De este modo, cuando la cámara y el actor principal comienzan a improvisar demasiado, el guión obliga a cambiar de escenario. Otra ciudad, otros personajes y otras situaciones nos van ofreciendo una visión más completa del país.

Si ha de ponérsele alguna pega al producto, ésta podría recaer en su tono excesivamente desenfadado, sin claroscuros. La comedia predomina durante los sesenta minutos de metraje, lo que no deja de ser lógico, teniendo en cuenta que no deja de ser un retrato de China, visto, además, por ojos de turistas. Es un falso documental. Como tal imita el modo de producción de los auténticos documentales sobre viajes, donde suelen destacarse los aspectos más positivos del país en cuestión.

En este enlace puede verse el mediometraje al completo en V.O. (catalán) http://www.tv3.cat/videos/535829

20:30h. (se cierra y se abre el telón)

Finalizada la primera sesión dejamos a un lado el humor adetrándonos de lleno en el horror. Un cuento de fantasmas que irrumpen en nuestra sociedad salidos de las páginas más negras de la España profunda.

Director: Elio Quiroga
Guión: Elio Quiroga
Fotografía: Juan Carlos Gómez
Música: Alfons Conde
Intérpretes: Ana Torrent, Francisco Boira, Héctor Colomé, Alfonsa Rosso
(España, 2008)

Tercer largometraje del canario Elio Quiroga tras “Fotos” y la “Hora fría”. Trece años han pasado ya desde su primer largo.

Francesca, una joven pediatra se muda junto a su marido Pedro y su hijo recién nacido a un gran caserón situado a las afueras. La pareja no pasa por su mejor momento, un trágico acontecimiento pasado pesa sobre ellos. Francesca comienza a tener visiones en el viejo caserón. Pedro cree que se está volviendo loca. El padre Azpeitia es el único capaz de desentrañar el misterio que encierra la casa.

El título de la película no deja lugar a la duda, No-Do. En uno de estos documentos cinematográficos que durante el régimen franquista mantenían (des)informados a los españolitos de a pie se encuentra encerrado el misterio de la trama.

Según cuenta la película (y las malas lenguas) entre 1943 y 1954 los equipos de filmación de No-Do recogieron con sus cámaras todo tipo de fenómenos para-normarles a lo largo y ancho de la geografía española. Se trata de los denominados “No-Do secretos”. Estos sucesos (apariciones marianas, posesiones, estigmatizados, avistamientos de OVNIS) eran filmados por trabajadores anónimos bajo pena de excomunión, su visionado era exclusivamente para la curia romana obligada igualmente a guardar secreto bajo la misma pena. El film se basa en uno de estos supuestos casos, aún hoy por resolver. Se dice que en el Vaticano se guardan los negativos originales de estos trabajos. ¿Realidad o leyenda urbana?

Desgraciadamente, a pesar de la interesante temática la película naufraga desde el primer minuto. Al margen de la original y sugestiva idea introducida estamos ante un producto convencional. Una película de fantasmas al uso que contiene todos los clichés del género y que lejos de parodiarlos o buscar un giro argumental sorprendente sigue al pie de la letra el manual tomándose, además, demasiado en serio a si misma.

Excesivos momentos muertos, apariciones espectrales previsibles, insuficiente desarrollo de algunas ideas interesantes del guión (el personaje de la prostituta), abuso del diálogo en detrimento de la imagen.

Cualquiera que haya visto “Al final de la escalera” o cualquiera de sus cientos de imitadoras posteriores (incluidas la mayoría de fotocopias kwaidan post “The ring”) sabrá con lo que se va a encontrar al final de la película.

En el lado positivo habría que destacar el tono de denuncia al estamento clerical y al régimen franquista, así como su labor documental a la hora de recuperar auténticos “No-Do” integrándolos en la trama (Atentos al audio del último “No-Do”)

La película goza por lo demás de una estimable corrección formal. Una fotografía de tonos apagados, acorde con la historia relatada, efectos visuales creíbles e inspirados en más de una ocasión y un casting solvente. Ana Torrent sale airosa teniendo en cuenta el cansino papel de protagonista torturada con el don de ver “más allá” que le toca interpretar, Héctor Colomé saca provecho al personaje del padre Azpeitia, con bastante más miga que el resto y Alfonsa Rosso está soberbia en el rol de una anciana que despierta tras sesenta años de coma y que tendrá una capital importancia en la resolución de la trama.

VIII CERTAMEN NACIONAL DE CORTOS VILLA DE AVILES (Cuaderno de bitácora. Día 2.2)

2009-05-26T05:05:00.000-07:00

22:30 h. de la noche. La sala de conferencias prácticamente llena. La expectación era máxima para la cita anual con cortometrajes delirantes, monstruos gigantes, risa floja, sangre, vísceras, escatología y caspa, mucha caspa (aunque este año la calidad de algunos trabajos fue más que notable). Como sabiamente dijo el maestro de ceremonias, Borja Crespo. No teníamos otra cosa mejor que hacer (y jamás la tendremos).

La sesión estaba maquiavélicamente estructurada para que el escalofrío fuera en aumento.

Un poco de humor, por supuesto poco convencional, nos abría el apetito.

“Canguros” de Borja González Santaolalla.

Un viaje en coche el fin de semana es el momento que aprovecha Johnny, calzonazos de manual, para decirle a su novia lo que piensa realmente de su relación. Una divertida visión de las jóvenes parejas contemporáneas españolas. La actuación de Gorka Otxoa (master en calzonazos con su personaje en la serie “Cuestión de sexo”), como siempre, impagable.

Aquí os dejo el teaser.

“Made in Japan” de Ciro Altabás

Hay que ver lo que nos inventamos los hombres para justificar nuestra ausencia a una cita. Historia rocambolesca y exótica la que se monta el protagonista… ¡Con viaje a Japón incluido!, para conocer… Bueno, eso mejor no se lo cuento.

Exteriores en el lejano oriente, mucha imaginación y poco sentido del ridículo (lo cual se agradece enormemente). Una comedia para gente sin complejos.

Fíjense que el logo de la productora, ya promete mucho.

“Maquetas” de Carlos Vermut (Gran premio del jurado a la mejor película de Notodofilmfest).

Una propuesta tan simple como poco explotada. Falso documental que juega con las emociones del espectador. Una demostración de lo fácil que puede llegar a resultar conseguir la lágrima fácil del espectador. Algo que en España gusta bastante, Amenabar es un claro exponente. El final del corto nos da a todos una lección, se ríe de nosotros y con nosotros… ¡No nos dejemos engañar por el dramón fácil y lacrimógeno!

“Mi mejor amigo” de Max Calavera

Blanco y negro, pocas palabras y un gamberro sentido del humor. Un nerd a la española no se da por vencido en su conversación con “su mejor amigo”.

“Las bromas que gasto a mis amigos”

Representación ficticia (o eso espero) de una broma al más puro estilo Jackass. Blanco y negro, acción ralentizada y música clásica. Pura caspa estilizada.

Tras esta sucesión de variopintas comedias se dio paso a los cortometrajes puramente gore, momento esperado por la troupe de fanáticos del higadillo que nos dábamos cita.

Antes, un trabajo de ciencia ficción más propio del arte y ensayo que nos dejó boquiabierto a más de uno.

“Die Schneider Krankheit” de Javier Chillón.

La acción se sitúa en 1958 en la Alemania occidental. Una cápsula espacial soviética aparece en mitad del campo. Su único tripulante es un simio portador de un virus que rápidamente comienza a extenderse entre la población.

Rodado como si se tratase de un documento real para informar, prevenir y animar a la población de la época. El equivalente al NO-DO en Alemania.

Efectiva utilización del blanco y negro, impecables actuaciones, música misteriosa característica de la sci-fi norteamericana de los 50, acertado uso del maquillaje en la creación de criaturas. Todo ello, unido al tremendista argumento, crean una pieza desasosegante y bizarra a partes iguales.

Aquí os dejo el trailer

“The Werepig” de Samuel Ortí Martí

¡Qué grande es el gore! Relato de animación Stop-motion que caricaturiza a los turistas norteamericanos. Dos nerds que podrían haber sido sacados de “Road trip” no dejan de incordiar al resto de pasajeros en un autobús que va de Levante a Galicia. Expulsados del vehículo se refugian del sol en una casa cercana a la carretera, donde dos lugareños aparentemente amables les dan cobijo, agua y comida.

Relato que parodia películas como “La matanza de Texas”, “Hostel”, “Turistas”, “Ovejas asesinas” o “Un hombre lobo americano en Londres”. Fast food frente a gastronomía galega. Luna llena, cerdos, mutaciones, sangre y mucha mala leche, en esta desternillante comedia gore.

“Zombies & cigarretes” de Iñaki San Román y Rafa Martínez

Un centro comercial se ve asediado repentinamente por una horda de muertos vivientes. La premisa del “Zombie” de Romero pero con un apocado dependiente como protagonista. Xavi, que así se llama el chico, tiene dos misiones: Acabar con los zombies y conquistar a su compañera Carol.

“Awakening Zombies” de Sr. Guijarro

Un joven queda con dos amigos en la puerta de un pub de la ciudad. La espera le obliga a entrar en el baño sin prestar mucha atención a la fauna que frecuenta el local. Una vez sale del excusado se da cuenta que está en medio de una refriega a muerte entre zombies y cazadores. Al día siguiente, aún conmocionado se lo cuenta a sus amigos, que en un principio no parecen creerle.

Una variación de “Abierto hasta el amanecer” versión zombie. Los diálogos no poseen la calidad de los del guión de Tarantino ni los FX los creó Tom Savini, pero se pasa un buen rato con su visionado.

“Treevenge” de Jason Eisener

Lo mejor de la noche. Un relato demencial que no deja títere con cabeza (cuando lo vean verán que la frase le viene al pelo) Los abetos, hartos de sufrir el martirio de la tala año tras año por una estúpida tradición deciden rebelarse. La clase media norteamericana ha metido en sus hogares su enemigo más encarnizado. Sadismo, gore y ultra-violencia. Un homenaje al mal gusto. ¡Green revenge!

Os cuelgo uno de los mejores momentos del cortometraje

“Los psychokillers de Dios” de Mikel Usoz

¿Qué pasaría si Bud Spencer y Terence Hill se hubieran dedicado a aleccionar a nuestros jóvenes predicando la palabra del señor? Eso es lo que van a vivir en sus carnes tres jóvenes que pasan el rato en un banco mientras beben, fuman porros y utilizan un lenguaje que a algunos individuos puede parecer blasfemo.

Ostias como panes para calmar los ánimos juveniles.

“Videoclub” de R. Domínguez, J. Manzaneque, Mc Gregor

Todos alguna vez hemos sufrido la mirada de ira del dueño del videoclub cuando devolvíamos una película alquilada el día anterior pasadas las 24horas pertinentes. Esta situación es llevada al extremo en este cortometraje protagonizado por Julián López (Vicentín), que interpreta al atemorizado cliente y Mauro Muñiz (Don Mauro), en el rol de “Dimitri” el dueño con malas pulgas que incluso trafica con mafias coreanas.

A medida que la tensión aumenta entre los personajes, el videoclub funciona como un banco en una película de atracos. Nadie puede salir del recinto, al menos si quiere salir con vida. Unos personajes secundarios convincentes, diálogos ingeniosos que recuerdan a los primeros Tarantino y Guy Ritchie y unos efectos especiales más que convincentes construyen este relato de acción acelerado y canalla.

¡Disfrútenlo!

“La maldición de los hombre triángulo” de Pablo Llorens

Excelente trailer falso que mira con nostalgia la ciencia ficción de la serie b de los años 50. Unos efectos especiales alucinantes y alucinógenos para una trama extraterrestre con “triángulo” amoroso incluido. Pura delicia kistch.

“Mandarinas” de Mikel Usoz

Nunca te comas las mandarinas de un compañero de trabajo sino quieres acabar acribillado a preguntas. Mala leche y malos modales en este cortometraje de big.fat.disgusting.

VIII CERTAMEN NACIONAL DE CORTOS VILLA DE AVILES (Cuaderno de bitácora. Día 2.1)

2009-05-25T18:06:00.000-07:00

JUEVES 21 (Primera sesión)

La dosis de celuloide (o más bien de dvd, dado el carácter digital de todos los cortometrajes) comenzó pronto.

17:00h. Sala de Conferencias de la Casa de Cultura.

Programación: UN VISTAZO ATRÁS (Obras premiadas en el concurso jóvenes realizadores en ediciones anteriores) El nexo común de estos trabajos es que todos están rodados íntegramente en Avilés, utilizando las calles de la ciudad como localizaciones. ¿Imposiciones artísticas?, sí. También les subvencionan el corto. Además, ¿Dónde van a encontrar lugares más bonitos que la calle Galiana o el Parque Ferrera?, que se lo pregunten a Woody Allen (Sino miramos nosotros por la tierra… jejeje)

Cuatro cortos, quizá demasiado largos, fueron proyectados.

“El útimo tren a Tahití”, de Carlos Navarro (Ganador del I concurso de jóvenes realizadores)

Dos jóvenes, dos líneas paralelas en el tiempo. 1995, año del romance. Él, soñador empedernido, cinéfilo incurable. Ella, ilusionada y llena de vida. Una pareja ideal, la rutina no forma parte de su día a día. Diez años después se reencuentran en la estación. Ese tren, el que ella cogió y él no. Ese tren, posiblemente fuera el último.

Bonita historia (a pesar de algún momento postal romántica demasiado adulterado) sobre el paso de la juventud y la ¿inevitable? entrada en la madurez con su ¿consecuente? carga de responsabilidades. Quizá Truffaut (hijo) tuviera razón (como en tantas otras cosas) y aunque la pareja no sea la solución, hoy por hoy es la más acertada.

“RSU” de Pepe Carrasco y César González (Ganador del II concurso de jóvenes realizadores)

Historia de amor (en el sentido más amplio de la palabra) en diferentes generaciones. Desde el flirteo adolescente hasta el tierno cariño de nuestros mayores. Un hogar basta para representar los diferentes grados de amor que todos necesitamos. Se integra en el relato la tradición de las Fiestas del Puchero. Ancestral celebración en la que la novia tiraba una maceta al suelo haciéndola añicos, su novio debía besarla (a la novia, se entiende) y si el número de añicos y besos coincidía esa pareja se casaría en menos de un año.

El tono fluctúa entre el relato amable y algún que otro momento de sordidez. La entrañable tradición hace que el final nos deje un sabor de boca más dulce que amargo.

“KILLER” de Nacho Carballo (Ganador del III concurso de jóvenes realizadores)

Distopía futurista influenciada posiblemente por novelas gráficas como “V de vendetta”, “Transmetropolitan” o “Watchmen” Estética y tono “noir” plagiada de la película “Sin city”, por extensión del cómic homónimo. Trama de manga o peli setentera de venganza. Elenco de actores españoles más que conocidos: Carlos Bardem, Pilar Bardem, Fernando Guillem Cuervo, Beatriz Rico y Sancho Gracia.

Tras la III Guerra Mundial la ciudad de Avilein (en efecto, el nuevo nombre de Avilés) se encuentra divida. Dos clanes mafiosos se disputan el poder. Los killer son asesinos profesionales (mercenarios, vamos) que matan paran poder sobrevivir (o eso dice la voz en off). El protagonista de la historia es uno de ellos. ¡Uff!, Tanta originalidad no puede ser asimilada por mi cerebro.

Cortometraje preseleccionado para la próxima edición del Festival de Sitges. Huelga decir que a mi no me gustó, pero siempre se agradece (o al menos, yo así lo hago) que directores españoles apuesten por el cine de acción al más puro estilo U.S.A. (independientemente del resultado final) sólo por eso mereció la pena su visionado.

“Quid Pro Quo” de Manuel Burque y Francisco Araujo (Ganador del IV concurso de jóvenes realizadores)

Comedia gamberra plagada de diálogos ingeniosos sustentada por la frescura de sus dos protagonistas. La chica perdida (y coja) Natalia Mateo y Luis Callejo (haciendo de geta busca chicas afterhours) Saca partido de las localizaciones, la acción transcurre rápida y fluida. Entretiene, divierte y sorprende. No se puede pedir más.

Véanla y disfruten.

VIII CERTAMEN NACIONAL DE CORTOS VILLA DE AVILES (Cuaderno de bitácora. Día 1)

2009-05-24T12:37:00.000-07:00

Cuatro intensos días de cinefilia y cinefagia se han vivido en Avilés. Tres estupendos largometrajes, infinidad de cortos, sesiones golfas de pelis (y cortos) de terror, monólogos de humor, rifas de libros, comics y dvd`s. Pero, sobre todo, risas, muchas risas nos ha dejado esta edición.

MIÉRCOLES 20

Todo comenzó en el Auditorio de la Casa de Cultura a eso de las 19:00h.
Iñaki Urrutia, con puntualidad británica, nos partía el pecho de tanta carcajada con sus parodias de “El señor de los anillos”, la pelis de Bud Spencer y Terence Hill (en especial “... y sino nos enfadamos”), y las preferencias cinéfilas de su padre. Ya se sabe, las películas las dan (cuando a su padre le gustan. Ej: “Ben -Hur”), las echan (cuando no le gustan, ej: “Ghost”, en Telecinco... otra vez) o las ponen (una porno. - ¿La ponen? - Sí, la ponen a cuatro patas y se la tiran) Humor tan grueso como efectivo.

La gran actuación de Iñaki Urrutia, (a pesar de que cualquier aficionado al canal televisivo “Paramount Comedy” conoce el monólogo al dedillo) no fue secundada por los cortometrajes proyectados posteriormente.

Cuatro cortometrajes sobresalieron del resto del conjunto.

“Berbaoc” de “Taller de Animación de Arteleku”

Realizado por los artistas José Belmonte, Izibeñe Oñederra, Mercedes Sánchez, Agustino, Gustavo Fernández e Iratí Fernández, basándose en una pieza sonora de Xavier Erkizia, creada a partir de una entrevista realizada al músico Santiago Irigoyen.

Estimulante propuesta visual, que juega con las formas y las texturas creando paisajes oníricos partiendo de las formas más cotidianas. Las diferentes técnicas plásticas utilizadas y la abstracción de algunas de sus composiciones, le confieren a esta pieza una factura original.

“Cabaret Kadne” de Marc Riba y Anna Solanas

Stop-motion al servicio de un relato triste, emotivo y estilizado. Con la fuerza de un tango, esta historia de Cabaret deslumbra por su perfección técnica y emociona por la humanidad de sus personajes, Otto y Lola. La pasión por el escenario les hará continuar con su arte. El mundo es bello tras las cortinas del teatro, poco importa lo que ocurra fuera de este lugar mágico.

“Rascal´s street” de Marcos Valín, María Monescillo y David Priego

Cortometraje finalista a la última edición de los premios Goya.
Una historia de pillos en el Londres de 1812. Mr. Webnicker llega tarde a una importante cita. Un músico callejero y su hijo salen en su camino y harán todo lo posible para distraerle mientras le roban. Música clásica y una anécdota universal.

“El cuento más antiguo del mundo” de Jaime Rofes.

Animación flash con trazos simples y colores chillones para narrar con sentido del humor y fina ironía la historia de dos tribus enfrentadas en su lucha por la caza de reses. Utilizando bocadillos en lugar de diálogos y con una dinámica banda sonora, el relato describe situaciones tan duras como el hambre y la guerra sin apelar a la sensibilidad del espectador. Atención al hilarante y refrescante final.

El resto de la programación la completaron los siguientes trabajos:

“El príncipe de las basuras” de Francisco A. Peinado.

Animación tradicional para contar la historia de un niño que vive en un mundo paralelo repleto de ruinas y escombros. Relato post-apocalíptico con ausencia de diálogos, momentos de acción y una mirada excesivamente contemplativa que no llegó a engancharme en ningún momento.

“Daniel´s Journey” de Luis Zamora Pueyo

Una interesante estética, trazos negros sobre fondo blanco para narrar un drama familiar. Un niño que odia a su padre, pues lo considera el culpable de que su madre y su hermana ya no estén junto a ellos. Cortometraje rodado en inglés y subtitulado en castellano que quizá se vea lastrado por su excesivo metraje (14 min.) teniendo en cuento la simplicidad de la historia.

“Despierta, Cachito” de Giovanni Maccelli

Cachito, un niño perezoso, no se levanta para ir al colegio y desobedece a su padre saliendo de casa en su ausencia.

La maravillosa estética lograda a partir de animación Stop-motion contrasta con el acartonamiento argumental de la propuesta. Un relato cargado de tópicos, (vieja bruja, peligro fuera de casa) tan aburrido como innecesario. Para colmo el papá de la criatura salva al atolondrado niño de ¡ser cocinado! (al parecer las paupérrimas pensiones hacen que las pobres ancianas tengan que cocinar niños para llegar a fin de mes).

Teniendo en cuenta el parecido, más que razonable, del papá-héroe con el ex-presidente José María Aznar (más de una risa se pudo oír en el teatro) y la insoportable voz en off que nos tortura durante todo el relato podríamos catalogar el cortometraje como obra de culto del terror más sádico.

Bromas aparte, la animación infantil no tiene por que ser un medio de asustar a los niños. Propuestas como ésta hacen que Disney parezca una fabrica de perversión.

“La princesa alegría” de Daniel Utilla

Imagen real complementada con animación que sirve para describir los mundos fantásticos en los que vive atrapada su protagonista, Eva. Una escritora con esquizofrenia paranoide acompañada siempre por su amigo imaginario Pedro.

A las 22:00h. Se proyectó, dentro del programa cine a un euro, el largometraje de animación “Balsh con Vashir”, de Ari Folman. Película que ya reseñé durante la pasada edición del Festival de Cine de Gijón.

ESTÓMAGO

2008-12-14T19:22:00.000-08:00

“Estômago”
Director: Marcos Jorge
Guión: Lusa Silvestre, Marcos Jorge
Intérpretes: João Miguel, Fabiula Nacimiento, Carlo Briani, Babu Santana, Zeca Cenovicz, Paulo Miklos, Jean Pierre Noher, Alexander Sil.
(Brasil, Italia, 2007)

Presentada en la sección “Esbilla”, la segunda película del brasileño Marcos Jorge llegaba a Gijón tras haber arrasado en la última edición de la Seminci de Valladolid, donde se alzó nada menos que con cuatro premios: Espiga de oro a la mejor película, Premio al Mejor Nuevo Director, Mejor Actor para João Miguel y el Premio de la Juventud.

Marcos Jorge escribe (con la colaboración de Lusa Silvestre) y dirige esta dulce, picante y amarga comedia negra. Al igual que a los platos que prepara Raimundo, a la película no le faltan condimentos para dejarnos un delicioso sabor en la boca. Tiene el punto de sal justo y se nota el esmero y la profesionalidad puestos detrás de las cámaras.

Raimundo Nonato llega a la ciudad de Sao Paulo sin dinero en los bolsillos. Sus innatas dotes culinarias le harán progresar en la vida. Gracias a ellas conquista (a través del estómago) a una glotona y voluptuosa prostituta, Iria. Su destreza ante los fogones tampoco pasa inadvertida para Don Giovanni, el dueño de un prestigioso ristorante de la zona, quien le contrata para su negocio. Raimundo se libra así del mugriento local en el que preparaba “coxinhas” a destajo a cambio de comida y alojamiento. Su nueva vida se ve súbitamente interrumpida con su ingreso en prisión, dónde, otra vez, la cocina le hará escalar posiciones. Esta vez en el difícil orden social de la cárcel.

¿Cuál fue la causa que llevó a este ingenuo joven a prisión? La película narra en paralelo dos acontecimientos claves en la vida de Raimundo: Su llegada a Sao Paulo y su ingreso en la cárcel. La sorpresa, a los postres.

João Miguel, con su brillante interpretación de Raimundo, condimenta la historia añadiendo a su personaje la especia adecuada en cada momento. A lo largo de la película, se muestra tierno, ingenuo o frío, según el caso. Ganándose desde el principio la simpatía del espectador, independientemente de sus acciones. Es un ser humano y como tal no está hecho de una sola pieza sino que tiene varias capas que se irán descubriendo a medida que avance el metraje. La inocencia con la que Raimundo busca un apodo para impresionar a sus compañeros de celda, “Raimundo Navaja” (aunque éstos se lo tomen a guasa y acaben llamándolo “Romero”, por la costumbre del cocinero de añadir este condimento a casi todos sus platos), contrasta con la imagen que tendremos del protagonista al final del metraje. Esa hilaridad que provoca involuntariamente en las personas que le rodean se irá tornando, poco a poco, en “respeto”.

La película es un canto a la supervivencia y a la alegría de vivir. Raimundo es el ejemplo perfecto de la adaptación y superación del ser humano, (aunque esto implique sucumbir a la tentación y entregarse a las bajas pasiones). Una persona sencilla que proviene del campo, cuyo inocente carácter sufrirá un duro revés al contacto con el corrupto mundo de la ciudad; una babilónica Sau Paulo repleta de buena comida y apetecibles mujeres (¡un paraíso en realidad!). Las circunstancias adversas lejos de hacerle desfallecer le proporcionaran valiosas lecciones para aplicar en el futuro.

Los muros de la prisión no serán impedimento para que Raimundo de rienda suelta a su creatividad en la cocina. Esta habilidad, a través de la cual consigue la aprobación de sus compañeros de celda, le proporcionará la protección de Bujiu, un poderoso miembro de la mafia con gran poder e influencia sobre el resto de presos. Su oportunismo y su preocupante amoralidad le llevarán a mejorar considerablemente su situación.

Raimundo no es ningún santo, es un superviviente. Un canalla obligado por las circunstancias que explotará al máximo sus cualidades para llevarse la mayor parte posible del pastel.

No hay lugar para la bondad ni la generosidad en un mundo egoísta, cada uno debe hacerse cargo de si mismo. Este es el amargo mensaje que se desprende de la experiencia de Raimundo Nonato, quien como indica su apellido (como es tradición en Brasil) nació tras fallecer su madre en el parto. A pesar de lo trágico de la existencia siempre habrá motivos para mantenerse alegre. La buena comida, el buen vino y las mujeres son los de Raimundo (y los de casi cualquiera). La vida, al igual que el queso gorgonzola, que tanto gusta a nuestro protagonista, está podrida y huele mal, pero si nos atrevemos a hincarle el diente y la saboreamos nos daremos cuenta de que puede ser una auténtica delicia.

Pero estén tranquilos, no estamos ante un árido drama que pretende explicarnos el significado de la vida. La película está contada con un sentido del humor envidiable. Su ritmo favorece una rápida y plácida digestión. No son pocos los momentos duros a los que nos enfrentamos a lo largo de la historia (la paliza que propina Bujiu a Raimundo al descubrir que el ingrediente del plato que había preparado está compuesto a base de hormigas fritas; o ese gamberro “doble” final con detallito gore incluído). Sin embargo, al terminar la proyección el espectador sale con una sonrisa en su rostro. Una sonrisa fruto del desarrollo de la historia, de la coherencia y naturalidad con la que se describen los hechos. No como consecuencia de una edulcoración del tono para suavizar los segmentos más “incorrectos” u oscuros del film, recurso fácil utilizado por más de un realizador.

Una delicatessen que satisfará tanto a los consumidores de fast food como a los paladares más exigentes.

Los amantes del buen cine y la buena mesa estamos de enhorabuena. ““Estômago”, se estrenará este viernes, 19 de diciembre, en salas españolas distribuida por Alta Films.

Disfruten del tráiler para ir abriendo boca.

LET THE RIGHT ONE IN

2008-12-09T16:20:00.000-08:00

“Låt den rätte komma in”

Director: Tomas Alfredson
Guión: John Ajvide Lindqvist
Intérpretes: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg, Ika Nord, Mikael Rahm, Karl-Robert Lindgren Karl Robert, Anders T. Peedu, Pale Olofsson, Cayetano Ruiz, Patrik Rydmark, Johan Sömnes, Mikael Erhardsson.
(Suecia, 2008)

El joven director sueco Tomas Alfredson adapta al cine con maestría la novela homónima de su compatriota John Ajvide Lindqvist, quien se ha encargado además de la elaboración del guión. Un relato inteligente que la gran pantalla ha “dejado entrar” en las vidas de numerosos espectadores.

La película venía a Gijón respaldada por el éxito en todos los festivales en los que se había presentado. Compitió en la Sección oficial del Festival de Sundance, obtuvo el premio al mejor largometraje en el Festival de Tribeca, Mélies de oro en Sitges y premio del público en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia. Parecía difícil, teniendo en cuenta esta unanimidad de criterio, que este romántico relato vampírico pudiera defraudar. La expectación era máxima, no es de extrañar debido al escaso número de obras de corte fantaterrorífico que suele programar el FIC y la sed de nuevas propuestas que tenemos los aficionados al fantástico. En ediciones anteriores la película programada el primer sábado de madrugada (sesión dedicada al cine fantástico eliminada este año) llenaba siempre la sala. Tal es el caso de “Reeker”, “The Host” o “Dai-Nipponjin”. Una calurosa sala repleta de gente se preparaba para recibir un gélido relato procedente de tierras nórdicas.

Año 1982. Blackeberg, Estocolmo. Oskar, un joven e introvertido muchacho de pelo rubio y tez pálida vive prácticamente al margen de la sociedad. Su triste existencia se reparte entre la soledad de su hogar y los maltratos y humillaciones sufridos en el colegio a manos de tres de sus compañeros. En medio de ese depresivo panorama, a la mortecina luz del atardecer en ese inhóspito paraje en el que Oskar “juega” con una navaja (imaginando una hipotética venganza de sus compañeros de pupitre), aparece la esperanza. Eli, un rayo de luz en forma de niña de cabello oscuro. Un ángel, en la vida de Oskar, que no viene precisamente del cielo. La sed de sangre ha llegado. Lo que para la mayoría será una pesadilla para Oskar será un cuento de hadas con princesa incluida.

Un cuento de hadas, eso es la película de Tomas Alfredson. Un cuento de hadas con los roles invertidos. Eli es el valeroso príncipe que se enfrentará a los malvados caballeros (compañeros de clase) que tienen secuestrada a la indefensa princesa, Oskar.

Un cuento hipnótico, cruel y retorcido en un contexto realista. Y es que en ocasiones no hay mayor realidad que el absurdo de la existencia en un mundo plagado de violencia, parece decirnos Alfredson a través de su imperturbable objetivo. Su heroína es una vampiresa maloliente que no pierde la esperanza vital a pesar de los largos años de sufrimiento encerrada en su aniñado cuerpo, que lucha por ser aceptada por un niño tan marginal como ella. "¿Me querrías aunque no fuese una chica?", le pregunta Eli. El amor surge entre dos criaturas heridas que viven una realidad ajena al resto de los mortales.

La obra se encuentra a caballo entre el cine de autor y el cine de género. Esta personal historia toma los mejores elementos de estas dos formas de entender el cine. Es indudable la fuerte personalidad que el realizador imprime al relato. El tempo es pausado, se utilizan sabiamente los silencios y las miradas, la fotografía tiene un tono suave, huye de los fuertes contrastes, la iluminación es natural, en absoluto artificiosa, no encontraremos aquí la tan manida estética gótica ni neo-gótica tan común al género, el guión tiene un desarrollo original y sus personajes huyen del estereotipo.

Pero además de ser audaz la propuesta también es respetuosa con la mejor tradición del cine de vampiros. No faltan los cruentos y sangrientos sacrificios para alimentar a la bestia (perpetrados por el supuesto padre de Eli, cambiando castillos transilvanos por parques y bosques suecos), saciando así su trágica y eterna dependencia de sangre.

Se describe en dos brillantes escenas la vulnerabilidad del vampiro. La primera cuando Eli, vacilante en el umbral, pide permiso para entrar en el domicilio de Oskar (haciendo gala de sus impecables y necesarios modales al igual que sus clásicos antepasados transilvanos), cuya burla tendrá desagradables consecuencias (a destacar los brillantes efectos especiales que plasman la resolución de la escena) La segunda cuando un habitante preso de la ira intenta emular a Van Helsing dando caza a Eli mientras ésta duerme en la bañera y la luz del sol apunto está de acabar con su vida.

La película también posee un acentuado aire grandguiñolesco, incluso gore, en puntuales y gratificantes escenas que harán las delicias del aficionado al gamberro cine de terror setentero (el fiero ataque de los gatos a una mujer vampirizada y su posterior combustión espontánea en la cama de un hospital).

La interpretación que llevan a cabo los jóvenes protagonistas es de una madurez impresionante. Lina Leandersson, construye un personaje tan atractivo como ambiguo, la ternura y el sadismo se reflejan a la perfección en su rostro. El trabajo del maquillaje es inmejorable y sin el no hubiera sido posible dotar de tanto realismo al personaje. Esa mirada de Samuel Beckett en la cara de Audrey Hepburn que describe la novela está magníficamente plasmada mediante unos primeros planos aterradores. Al igual que las escenas en que su rostro envejece de forma repentina.

Kåre Hedebrant está inconmensurable en la piel de ese inocente (en apariencia), introvertido y desequilibrado (hay algo en su mirada que asusta) niño que no duda en entregarse a Eli a pesar de su condición de vampiresa. El horror ya lo conoce y lo ejercen personas de carne y hueso.

Una subyugante y desgarradora historia de amor entre niños, independientemente de su naturaleza, que está por encima de las restricciones morales. Un relato íntimo, tierno, oscuro, clásico e innovador al tiempo. Huyendo de los tópicos y de los lugares comunes pero respetando la tradición del género, el director sueco, construye la película sobre vampiros más interesante y personal de los últimos años.